– Arte contemporáneo – Estética y posthumanismo – Arte conceptual – Poética del cine – Políticas de género y las multitudes Queer – Artes escénicas – Ontología de lo Fantástico – Polisemia visual – Semántica de los mundos posibles – Estética y Fenomenología – Cultura Visual y Medios Digitales – No lugares y Espacio público – Simulacros y simulación – Artes de la representación – Anti-teatro y Nihilismo – Plástica contemporánea – Pintura matérica – Poética del espacio – Antipoesía – Performances – Pina Bausch; Danza Abstracta y Psicodrama Analítico – Expresionismo abstracto (La Escuela de londres: Francis Bacon y Lucien Freud) – Arte y Psicopatología – El Giro estético – El Conceptualismo ruso – El Dadaismo y el El Ready-Made de Marcel Duchamp.
– Heidegger y Sloterdijk: La política como plástica del ser, nacionalsocialismo privado y crítica del imaginario filoagrario.
– Discusiones en torno a la naturaleza de la obra de arte en Heidegger y Chillida: Espacio y vacío. Desierto y Morada.
– El punto de partida del arte contemporáneo: desde la Vanguardias Artísticas: Dadaismo, Surrealismo, etc, hasta la “Escuela de Nueva York” [Action Painting: Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning, etc.]
– Nicanor Parra, Anti.poesía, artefactos dramáticos y recuperación del habla empírica.
– Estética posmoderna: conceptos de metanarrativa, intertextualidad y fragmento.
– Nunca fue tan hermosa la Basura; hacia una ‘Estética de lo peor’.
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. 221 páginas | I.S.B.N.: 978-84-7822-523-1
Artículos
“El Giro Estético de la Epistemología; La ficción como conocimiento, subjetividad y texto”, En Revista AISTHESIS, Instituto de Estética, Pontificia Universidad Católica de Chile, PUC, Nº. 40, 2006, pp. 45-61.
«Nietzsche: De la voluntad de ficción al pathos de la verdad. Aproximación estético-epistemológica a la concepción biológica de lo literario«, En NÓMADAS Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – Universidad Complutense de Madrid, Nº 36 | Julio-Diciembre2012-2013 (II) pp. 315-338 http://dx.doi.org/10.5209/rev_NOMA.2012.v36.n4.42319 Nómadas: CNIE, Compludoc, Dialnet, DICE, CINDOC, DOAJ, IN-RECS, Latindex, RAMSES,REBIUN y Red ALyC
“Ontología del cuerpo y estética de la enfermedad en Jean–Luc Nancy; de la téchne de los cuerpos a la apostasía de los órganos«, En EIKASIA, Revista de Filosofía, Nº 44 -Mayo 2012- ISSN 1885-5679 – Oviedo, España, pp. 59-84. (ÍnDICEs-CSIC) – RESH http://www.revistadefilosofia.com/44-04.pdf
“Byung-Chul Han: la sociedad de la transparencia, autoexplotación neoliberal y psicopolítica. De lo viral-inmunológico a lo neuronal-estresante”, En NÓMADAS. Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas, UCM – Universidad Complutense de Madrid Vol. 52 Núm. 4 (2017): Número especial: Settimana Bologna 2017 / Investigación DOI: https://doi.org/10.5209/NOMA.56074
“Heidegger y Sloterdijk: La Provocación de la técnica, el claroscuro de la verdad y la domesticación del Ser (más allá de la matriz bucólica de la pastoral heideggeriana)” NÓMADAS: Revista crítica de ciencias sociales y jurídicas, Universidad Complutense, ISSN-e 1578-6730, Nº. 51, 2017, 239-271 Nómadas: CNIE, Compludoc, Dialnet, DICE, CINDOC, DOAJ, IN-RECS, Latindex, RAMSES, REBIUN y Red ALyC
“Derrida: Deconstrucción, ‘différence’ y diseminación. Una historia de parásitos, huellas y espectros”, En NÓMADAS*, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – Universidad Complutense de Madrid, Nómadas Nº 48 | Julio-Diciembre. 2016, pp. 289 -301.https://doi.org/10.5209/NOMA.53302
“Baudrillard y Danto: simulacros y políticas del signo después del fin del arte”, en AdVersuS, Revista de Semiótica, Buenos Aires – año XII | Nº 28 – 2015, Instituto Ítalo-Argentino di Ricerca Sociale (IIRS) – ISSN 1669-7588
“Arte Conceptual y Posconceptual. La idea como arte: Duchamp, Beuys, Cage y Fluxus”, En NÓMADAS, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID, Nómadas Nº 37 | Enero-Junio 2013 (I), pp. 100 – 130
“Diálogo de Exiliados, Cine y Políticas estéticas en Latinoamérica: Raúl Ruiz, Territorios, Ontología de lo fantástico y Polisemia visual”, En NÓMADAS, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – Universidad Complutense de Madrid UCM, Nº MONOGRÁFICO [Nº Especial: América Latina (2012)], pp. 187 – 211
“El Arte abandona la galería, ¿adónde va?; De la Crítica de Arte al negocio del arte como sistema de celos”, En DEBAT’S Nº 101 – 108, pp. 19-26, Revista trimestral editada por la Institució Alfons el Magnànim, Valencia, España.
– Arte contemporáneo – Estética y posthumanismo – Arte conceptual – Poética del cine – Políticas de género y las multitudes Queer – Artes escénicas – Ontología de lo Fantástico – Polisemia visual – Semántica de los mundos posibles – Estética y Fenomenología – Cultura Visual y Medios Digitales – No lugares y Espacio público – Simulacros y simulación – Artes de la representación – Anti-teatro y Nihilismo – Plástica contemporánea – Pintura matérica – Poética del espacio – Antipoesía – Performances – Pina Bausch; Danza Abstracta y Psicodrama Analítico – Expresionismo abstracto (La Escuela de londres: Francis Bacon y Lucien Freud) – Arte y Psicopatología – El Giro estético – El Conceptualismo ruso – El Dadaismo y el El Ready-Made de Marcel Duchamp.
– Heidegger y Sloterdijk: La política como plástica del ser, nacionalsocialismo privado y crítica del imaginario filoagrario.
– Discusiones en torno a la naturaleza de la obra de arte en Heidegger y Chillida: Espacio y vacío. Desierto y Morada.
– El punto de partida del arte contemporáneo: desde la Vanguardias Artísticas: Dadaismo, Surrealismo, etc, hasta la “Escuela de Nueva York” [Action Painting: Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning, etc.]
– Nicanor Parra, Anti.poesía, artefactos dramáticos y recuperación del habla empírica.
– Estética posmoderna: conceptos de metanarrativa, intertextualidad y fragmento.
– Nunca fue tan hermosa la Basura; hacia una ‘Estética de lo peor’.
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. 221 páginas | I.S.B.N.: 978-84-7822-523-1
Artículos
“El Giro Estético de la Epistemología; La ficción como conocimiento, subjetividad y texto”, En Revista AISTHESIS, Instituto de Estética, Pontificia Universidad Católica de Chile, PUC, Nº. 40, 2006, pp. 45-61.
«Nietzsche: De la voluntad de ficción al pathos de la verdad. Aproximación estético-epistemológica a la concepción biológica de lo literario«, En NÓMADAS Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – Universidad Complutense de Madrid, Nº 36 | Julio-Diciembre2012-2013 (II) pp. 315-338 http://dx.doi.org/10.5209/rev_NOMA.2012.v36.n4.42319 Nómadas: CNIE, Compludoc, Dialnet, DICE, CINDOC, DOAJ, IN-RECS, Latindex, RAMSES,REBIUN y Red ALyC
“Ontología del cuerpo y estética de la enfermedad en Jean–Luc Nancy; de la téchne de los cuerpos a la apostasía de los órganos«, En EIKASIA, Revista de Filosofía, Nº 44 -Mayo 2012- ISSN 1885-5679 – Oviedo, España, pp. 59-84. (ÍnDICEs-CSIC) – RESH http://www.revistadefilosofia.com/44-04.pdf
“Byung-Chul Han: la sociedad de la transparencia, autoexplotación neoliberal y psicopolítica. De lo viral-inmunológico a lo neuronal-estresante”, En NÓMADAS. Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas, UCM – Universidad Complutense de Madrid Vol. 52 Núm. 4 (2017): Número especial: Settimana Bologna 2017 / Investigación DOI: https://doi.org/10.5209/NOMA.56074
“Heidegger y Sloterdijk: La Provocación de la técnica, el claroscuro de la verdad y la domesticación del Ser (más allá de la matriz bucólica de la pastoral heideggeriana)” NÓMADAS: Revista crítica de ciencias sociales y jurídicas, Universidad Complutense, ISSN-e 1578-6730, Nº. 51, 2017, 239-271 Nómadas: CNIE, Compludoc, Dialnet, DICE, CINDOC, DOAJ, IN-RECS, Latindex, RAMSES, REBIUN y Red ALyC
“Derrida: Deconstrucción, ‘différence’ y diseminación. Una historia de parásitos, huellas y espectros”, En NÓMADAS*, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – Universidad Complutense de Madrid, Nómadas Nº 48 | Julio-Diciembre. 2016, pp. 289 -301.https://doi.org/10.5209/NOMA.53302
“Baudrillard y Danto: simulacros y políticas del signo después del fin del arte”, en AdVersuS, Revista de Semiótica, Buenos Aires – año XII | Nº 28 – 2015, Instituto Ítalo-Argentino di Ricerca Sociale (IIRS) – ISSN 1669-7588
“Arte Conceptual y Posconceptual. La idea como arte: Duchamp, Beuys, Cage y Fluxus”, En NÓMADAS, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID, Nómadas Nº 37 | Enero-Junio 2013 (I), pp. 100 – 130
“Diálogo de Exiliados, Cine y Políticas estéticas en Latinoamérica: Raúl Ruiz, Territorios, Ontología de lo fantástico y Polisemia visual”, En NÓMADAS, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – Universidad Complutense de Madrid UCM, Nº MONOGRÁFICO [Nº Especial: América Latina (2012)], pp. 187 – 211
“El Arte abandona la galería, ¿adónde va?; De la Crítica de Arte al negocio del arte como sistema de celos”, En DEBAT’S Nº 101 – 108, pp. 19-26, Revista trimestral editada por la Institució Alfons el Magnànim, Valencia, España.
– Arte contemporáneo – Estética y posthumanismo – Arte conceptual – Poética del cine – Políticas de género y las multitudes Queer – Artes escénicas – Ontología de lo Fantástico – Polisemia visual – Semántica de los mundos posibles – Estética y Fenomenología – Cultura Visual y Medios Digitales – No lugares y Espacio público – Simulacros y simulación – Artes de la representación – Anti-teatro y Nihilismo – Plástica contemporánea – Pintura matérica – Poética del espacio – Antipoesía – Performances – Pina Bausch; Danza Abstracta y Psicodrama Analítico – Expresionismo abstracto (La Escuela de londres: Francis Bacon y Lucien Freud) – Arte y Psicopatología – El Giro estético – El Conceptualismo ruso – El Dadaismo y el El Ready-Made de Marcel Duchamp.
– Heidegger y Sloterdijk: La política como plástica del ser, nacionalsocialismo privado y crítica del imaginario filoagrario.
– Discusiones en torno a la naturaleza de la obra de arte en Heidegger y Chillida: Espacio y vacío. Desierto y Morada.
– El punto de partida del arte contemporáneo: desde la Vanguardias Artísticas: Dadaismo, Surrealismo, etc, hasta la “Escuela de Nueva York” [Action Painting: Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning, etc.]
– Nicanor Parra, Anti.poesía, artefactos dramáticos y recuperación del habla empírica.
– Estética posmoderna: conceptos de metanarrativa, intertextualidad y fragmento.
– Nunca fue tan hermosa la Basura; hacia una ‘Estética de lo peor’.
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. 221 páginas | I.S.B.N.: 978-84-7822-523-1
Artículos
“El Giro Estético de la Epistemología; La ficción como conocimiento, subjetividad y texto”, En Revista AISTHESIS, Instituto de Estética, Pontificia Universidad Católica de Chile, PUC, Nº. 40, 2006, pp. 45-61.
«Nietzsche: De la voluntad de ficción al pathos de la verdad. Aproximación estético-epistemológica a la concepción biológica de lo literario«, En NÓMADAS Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – Universidad Complutense de Madrid, Nº 36 | Julio-Diciembre2012-2013 (II) pp. 315-338 http://dx.doi.org/10.5209/rev_NOMA.2012.v36.n4.42319 Nómadas: CNIE, Compludoc, Dialnet, DICE, CINDOC, DOAJ, IN-RECS, Latindex, RAMSES,REBIUN y Red ALyC
“Ontología del cuerpo y estética de la enfermedad en Jean–Luc Nancy; de la téchne de los cuerpos a la apostasía de los órganos«, En EIKASIA, Revista de Filosofía, Nº 44 -Mayo 2012- ISSN 1885-5679 – Oviedo, España, pp. 59-84. (ÍnDICEs-CSIC) – RESH http://www.revistadefilosofia.com/44-04.pdf
“Byung-Chul Han: la sociedad de la transparencia, autoexplotación neoliberal y psicopolítica. De lo viral-inmunológico a lo neuronal-estresante”, En NÓMADAS. Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas, UCM – Universidad Complutense de Madrid Vol. 52 Núm. 4 (2017): Número especial: Settimana Bologna 2017 / Investigación DOI: https://doi.org/10.5209/NOMA.56074
“Heidegger y Sloterdijk: La Provocación de la técnica, el claroscuro de la verdad y la domesticación del Ser (más allá de la matriz bucólica de la pastoral heideggeriana)” NÓMADAS: Revista crítica de ciencias sociales y jurídicas, Universidad Complutense, ISSN-e 1578-6730, Nº. 51, 2017, 239-271 Nómadas: CNIE, Compludoc, Dialnet, DICE, CINDOC, DOAJ, IN-RECS, Latindex, RAMSES, REBIUN y Red ALyC
“Derrida: Deconstrucción, ‘différence’ y diseminación. Una historia de parásitos, huellas y espectros”, En NÓMADAS*, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – Universidad Complutense de Madrid, Nómadas Nº 48 | Julio-Diciembre. 2016, pp. 289 -301.https://doi.org/10.5209/NOMA.53302
“Baudrillard y Danto: simulacros y políticas del signo después del fin del arte”, en AdVersuS, Revista de Semiótica, Buenos Aires – año XII | Nº 28 – 2015, Instituto Ítalo-Argentino di Ricerca Sociale (IIRS) – ISSN 1669-7588
“Arte Conceptual y Posconceptual. La idea como arte: Duchamp, Beuys, Cage y Fluxus”, En NÓMADAS, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID, Nómadas Nº 37 | Enero-Junio 2013 (I), pp. 100 – 130
“Diálogo de Exiliados, Cine y Políticas estéticas en Latinoamérica: Raúl Ruiz, Territorios, Ontología de lo fantástico y Polisemia visual”, En NÓMADAS, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – Universidad Complutense de Madrid UCM, Nº MONOGRÁFICO [Nº Especial: América Latina (2012)], pp. 187 – 211
“El Arte abandona la galería, ¿adónde va?; De la Crítica de Arte al negocio del arte como sistema de celos”, En DEBAT’S Nº 101 – 108, pp. 19-26, Revista trimestral editada por la Institució Alfons el Magnànim, Valencia, España.
𝗦 𝗘 𝗠 𝗜 𝗡 𝗔 𝗥 𝗜 𝗢 “𝗘𝗦𝗧É𝗧𝗜𝗖𝗔, 𝗖𝗥𝗘𝗔𝗧𝗜𝗩𝗜𝗗𝗔𝗗 𝗬 𝗣𝗦𝗜𝗖𝗢𝗣𝗔𝗧𝗢𝗟𝗢𝗚Í𝗔”. 𝗣𝗼𝗹𝗶𝘀𝗲𝗺𝗶𝗮 𝘃𝗶𝘀𝘂𝗮𝗹, 𝗔𝗿𝘁𝗲 𝗰𝗼𝗻𝗰𝗲𝗽𝘁𝘂𝗮𝗹 𝘆 𝗹𝗮 é𝗽𝗼𝗰𝗮 𝗰𝗿𝗶𝗺𝗶𝗻𝗮𝗹 𝗱𝗲 𝗹𝗼 𝗺𝗼𝗻𝘀𝘁𝗿𝘂𝗼𝘀𝗼.Dr. Adolfo Vasquez RoccaUniversidad Complutense de Madrid. UCM Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes – SEyTAhttp://www.seyta.org/vasquez-rocca-adolfo/ Online Zoom: Video Conferencing Cupos limitadosInicio→ Sábado 13 de agosto𝗦𝗲 𝗖𝗲𝗿𝘁𝗶𝗳𝗶𝗰𝗮𝗿áAsistencia y Diploma al completar el curso𝗣𝗿𝗼𝗴𝗿𝗮𝗺𝗮 𝘆 𝗱𝗲𝘀𝗰𝗿𝗶𝗽𝗰𝗶ó𝗻 𝗱𝗲𝗹 𝗖𝘂𝗿𝘀𝗼https://cutt.ly/oL13jrwOnline Zoom: Video Conferencing Cupos limitadosSe certificaráAsistencia y Diploma al completar el cursoDuración: 4 sesiones de 2hrs.Horario: 11:00 a 13:00hrs. hora de Chile (15:00 UTC)Valor: $ 90.000 CLP / $ 85 USD$ 80.000 CLP(Descuento Pago vía transferencia bancaria)Inscripciones y Consultas a: informaciones.cipca@gmail.com
”𝗘𝗦𝗧É𝗧𝗜𝗖𝗔, 𝗖𝗥𝗘𝗔𝗧𝗜𝗩𝗜𝗗𝗔𝗗 𝗬 𝗣𝗦𝗜𝗖𝗢𝗣𝗔𝗧𝗢𝗟𝗢𝗚Í𝗔”.𝗣𝗼𝗹𝗶𝘀𝗲𝗺𝗶𝗮 𝘃𝗶𝘀𝘂𝗮𝗹, 𝗔𝗿𝘁𝗲 𝗰𝗼𝗻𝗰𝗲𝗽𝘁𝘂𝗮𝗹 𝘆 𝗹𝗮 é𝗽𝗼𝗰𝗮 𝗰𝗿𝗶𝗺𝗶𝗻𝗮𝗹 𝗱𝗲 𝗹𝗼 𝗺𝗼𝗻𝘀𝘁𝗿𝘂𝗼𝘀𝗼.Dr. Adolfo Vasquez RoccaUniversidad Complutense de Madrid. UCM Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes – SEyTAhttp://www.seyta.org/vasquez-rocca-adolfo/ Online Zoom: Video ConferencingCupos limitadosInicio→ Sábado 13 de agosto 𝗦𝗲 𝗖𝗲𝗿𝘁𝗶𝗳𝗶𝗰𝗮𝗿áAsistencia y Diploma al completar el curso 𝗣𝗿𝗼𝗴𝗿𝗮𝗺𝗮 𝘆 𝗱𝗲𝘀𝗰𝗿𝗶𝗽𝗰𝗶ó𝗻 𝗱𝗲𝗹 𝗖𝘂𝗿𝘀𝗼https://cutt.ly/oL13jrwOnline Zoom: Video ConferencingCupos limitadosSe certificará Asistencia y Diploma al completar el cursoDuración: 4 sesiones de 2hrs.Horario: 11:00 a 13:00hrs. hora de Chile (15:00 UTC)Valor: $ 90.000 CLP / $ 85 USD$ 80.000 CLP(Descuento Pago vía transferencia bancaria)Inscripciones y Consultas a: informaciones.cipca@gmail.com
S E M I N A R I O”ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICOPATOLOGÍA”.Polisemia visual, Arte conceptual y la época criminal de lo monstruoso Dr. Adolfo Vasquez RoccaUniversidad Complutense de Madrid. UCM Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes – SEyTAhttp://www.seyta.org/vasquez-rocca-adolfo/Online Zoom: Video ConferencingCupos limitadosInicio→ Sábado 13 de agostoSe certificaráAsistencia y Diploma al completar el cursoPrograma y descripción del Cursohttps://drive.google.com/…/1dn_l…/view…
– Arte contemporáneo – Estética y posthumanismo – Arte conceptual – Poética del cine – Políticas de género y las multitudes Queer – Artes escénicas – Ontología de lo Fantástico – Polisemia visual – Semántica de los mundos posibles – Estética y Fenomenología – Cultura Visual y Medios Digitales – No lugares y Espacio público – Simulacros y simulación – Artes de la representación – Anti-teatro y Nihilismo – Plástica contemporánea – Pintura matérica – Poética del espacio – Antipoesía – Performances – Pina Bausch; Danza Abstracta y Psicodrama Analítico – Expresionismo abstracto (La Escuela de londres: Francis Bacon y Lucien Freud) – Arte y Psicopatología – El Giro estético – El Conceptualismo ruso – El Dadaismo y el El Ready-Made de Marcel Duchamp.http://www.seyta.org/vasquez-rocca-adolfo/
Intereses en la investigación/
– Heidegger y Sloterdijk: La política como plástica del ser, nacionalsocialismo privado y crítica del imaginario filoagrario.
– Discusiones en torno a la naturaleza de la obra de arte en Heidegger y Chillida: Espacio y vacío. Desierto y Morada.
– El punto de partida del arte contemporáneo: desde la Vanguardias Artísticas: Dadaismo, Surrealismo, etc, hasta la “Escuela de Nueva York” [Action Painting: Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning, etc.]
– Nicanor Parra, Anti.poesía, artefactos dramáticos y recuperación del habla empírica.
– Estética posmoderna: conceptos de metanarrativa, intertextualidad y fragmento.
– Nunca fue tan hermosa la Basura; hacia una ‘Estética de lo peor’.
Fluxus y Beuys: de la acción de arte a la plástica social
Adolfo Vásquez Rocca
Fluxus es informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón: en el movimiento Fluxus, figuran artistas como Joseph Beuys , Nam June Paik, George Maciunas, entre otros.
ACCIÓN, DESMATERIALIZACIÓN, CONCEPTO – DEL FLUXUS AL ARTE CONCEPTUAL – DADAÍSMO Y ARTE CONCEPTUAL POR ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
Fluxus se desarrolla a partir del nuevo interés que surge tanto en Estados Unidos como en Europa por el dadá y la figura de John Cage. Opuesto a la tradición artística este movimiento busca ante todo la fusión y la mezcla de todas las prácticas artísticas: música, acción, artes plásticas. Una vez elegido el nombre del movimiento Maciunas edita una antología vanguardista elaborada por Young y proyecta una publicación que refleja el estado de flujo en que se funden las artes. En 1962 Maciunas organiza una gran ‘Gira Fluxus’ que dura hasta 1964, pasando por Moscú, Tokyo y Berlín. En 1963 Joseph Beuys se une a Fluxus en Düsseldorf y los conciertos del grupo de multiplican por toda Europa. Esta efervescencia de Fluxus va acompañada de panfletos, sellos, carteles, películas y cajas que se reeditan muchas veces. En Fluxus se mezcla la alta cultura con la popular, el arte, el juego, lo insignificante y un inexistente valor mercantil del producto o acciones realizadas.
Como Dadá, Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como ‘arte total’.
“Acción, desmaterialización, concepto. Del Fluxus al arte conceptual”
Fluxus es antes que todo un estado de ánimo, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine.La revolución artística de Fluxus –intrínsecamente vital– incitada por el presente y dirigida hacia el futuro, creó la noción de que cada individuo constituye una obra de arte en sí mismo y que la vida se puede entender como una composición artística global.
Los atributos singulares de los conciertos Fluxus y sus arreglos – por poner sólo un ejemplo– son un reconocimiento al carácter aleatorio de la realidad.
Pareciera que para justificar el estatus elitista, profesional y parasitario del artista en la sociedad, debe demostrar su indispensabilidad y exclusividad, debe demostrar la dependencia del público con respecto a él, debe demostrar que nadie más que el artista puede hacer arte. Por lo tanto, el arte debe parecer complejo, pretencioso, profundo, serio, intelectual, inspirado, habilidoso, significativo, teatral.
Debe parecer calculable como una mercancía, de modo que le proporcione un ingreso al artista. Para elevar su valor (el ingreso del artista y la ganancia de sus patrocinadores), el arte se hace para que parezca raro, de cantidad limitada y por lo tanto accesible sólo para la élite social y las instituciones.
“Acción, desmaterialización, concepto. Del Fluxus al arte conceptual”
Por lo tanto, el arte entendido como creatividad y praxis lúdica, esto es, como diversión debe ser simple, divertido, no pretencioso, preocupado por las insignificancias, que no requiera habilidades o ensayos interminables, que no tenga valor ni institucional ni como mercancía. En Fluxus esta pues en juego la idea de arte como diversión, como desenfado.El valor del arte-diversión debe reducirse haciéndolo ilimitado, producido en masa, obtenible por todos y eventualmente producido por todos. El arte-diversión fluxus es la retaguardia sin ninguna pretensión impulso de participar en la competencia de ‘legar a otro nivel’ con la vanguardia. Apela por las cualidades monoestructurales y no teatrales del evento natural simple, un juego o una broma. Es la fusión del Vaudeville de Spike Jones, la broma, los juegos de niños y Duchamp [Nota 1].
Más que de un planteamiento positivo, Fluxus se define a partir de lo que no pretende. Como acontecimiento que surge de manera espontánea, se atiene al instante del ser y acepta su propio carácter efímero. Sus acciones y performances rechazan la repetición. La distancia temporal hacia los acontecimientos es casi insuperable. Y así, en sentido estricto, Fluxus sólo puede ser difundido a partir de una contradicción constitutiva, es decir, como documentación, mediante fotografías, apuntes, objetos-reliquia, múltiples y publicaciones [Nota 2].
Las primeras actividades de Fluxus se llevaron a cabo a principios de los años 60. El campo de tensión de los múltiples movimientos anti-arte que sucedieron las ideas de Marcel Duchamp –neo-dada en Nueva York, nouveau réalisme en París, Zero en Düsseldorf- permitió una libre exploración de la realidad y cuestionó el significado tradicional de los medios artísticos. En el intento de reconciliar el arte con la vida se basó un importante impulso para el surgimiento de nuevas formas artísticas que no se centraban en la producción de artefactos, sino en la acción y la participación activa del público, la interactividad.
“ Exposición “Dadaísmo y arte conceptual”
La estética que inspiraba al movimiento provenía de Estados Unidos. John Cage la había impreso del espíritu de la música; de esta manera, Fluxus se deriva no tanto de la historia evolutiva de las artes plásticas sino, sobre todo, de la música experimental. En esta conexión de pensamiento radica también el motivo de la transposición de límites mediáticos que caracterizó desde el inicio sus actividades. Fluxus reunió a músicos, literatos y artistas plásticos en producciones conjuntas y encontró una expresión sensorial en conciertos, eventos, manifiestos y ediciones.Este proceso encuentra su punto de mayor alcance en la formulación del concepto ampliado de arte y en la búsqueda de la consecución de la obra de arte total [Nota 3]. ‘Esta formula –y esta búsqueda– la practicó Joseph Beuys cuando quiso articular vitalmente lo ético, lo político y lo artístico, la intentó –también– Marcel Duchamp cuando afirmó su idea de arte como filosofía crítica y la explotó Andy Warhol gracias a su prodigiosa habilidad para disolver todo gesto artístico en la esfera de las comunicaciones y el mercado o, en otra palabras, volver la mercancía obra de arte’ [Nota 4].
Beuys y Fluxus; la plástica social
La carrera artística desarrollada por Beuys se halla estrechamente relacionada con el movimiento Fluxus espacio – que como se ha visto – se abre a la imaginación como espacio ideológico, que atiende, prioritariamente, a la defensa de la acción como objeto artístico.En las propuestas de Beuys se alienta el espíritu vanguardista que intenta identificar arte y vida, y proclamar que todo ser humano es depositario de una fuerza creativa. Para Beuys, esa fuerza creativa universal se revela en el trabajo. Y, por tanto, la tarea del artista no es, en su raíz, distinta de la de los no artistas.
Beuys solía decir ‘estoy a favor del arte’ y ‘a favor del anti-arte’. Beuys no deseaba producir un anti-arte que ocupara los museos como alternativa, sino uno que abriera los museos pero sobre todo, que abriera nuevas posibilidades al hombre. Deseaba que éste recuperara su contacto con la animalidad [Nota 5] y las plantas [Nota 6], así como con los ángeles y la dimensión espiritual del arte.La consecuencia más importante de estas concepciones en el desplazamiento del centro de interés creativo. Beuys no buscaba producir objetos, ‘obras’, sino acciones. Beuys ambiciona la condición del nómada. En el reino del hombre urbano sedentario, quiere ser desplazamiento continuo. Lo nómada es la existencia en un lugar que es camino hacia todos los lugares. Es goce del movimiento; es proyección hacia el volumen completo del espacio [Nota 7]
Beuys se califica a sí mismo como escultor social; precisamente este es un punto de inflexión donde su arte deviene política o más exactamente en bio-política. Qué es política, sino dar forma a la vida de un pueblo. La política como arte, el arte como política, en el continuum arte–vida. La corriente vital que es el lenguaje… La idea de un pueblo esta ligada de forma muy elemental a su lengua; un pueblo no es una raza !. Estas convicciones han llevado a Beuys a desarrollar su concepto de escultura social que se origina en el discurso y el pensamiento que lo aprende y los conceptos que dan forma a la emoción y el deseo. De esta manera la verdadera historia de la invención del pueblo vendrá en manos del artista chamán en tanto que es quien convoca sobre sí los poderes ancestrales, las agitaciones y la verdadera razón de estar juntos. Beuys a este respecto señala: ‘Si quiero crear un concepto revolucionario del hombre, tengo que hablar sobre todos los poderes que están relacionados con él. Para establecer sus lazos descendientes con animales, plantas y naturaleza, así como sus vínculos ascendentes… tendré que hablar de todos los poderes de nuevo’.
En febrero de 1916, en el cabaret Voltaire de Zúrich (Suiza), se funda la vanguardia artística más revolucionaria desde el punto de vista conceptual, surgida a finales de la primera década del siglo XX, es el movimiento Dada. No es casual que sea ésta la ciudad que sirva como escenario de su origen. La primera guerra mundial obliga a muchos intelectuales de la época a una inevitable emigración cultural y Zúrich se convierte en refugio de estos artistas.
Suiza, es un país neutral en el conflicto bélico y poseedor del dinero de los países en guerra, por lo que no resulta un objetivo de interés militar, es decir a nadie le conviene poner en peligro su dinero que celosamente guardan los bancos suizos.
Desde el punto de vista social, la situación de desgarro y dolor en la Europa de la guerra, trajo consigo una importante perdida de los valores humanos, así como el desencanto por los aspectos bellos de la vida, aspectos estos que funcionan como el motor impulsor de esta nueva revolución artística en el terreno de las ideas.
Este movimiento artístico originariamente europeo pero con manifestaciones también en New York, se desarrolló aproximadamente entre los años 1915 y 1922, y se caracterizaba desde el punto de vista conceptual, por su espíritu de rebelión anárquica contra los valores tradicionales y a la que algunos artistas reaccionaron con claro nihilismo e ironía de una forma abierta y a veces un tanto excéntrica manifestada en el discurso de sus obras. Aunque originalmente, el Dadaísmo aparece en dos países neutrales, Suiza y EE UU, hacia el final de la guerra se extiende a Alemania y posteriormente a unos pocos países más. La carnicería sin precedentes de la guerra llevó a los dadaístas a cuestionar los valores de una sociedad que la había provocado, sumida en una bancarrota moral. Por ejemplo, el pintor rumano-israelí, Marcel Janco (1895 – 1985) escribió acerca del movimiento: “habíamos perdido la esperanza de que el arte pudiera algún día conseguir un lugar justo en nuestra sociedad. No podíamos más de la rabia y de la pena por el sufrimiento y humillación de la humanidad”.
Su respuesta iría hasta los límites de la bufonería y el comportamiento provocador para sacudir a la población de su corrupta complacencia. Uno de sus primeros blancos fue el mundo artístico institucionalizado de ideas burguesas, tanto en el gusto como en la preocupación por el valor mercantil. Deliberadamente, los dadaístas desobedecieron los cánones de belleza establecidos y exageraron el factor del azar y el juego en la creación artística; la actividad del grupo se consideraba más importante que las obras individuales; los soportes tradicionales, tanto en la pintura como en la escultura, fueron abandonados masivamente a favor de las técnicas y procedimientos del tipo “collage”, fotomontaje, objetos y “Ready Mades”, en los que el interés no se centraba ni en los materiales elegantes ni una concepción tradicional del dibujo. Aunque los dadaístas despreciaron el arte del pasado, sus métodos y manifiestos, en particular las técnicas de ofensa y provocación, estaban en deuda con el futurismo; sin embargo, el nihilismo Dada era muy diferente del optimismo militante del futurismo.
Como ya apuntábamos anteriormente, el Dada en Europa fue creado en Zúrich en 1915 por un grupo de artistas y escritores entre los que figuran el escultor, pintor y poeta francés, Jean Arp (1886 – 1966), el pintor, escultor, director de cine y escritor alemán, Haus Richter (1888 – 1976) y el poeta rumano Tristán Tzara (1896 – 1963) y el poeta, músico y productor teatral Hugo Ball (1886 – 1927) siendo este último el fundador y propietario del cabaret Voltaire. Según el relato mas frecuentemente mencionado sobre los varios que circulan a propósito del nombre (palabra francesa que equivale a caballito de juguete) fue elegido poniendo la punta de una navaja al azar entre las paginas de un diccionario, una manera simbólica de afirmar la postura antirracional del movimiento. El nombre se utilizo por vez primera en 1916; mas tarde, Arp escribió: “por la presente declaro que Tzara invento la palabra Dada el 6 de febrero de 1916, a la 6 de la tarde… ocurrió en el café de la terrasse en Zúrich, y yo llevaba puesto un broche en mi fosa nasal izquierda”. El centro principal de sus actividades en Zúrich fue el cabaret Voltaire y, en un principio, se trataba de un movimiento literario, en la que se habían producido manifestaciones que incluían la declamación de poemas sin sentido; a veces, varios simultáneamente y con un ruido de fondo cacofónico. Tzara edito Dada, el primer periódico del movimiento, cuyo numero inicial salió en julio de 1917 y el ultimo (el numero 8), llamado Dada Intirol, en septiembre de 1921 en la población austríaca de Tarrenz. Tuvo, cosa poco frecuente, una vida bastante larga, puesto que la mayor parte de las publicaciones dadaístas tuvieron una vida corta.
El espíritu del movimiento se manifiesta a menudo no sólo en el contenido de sus periódicos, sino también en la peculiar tipografía, mezclando diferentes tipos de caracteres, desafiando las nociones tradicionales del diseño.
Hacia el final de la guerra, el Dadaísmo se extendió por Alemania, en donde hubo actividades Dada importantes en tres ciudades: Berlín, Colonia y Hannover. En Berlín el movimiento tuvo una dimensión política muy fuerte, expresada en particular a través de los brillantes fotomontajes de Raoul Hausmann (1886 – 1971), Hannah Höch (1889 – 1978) y John Heartfield (1891 – 1968), así como a través de la mordaz sátira social de Otto Dix (1891 – 1969) y George Grosz (1893 – 1959); al mismo tiempo allanó el camino para la Nueva Objetividad. En Colonia, un movimiento de corta duración (1919 – 1920) se centro en dos figuras: Jean Arp (1886 – 1966), que se había trasladado allí desde Zúrich cuando acabo la guerra y Max Ernst (1891 – 1976), que utilizo de manera ingeniosa y provocativa el collage y organizo una de las exposiciones Dada más notorias, en la que se proporcionaba a los visitantes un hacha para destrozar las obras expuestas. En Hannover, el único dadaísta importante pero uno de los más activos fue Kurt Schwitters (1887 – 1948).
El Dadaísmo en New York surgió con independencia del movimiento europeo y de hecho, fue simultáneo. Se limito fundamentalmente a las actividades de Marcel Duchamp (1887 – 1968), Emmanuel Radnitzky “Man Ray” (1890 – 1977) y Francis Picabia (1800 – 1900), aunque otros artistas como por ejemplo, Morton L. Schamberg (1881 – 1918), se dejaron tentar en ocasiones por el espíritu Dada. En general, tiende a ser más lúdico y menos violento que su homólogo europeo, si bien compartía el gusto por provocar al público. Por ejemplo, en 1917, Duchamp y Picabia pidieron a Arthur Cravan (1887 – 1919?), poeta y boxeador de pesos pesados, que diera una conferencia sobre arte moderno a una nutrida audiencia, entre la que había muchas damas de la alta sociedad. Cravan llego tarde y borracho y tras subir a la tarima dando traspiés, comenzó a desnudarse y a lanzar obscenidades a la audiencia. Finalmente, fue sacado por la policía.
Francis Picabia (1800 – 1900) fue el nexo entre el Dadaísmo europeo y el americano. En 1917 fundo en Barcelona la publicación Dada 391 y en 1919 introdujo el movimiento en parís. En esta ciudad el Dadaísmo se centro sobre todo en el campo literario; su tendencia hacia lo absurdo y lo lúdico sentó las bases del surrealismo que nació oficialmente en 1924. Así mismo en Austria, Bélgica, Holanda, etc. surgieron grupos Dada. En 1921 se celebro un festival Dada en Praga, en el que participaron Hausmann y Kurt Schwitters (1887 – 1948) y al año siguiente, se celebro en parís una exposición dadaísta. No obstante, en esta época su ímpetu empezaba a declinar y en el encuentro de Weimar en 1922, con la presencia de Arp y Kurt Schwitters entre otros, Tzara dedico al movimiento una oración fúnebre.
Si bien tuvo una vida corta y estuvo localizado en unos pocos lugares, el Dadaísmo, “el más violento, subversivo y polémico movimiento del arte del siglo XX” según palabras de Geoge Heard Hamilton (1800 – 1900), ejerció una influencia enorme al implantar la tendencia del anti-arte en la cultura moderna y mantener la actitud, casi como obligación para los movimientos de vanguardia, de cuestionar o desacreditar los métodos o conceptos tradicionales. Sus técnicas creativas, basadas en el azar o lo accidental era algo característico, algo que resultó de gran utilidad e importancia para los surrealistas (ilustrado en el recurso del automatismo psíquico) que más tarde explotaron también los expresionistas abstractos. También el arte conceptual tiene sus raíces en el Dadaísmo. Su espíritu, de hecho no ha desaparecido nunca y su tradición se ha mantenido, por ejemplo, en la cultura Punk, y en el Pop Art, que en Estados Unidos a veces se ha dado en llamar como Neo Dada.
Nota 4 : VALENCIA CARDONA, Mario A., “Los orígenes del arte crítico: La metáfora Rothko”, En Revista de Ciencias Humanas, UTP, 2005.
Nota 5 : El devenir animal – informe para una academia-.Nota 6: Homeopatía.
Nota 7 : IERARDO, Esteban.: “La liebre y el coyote; encuentros con lo animal y lo secreto en la obra de Joseph Beuys”, en Temakel, 2005.
__________________________DATOS DEL AUTOR:
Adolfo Vásquez Rocca, Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV. Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. – En octubre de 2006 y 2007 es invitado por la ‘Fundación Hombre y Mundo’ y la UNAM a dictar un Ciclo de Conferencias en México. – Miembro del Consejo Editorial Internacional de la ‘Fundación Ética Mundial’ de México. Director del Consejo Consultivo Internacional de Konvergencias, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Argentina. Director de Revista Observaciones Filosóficas. Profesor visitante en la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla y Profesor Asociado al Grupo Theoria –Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado– UCM. Ha publicado recientemente el Libro: Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008.
Fluxus es informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón: en el movimiento Fluxus, figuran artistas como Joseph Beuys , Nam June Paik, George Maciunas, entre otros.
Es algo habitual en la literatura sobre Wittgenstein distinguir dos grandes períodos, el primero representado por el Tractatus Lógico Philosophicus y el segundo por las Investigaciones Filosóficas, discutiéndose si hay o no continuidad entre los así llamados primer y segundo Wittgenstein. Aún cuando hay motivos suficientes para establecer dicha distinción, no es mi intención profundizar en aquellos aspectos que marcan el distanciamiento entre uno y otro extremo de su obra. Mi propósito más bien es detenerme en un punto central de la obra de Wittgenstein, su concepción de la filosofía, la que ha de extraerse de breves y aisladas observaciones, dispersas, en perfecto desorden[1], en una selva de disquisiciones lingüísticas; y mostrar que efectivamente hay una importante continuidad en la concepción wittgensteiniana de la naturaleza y objetivos de la filosofía; mostrar que las perspectivas alcanzadas en el Tractatus (que los problemas filosóficos surgen de nuestra forma errónea de entender la lógica de nuestro lenguaje; que la filosofía no es una ciencia, sino una actividad de elucidación y clarificación, etcétera) continúan sirviendo como hilo conductor del trabajo posterior de Wittgenstein. Esta concepción de la filosofía, en virtud de su originalidad e importancia, ha sido capaz de producir un corte en la historia de la filosofía, de inspirar el giro lingüístico emprendido por la filosofía del siglo XX.[2]
Cada “revolución” en filosofía entraña fundamentalmente un cambio radical en la concepción de la filosofía misma. Si en los últimos años ha habido una revolución en filosofía, esta se debe en su mayor parte a las tesis de Wittgenstein sobre la naturaleza de la filosofía.
Ahora bien, son tan numerosos los artículos dedicados a la exposición de éstas tesis que un estudio más podría muy bien parecer superfluo. Sin embargo espero eludir el cargo de superfluidad atendiendo de modo especial a dos ideas, comúnmente olvidadas o tratadas con superficialidad, y que a mi juicio son capitales en orden a entender la concepción wittgensteiniana de la filosofía. Me refiero, por otra parte, a la identificación entre el pensamiento y la oración (que constituye el presupuesto en que se basan todas las indagaciones de Wittgenstein) y, por otra, a la noción de “problema filosófico”, cuestiones que están íntimamente relacionadas.
Como es sabido, lo que caracteriza a la obra de Wittgenstein es su permanente referencia al lenguaje, pero no como el mero tema de una filosofía del lenguaje, sino como la raíz de los así llamados “problemas filosóficos”. Los “problemas filosóficos” son pseudos-problemas, malentendidos lingüísticos, por lo tanto no deben ser resueltos, sino disueltos. No hallamos aquí en el centro mismo de la actitud wittgensteiniana. Si la filosofía tradicional está caracterizada por un cuestionar sistemáticamente las cuestiones mismas. Wittgenstein no se inscribe en una respuesta inercial a los clásicos problemas filosóficos, sino que se plantea el sentido y el origen mismo de ellos.
Hemos señalado, siguiendo a Wittgenstein, que el resultado de la filosofía no son “proposiciones filosóficas”, sino la clarificación de las proposiciones, la elucidación. La filosofía es una actividad elucidante, mediante la cual las proposiciones llegan a ser claras[3]. Y “la claridad a la que –la filosofía- aspira es en verdad completa. Pero esto sólo quiere decir que los problemas filosóficos deben desaparecer completamente”[4]. Todas las cuestiones que se pueden plantear, también se pueden responder[5]. Una cuestión que no se pueda responder, en rigor no puede ni siquiera ser planteada y si se formula es una “pregunta ilegítima”, esconde una confusión lingüística, confusión que debe ser aclarada. “la característica de una pregunta metafísica- leemos en Cuaderno Azul – es que expresamos una falta de claridad respecto a la gramática de las palabras bajo la forma de una pregunta científica”[6]. Los “problemas” filosóficos tienen su origen en las confusiones lingüísticas que se producen cuando el lenguaje es desviado de su uso común (cuando “marcha en el vacío”)[7] y deviene metafísico, adquiriendo un engañoso carácter de profundidad (“pareciera que hay algo oculto”)[8].
Un “problema” filosófico es síntoma de una confusión verbal, la cual, al aclararse, no resolverá el problema, sino que lo hará desaparecer. Los “problemas” filosóficos son pseudos- problemas, malentendidos lingüísticos, por lo tanto no deben ser resueltos sino disueltos. Así, con Wittgenstein, entra en crisis la noción misma de problema. Sobre la palabra “problema”, tal como se usa en filosofía, Wittgenstein escribe: “Uno puede decir que está mal aplicada cuando se usa para nuestras dificultades filosóficas”.
Las cuestiones de filosofía no son problemas a los que se ha de responder, sino perplejidades [9]que deben ser eliminadas.[10]
Para Wittgenstein las cuestiones filosóficas comienzan con la perplejidad. Con la perplejidad, por ejemplo, ante la palabra “tiempo”, ante su gramática[11], ante lo que podría llamarse contradicciones aparentes en esta gramática[12]. Dicha perplejidad se expresa a través de preguntas desorientadoras. Preguntas que son “una manifestación de falta de claridad, de desagrado mental”[13]y que Wittgenstein, siguiendo a Hertz, compara a la pregunta “¿por qué?” “Tal como suelen hacerla los niños”. También esta es una expresión de desagrado mental y no demanda necesariamente ni una causa ni una razón”[14]
La perplejidad ante la gramática de la palabra “tiempo” lleva a San Agustín a formular una pregunta desorientadora: “¿Cómo es posible que se pueda medir el tiempo? Pues el pasado no puede ser medido, por estar pasado; y el, futuro no puede medirse por que no ha llegado todavía. Y el presente no puede medirse por que no tiene extensión”[15].
“La contradicción que parece surgir aquí – señala Wittgenstein – podría llamarse un conflicto entre dos usos diferentes de una palabra, que en este caso es la palabra “medida”. San Agustín, podríamos decir, piensa en los procesos de medición de una “longitud”: por ejemplo, la distancia entre dos señales sobre una banda móvil que pasa ante nosotros y de la cual solamente podemos ver un minúsculo trozo (el presente) frente a nosotros. La solución de esta perplejidad consistirá en comparar lo que queremos decir con “medición” (la gramática de la palabra “medición”) cuando la aplicamos a una distancia sobre una banda móvil con la gramática de esta palabra cuando la aplicamos al tiempo. El problema puede parecer simple – continúa Wittgenstein- pero su extremada dificultad se debe a la fascinación que la analogía entre dos estructuras similares de nuestro lenguaje puede ejercer sobre nosotros”[16]. De este modo podemos decir con Wittgenstein que “la filosofía, tal como nosotros utilizamos la palabra, es una lucha contra la fascinación que ejercen sobre nosotros las formas de expresión”[17]
Finalmente, respecto del modo de concebir el origen de los “problemas filosóficos”, debemos decir que el mismo permanece, en lo general, invariable a lo largo de la obra de Wittgenstein, lo que nos permite sostener la continuidad de la concepción wittgensteiniana de la filosofía, En efecto, en Investigaciones Filosóficas, su última obra, Wittgenstein continúa siendo fiel a su tesis del Tractatus de lo que los “problemas filosóficos” se originan en un mal entendido de la lógica de nuestro lenguaje. Sin embargo, lo que marca la distinción entre los así llamados primer y segundo Wittgenstein es la variación que sufre su modo de concebir la “lógica de nuestro lenguaje” y, con ello, los abusos de los cuales ésta puede ser objeto. En el Tractatus el principal abuso contra la lógica de nuestro lenguaje consistía en usar signos carentes de referencia, que es, según Wittgenstein, la característica de las expresiones metafísicas. Es, justamente, la errónea creencia de algunos filósofos de que cuando se tiene un sustantivo necesariamente también se tiene un objeto que le corresponda, la que ha originado las mayores confusiones filosóficas. En Investigaciones Filosóficas la perspectiva cambia, si bien se mantiene la tesis central de que los “problemas filosóficos” se originan en confusiones lingüísticas. Lo que cambia es la índole de estas confusiones. La confusión que da origen a los “problemas filosóficos” es ahora el empleo de una palabra fuera del juego de lenguaje[18]que es su lugar natural[19]. La forma más común de sin –sentido filosófico surge no cuando una palabra está siendo usada fuera de todo juego de lenguaje, sino cuando se usa en un juego de lenguaje distinto del apropiado (con frecuencia el juego de lenguaje al que parece pertenecer si nos atenemos a su gramática superficial). Esta nueva perspectiva comienza ya a desarrollarse en Cuaderno Azul, una obra intermedia entre el Tractatus y las Investigaciones Filosóficas, según lo constatamos en los ejemplos anteriores, cuando revisamos el uso de la palabra “tiempo” y de la palabra “medición”.
Este cambio en el modo de concebir los abusos contra la lógica de nuestro lenguaje obedece a un cambio más fundamental, el cambio en el modo de entender el significado (Bedeutung).
El primer Wittgenstein daba por sentado que la función del lenguaje era representar o “figurar” hechos. Según esta teoría, las palabras tienen sus referencias y las oraciones sus sentidos. Las combinaciones de los elementos lingüísticos se corresponden a combinaciones de los elementos de la realidad. Toda proposición está construida a partir de “proposiciones elementales” que consisten en nombres que se refieren a objetos simples. Ya que se daba por sentado que, en última instancia, el significado de una palabra consistía en aquello que nombra. En el Tractatus, pues, Wittgenstein comparte la creencia de los filósofos tradicionales de que el significado de una palabra es el objeto que refiere.
En las Investigaciones Filosóficas Wittgenstein se da cuenta de que las doctrinas del Tractatus se basaban en una “imagen particular de la esencia del lenguaje humano”[20]. Es la “teoría del significado-correspondencia”, cuya esencia es: las palabras en un lenguaje nombran objetos, el objeto que representa la palabra es su significado. La mayor parte de las Investigaciones está dirigida contra esa concepción el lenguaje (o lo que él llama la concepción agustiniana del lenguaje)[21].
En las Investigaciones Filosóficas Wittgenstein, aún cuando cree – como en el Tractatus – que se debe mostrar que el metafísico no ha dado significado (Bedeutung) a ciertos signos de sus expresiones, cambia su modo de entender el significado. Tener significado (Bedeutung) es –ahora- usar las expresiones de acuerdo a las reglas en un determinado juego de lenguaje. El significado no es la referencia, sino el uso en un determinado juego de lenguaje[22]. “Para una amplia clase de casos- aunque no para todos- en los que empleamos la palabra “significado”, puede ser definido del siguiente modo: el significado de una palabra es su uso en el lenguaje”[23] Lo que no implica una negación total de la perspectiva alcanzada en el Tractatus sino su ampliación. En efecto, la concepción agustiniana del lenguaje, como compuesto de nombre, sería una descripción adecuada de este sistema particular de comunicación, sólo que no todo lo que llamamos lenguaje se adecua a este sistema. Es, señala Wittgenstein, como si alguien fuera a decir: “Un juego consiste en mover objetos alrededor de una superficie según ciertas reglas…”, y nosotros replicásemos: “Parece que usted está pensando en juegos de salón, pero hay otros”[24]. No existe una función común a todas las palabras (por ejemplo, nombrar cosas). La demanda de una teoría general del significado de las palabras carece totalmente de sentido. Una palabra se caracteriza por su uso, al igual que un instrumento por su función.
No tener significado (Bedeutung) es, pues, no tener un papel que desempeñar en un juego de lenguaje. Mostrar que no se ha dado significado (Bedeutung) a ciertos signos consistirá, por tanto, en indicar que ciertas palabras están siendo usadas fuera del juego de lenguaje que es su lugar natural.
Sobre los juegos de lenguaje volveremos luego, cuando tratemos la identidad formal entre pensamiento y lenguaje. Allí también expondremos las razones que, a nuestro juicio, llevaron a Wittgenstein a abandonar su primera concepción de la naturaleza del lenguaje.
LA NATURALEZA DE LOS PROBLEMAS FILOSÓFICOS.
Los “problemas” filosóficos “no son problemas empíricos”[25]. Para su solución no se requiere la acumulación de nueva experiencia, no se requiere el conocimiento de nuevos hechos[26], sino la adecuada disposición de los que ya se conocen[27], así como el debido cuidado en su expresión[28].
Considerar los problemas filosóficos como si fueran empíricos lleva al filósofo a tratarlos de una nueva forma que no tiene salida; como si se tratara de cuestiones de hechos sobre las cuales aún no poseemos suficiente conocimiento, en vez de tomarlas como cuestiones sobre el lenguaje.
A los filósofos que, al modo de Descartes, desaprobaban la falta de resultados estables en filosofía en comparación con la acumulación constante de resultados en matemáticas, parece no habérsele ocurrido, como a Wittgenstein, que algo en la naturaleza de los problemas filosóficos, más que una falla de su propia parte, impide encontrarles una solución. Wittgenstein dirigió sus esfuerzos a descubrir qué fue lo que les dio la apariencia de una discusión sobre los hechos. Su conclusión, como ya lo hemos anticipado, fue que tal fuente era una confusión verbal; que el filósofo, engañado por su propio lenguaje, supone que está resolviendo un problema. “En lugar de pretender una decisión acerca de dónde descansa la verdad, la investigación futura debería concentrarse en determinar cómo el uso que hace el filósofo de las palabras se las arregla para crear la idea de que existe una respuesta tajante verdadero o falso[29].
“Los problemas filosóficos – como ya he indicado- no son problemas empíricos”[30], aún cuando es un error frecuente pensar que lo son. Este error es comprensible dada la forma que aquellos se expresan. “La característica de una pregunta metafísica está en que expresamos una falta de claridad acerca de la gramática de las palabras en la forma de una pregunta científica”[31]. Por esta razón la primera regla de procedimiento en una investigación de una proposición metafísica es “destruir la similitud externa entre ella y una proposición de experiencia[32] La confusión en la que incurrimos en una pregunta metafísica consiste en considerar un problema filosófico como si concerniese a un hecho del mundo en lugar de una cuestión de expresión (si concerniese a un hecho del mundo tendría, en principio, una solución).
Una declaración metafísica siempre obedece a una falta de claridad acerca de la “gramática profunda “de alguna oración. Como hemos señalado, la forma de una expresión metafísica la hace aparecer como si fuera una proposición empírica[33], pero en realidad se trata de una proposición “gramatical” o conceptual[34]. Para decirlo con Wittgenstein “lo esencial de la metafísica es que destruye la distinción entre la investigación factual y la conceptual”[35]. Sólo atendiendo a la “gramática profunda” de una proposición podemos determinar si ella es factual o conceptual. Algunos ejemplos nos ayudarán a clarificar la distinción entre gramática profunda y gramática superficial: Compárense las proposiciones: “tengo un buen libro” y “tengo un terrible dolor de muelas”. La similitud de su gramática superficial es obvia, pero sus usos son totalmente distintos. Su diferencia, en gramática profunda, puede observarse si comparamos, por ejemplo, “¿es este mi libro? Y “¿es este mi dolor de muelas?” (Carente de sentido); la importancia de la gramática profunda radica en la diferenciación entre sentido y sin sentido. O compárense “todas las rosas tienen espinas” y “todas las varillas tienen longitud”. Superficialmente, ambas proposiciones parecen ser generalizaciones empíricas; pero mientras es posible imaginar rosas sin espinas, ¿podemos acaso imaginar varillas sin longitud? ¿Examinamos varillas al igual que examinamos rosas? La segunda proposición no es experiencial (fáctica) sino lógica o, según Wittgenstein, “gramatical”; no nos proporciona información sobre las varillas, sino que enuncia una regla que gobierna el uso de la palabra “varilla”[36].
Tomemos otro ejemplo: La proposición “ninguna persona puede sentir mi dolor” tiene forma experiencial – un filósofo que diga esto puede pensar que está expresando algo así como una verdad científica -. Sin embargo, aquí cabe preguntar, ¿cómo puede otro sentir mi dolor? Decir que “un hombre no puede sentir el dolor de otro”, nos sugiere la idea de una barrera física insuperable, mientras que se trata de una imposibilidad lógica[37]. Establece una barrera gramatical que gobierna el uso de la palabra “dolor”.
La confusión anterior es análoga a la de un hombre a quien, al decírsele, por ejemplo, que “no puede casarse con la hermana de su viuda”, considera esto último como un mandato moral y busca la manera de eludirlo. Una vez que se da cuenta de qué se trata, el problema original desaparece. Vale la pena notar que todo lo que necesita es ocuparse de las palabras con las que expresó lo que pareció ser una prohibición social o legal, y con ello darse cuenta que no existe problema alguno que resolver[38]. A esto aludíamos cuando dijimos que los problemas filosóficos no deben ser resueltos, sino disueltos, lo que se consigue “examinando el funcionamiento de nuestro lenguaje”[39]. Siempre que Wittgenstein se encuentra con la palabra “puede” en una proposición metafísica intenta mostrar “que tal proposición esconde una regla gramatical, es decir, destruye la semejanza aparente entre una proposición metafísica y una experiencia”[40]. Proposiciones tales como “toda varilla tiene longitud”, “las sensaciones son privadas”, etc., son una representación pictórica de nuestra gramática[41]. Para librarnos de las formas engañosas de las expresiones metafísicas, Wittgenstein nos sugiere que en lugar de decir “no se puede…” digamos “no hay nada de este tipo…en este juego”. “No: no se puede enrocar en el juego de damas”, sino: “no hay enrroque en las damas”; y en vez de “no puedo exhibir mi sensación”, “en el uso de la palabra `sensación` no se da el poder de exhibir lo que uno siente”[42].
LA FILOSOFÍA Y SU FUNCIÓN TERAPÉUTICA.
“La filosofía desata los nudos de nuestro pensamiento, los nudos que nosotros estúpidamente hemos hecho en él; pero para desatarlos debe hacer movimientos tan complicados como esos nudos. Aunque el resultado de la filosofía sea simple, su método, si quiere llegar a ese resultado, no puede serlo. La complejidad de la filosofía no reside en su tema, sino en lo enredado de nuestra comprensión”.[43]
LA FUNCIÓN TERAPÉUTICA DE LA FILOSOFÍA EN WITTGENSTEIN DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
Pontificia Universidad Católica de Valparaíso Universidad Complutense de Madrid Escuela Matríztica Multiversidad Mundo Real Edgar Morin Eastern Mediterranean University – Academia.edu Multiversidad Mundo Real Edgar Morin Académico Investigador Postgrado Multiversidad Mundo Real Edgar Morin – Programa de Doctorado Internacional en Pensamiento Complejo – Centro Mundial de Altos Estudios para la transformación social desde las Ciencias de la Complejidad, la Transdisciplina y el Pensamiento Complejo, 2015.
— Die ersten beiden Ebenen des Werkes Tractatus Logico-Philosophicus
— Werkausgabe in 8 Bänden. Frankfurt am Main, 1984 (preiswerte Taschenbuchausgabe, auch einzeln erhältlich).
— Vorlesungen über die Philosophie der Psychologie 1946/47. Frankfurt am Main, 1991 (Vollständige Wiedergabe seiner letzten Vorlesungen, aufgezeichnet von drei von Wittgensteins Hörern; sie vermitteln ein sehr lebendiges Bild von dem ungewöhnlichen Lehrstil; aus dem Englischen).
— Wiener Ausgabe. 15 Bände, 6 Registerbände, 1 Einführungsband, hrsg. von Michael Nedo, Springer, Wien 2000.
— Wittgenstein’s Nachlass. The Bergen Electronic Edition. 6 CD-ROMs, 1998. Faksimile-Ausgabe des Nachlasses. Zwei transkribierte Textfassungen. Ca. 20.000 Seiten.
— Geheime Tagebücher 1914–1916. Hrsg. v. Wilhelm Baum, Wien 1991 (2. Aufl. 1992).
Wittgenstein’s Main Works
— Tractatus Logico-Philosophicus, translated by D.F. Pears and B.F. McGuinness (Routledge and Kegan Paul, London 1961).
His early classic.
— The Blue and Brown Books, (Basil Blackwell, Oxford 1969).
From his middle period, these are preliminary studies for his later work.
— On Certainty, edited by G.E.M. Anscombe and G.H. von Wright, translated by Denis Paul and G.E.M. Anscombe (Basil Blackwell, Oxford 1979).
Like many of Wittgenstein’s works, this was compiled after his death from notes he had made. In this case the notes come from the last year and a half of his life.Works of more general interest by Wittgenstein include these:
— Culture and Value, translated by Peter Winch (Basil Blackwell, Oxford 1980).
These are notes from throughout Wittgenstein’s life dealing with all kinds of topics hinted at by its title, including music, literature, philosophy, religion and the value of silliness.
— Lectures and Conversations on Aesthetics, Psychology and Religious Belief, edited by Cyril Barrett (Basil Blackwell, Oxford 1966).
For ‘psychology’ read ‘Freud’, otherwise the title is explanation enough. Hilary Putnam has recommended the section on religion as a valuable introduction to Wittgenstein’s philosophy as a whole.
Adolfo Vásquez Rocca D.Phil
Doctor en Filosofía Director de Revista Observaciones Filosóficas Eastern Mediterranean University Multiversidad Mundo Real Edgar Morin Valparaíso, Chile Web: http://www.danoex.net/adolfovasquezrocca.html Academia.edu: emui.academia.edu/AdolfoVasquezRocca
Adscripción Académica
Pontificia Universidad Católica de Valparaíso Universidad Complutense de Madrid Escuela Matríztica Multiversidad Mundo Real Edgar Morin Eastern Mediterranean University – Academia.edu Multiversidad Mundo Real Edgar Morin Académico Investigador Postgrado Multiversidad Mundo Real Edgar Morin – Programa de Doctorado Internacional en Pensamiento Complejo – Centro Mundial de Altos Estudios para la transformación social desde las Ciencias de la Complejidad, la Transdisciplina y el Pensamiento Complejo, 2015.
Tutor Doctoral: Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Líneas de Investigación
Trayectoria Académica
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, Teoría del Conocimiento y Pensamiento Contemporáneo. Áreas de Especialización Antropología y Estética.
Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor de la Escuela de Periodismo, Profesor Adjunto Escuela de Psicología y de la Facultad de Arquitectura UNAB Santiago. Profesor PEL Programa Especial de Licenciatura en Diseño, UNAB – DUOC UC.
En octubre de 2006 y 2007 es invitado por la ‘Fundación Hombre y Mundo’ y la UNAM a dictar un Ciclo de Conferencias en México. Miembro del Consejo Editorial Internacional de la ‘Fundación Ética Mundial‘ de México. Director del Consejo Consultivo Internacional de ‘Konvergencias‘, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Argentina. Miembro del Consejo Editorial Internacional de Revista Praxis. Facultad de Filosofía y Letras, Universidad Nacional UNA, Costa Rica. Miembro del Conselho Editorial da Humanidades em Revista, Universidade Regional do Noroeste do Estado do Rio Grande do Sul, Brasil y del Cuerpo Editorial de Sophia –Revista de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador–. –Secretario Ejecutivo de Revista Philosophica PUCV.
Profesor de Postgrado, Magíster en Biología-Cultural, Escuela Matríztica de Santiago y Universidad Mayor 2013–2014 –Investigador Asociado y Profesor adjunto de la Escuela Matríztica de Santiago, Área ‘Filosofía fundamental’ –dirigida por el Dr. Humberto Maturana.
Académico Investigador de Postgrado Multiversidad Mundo Real Edgar Morin; Programa de Doctorado Internacional en Pensamiento Complejo dictado por el Centro Mundial de Altos Estudios para la transformación social desde las Ciencias de la Complejidad, la Transdisciplina y el Pensamiento Complejo, 2015.
LA FUNCIÓN TERAPÉUTICA DE LA FILOSOFÍA EN WITTGENSTEIN DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
LA FUNCIÓN TERAPÉUTICA DE LA FILOSOFÍA Y LA NOCIÓN DE PROBLEMA EN WITTGENSTEIN.
SUMARIO
— LA NOCIÓN DE PROBLEMA EN WITTGENSTEIN
— LA NATURALEZA DE LOS PROBLEMAS FILOSOFICOS
— LA FILOSOFIA Y SU FUNCION TERAPEUTICA
— WITTGENSTEIN; MÍSTICA, FILOSOFÍA Y SILENCIO
—’DAS MYSTISCHE‘
—ÉTICA Y ESTÉTICA EN EL TRACTATUS Y LA VIENA DE “FIN DE SIGLO”
— LA DEUDA CON SCHOPENHAUER Y KIERKEGAARD.
[1] La mayoría de los escritos de Wittgenstein se asemejan mucho a un pensar en voz alta, hasta el punto de que parecen reproducir el movimiento mismo del pensamiento sin esforzarse en fingir ninguna unidad argumentativa superior.
[2] Sólo acerca de la importancia del Tractatus Russell ha señalado que aquella era una obra que “en lo sucesivo no podría ser dejada de lado por ningún filósofo al que hubiera que tomar en serio” (Introducción al Tractatus). Lo que es confirmado por el juicio de Keynes, quien, en carta a Wittgenstein, señala: “Aún no sé que decirle de su libro, como no sé manifestarle que tengo la sensación de que se trata de una obra extraordinariamente importante y genial. Es igual que la obra sea acertada o esté equivocada; desde que fue escrita domina todas las discusiones serias en Cambridge” (Citado por W: Baus en Ludwig Wittgenstein, Ed. Alianza, Madrid, 1988, p. 137 y 138).
[3] L. Wittgenstein, Tractatus Lögico- Philosiphicus, 4.112
[4] L. Wittgenstein, Investigaciones Filosóficas, 133.
[5] “Para una respuesta que no se puede expresar, la pregunta tampoco puede expresarse. No hay enigma. Si se puede plantear una cuestión, también se puede responder”. (L: Wittgenstein, Tractatus Lógico-Philosophicus, 6.5).
No hay pregunta sin respuesta (no hay enigma). Si se puede plantear una cuestión, también se puede responder; si una respuesta no se puede expresar, la pregunta tampoco puede expresarse. Como señal Frege, “con toda oración asertiva se puede formular una pregunta por una oración… la oración interrogativa y la oración asertiva contienen el mismo pensamiento” (G: Frege, Art. “El Pensamiento, una Investigación Lógica”, Lógica y Semántica, Ed. Universitaria de Valparaíso, 1972, p. 111. Trad. De Alfonso Gómez –Lobo.) Por lo tanto, pretender dudar allí en donde no se puede plantear una pregunta equivale a pretender pensar lo que no puede pensarse.
[6] L. Wittgenstein, Cuaderno Azul,p. 65.
[7] “Cuando los filósofos usan palabras como `conocimiento’, ‘ser’, ‘objeto’, ‘yo’, ‘proposición’, ‘nombre’ – y tratan de captar la ‘esencia’ de la cosa, siempre se ha de preguntar: ¿Se usa efectivamente esta palabra de este modo en el lenguaje que tiene su tierra natal?. Nosotros reconducimos las palabras de su empleo metafísico a su empleo cotidiano”. (WITTGENSTEIN, Investigaciones Filosóficas, 16.)
El filósofo dice “sólo mis experiencias son reales”, no está usando la palabra “real “ en ningún sentido ordinario, como, por ejemplo, cuando la usamos en contraste con “fingida”, etc
“…podría dar la impresión de que consideramos que nuestra tarea es la reforma del lenguaje. Una reforma semejante para fines prácticos, el mejoramiento de nuestra terminología para evitar malentendidos en el uso práctico, es perfectamente posible. Pero éstos no son los casos con los que hemos de habérnoslas. Las confusiones que nos ocupan surgen, por así decirlo, cuando el lenguaje marcha en el vacío, no cuando trabaja”. (Id. 132.)
Una declaración metafísica es como “…una rueda que puede girar sin que nada se mueva con ella, no forma parte del mecanismo”. (Id. 271.)
[8] Id.111.
[9] L. WITTGENSTEIN, Cuaderno Azul, p. 77.
[10] Id., pp. 54 y 55
Los problemas filosóficos son perplejidades que deben ser desenmascaradas como gratuitas preocupaciones intelectuales.
[11] Id. 54.
[12] Id. P. 55.
[13] Id.
[14] HERTZ, Principles of Mechanics, citado por L. WITTGENSTEIN en Cuaderno Azul,p. 55
[15] L. WITTGENSTEIN, Cuaderno Azul, p. 55.
[16] Id.
[17] Id., p. 56.
[18] La explicación del concepto de “juego de lenguaje” tendrá lugar con el desarrollo de la teoría del significado como uso.
[19] Cf. L. WITTGENSTEN,Investigaciones Filosóficas, 116
[20] K. T. FANN, o.c., p. 84.
[21] Íntimamente conectada con la concepción agustiniana del lenguaje está la opinión de que la definición “ostensiva” es el acto fundamental por el que se da significado a una palabra.
[22] Una exposición más extensa de la teoría del significado como uso se encuentra en el capítulo Pensamiento y Lenguaje.
[23] L. Wittgenstein, Investigaciones Filosóficas, 43
[24] Id., 3.
[25] Id., 47
[26] “Los problemas se resuelven no aduciendo nueva experiencia, sino compilando lo ya conocido.” (L: WITTGENSTEIN, Investigaciones Filosóficas, 109.)
“…se podría llamar también filosofía a lo que es posible antes de todos los nuevos descubrimientos e invenciones.” (Id., 126.)
[27] “Un problema filosófico es como un rompecabezas, todas las piezas (hechos) están allí, tan sólo que están mezclados.” (L. WWITGENSTEIN, Cuaderno Azul, p. 46.)
“La filosofía coloca únicamente una cosa delante de nosotros y ni explica ni deduce nada. Puesto que todo está situado ante nuestros ojos, no hay nada que explicar. Porque lo que está oculto no nos interesa…” (L. WITTGENSTEIN, Investigaciones Filosóficas, 126.)
[28] “…mejorar nuestra terminología para prevenir los malentendidos.” (L. WWITGENSTEIN, Investigaciones Filosóficas, 132)
[29] M.LAZEROWITZ –A. AMBROSE, Necesidad y Filosofía, Ed. Univ. Nac. Autónoma de México, 1985, p. 127.
[30] L. WITTGENSTEIN, investigaciones Filosóficas, 47.
[31] L. WITTGENSTEIN, Cuaderno Azul, p. 65.
[32] Id., p .88.
[33] Wittgenstein critica la metafísica porque se presenta en forma empírica y no porque trate asuntos triviales. De igual forma, al criticar a FREUD no lo hacía porque creyera que este estuviera realizando un trabajo trivial: “Freud está constantemente alegando ser científico. Pero lo que ofrece es especulación, algo que es previo incluso a la formulación de una hipótesis”. (Lectures and Conversations, p. 44).
[34] Wittgenstein usa “gramatical”, “conceptual” y, a veces “lógico”, “tautológico”, de forma intercambiable. Lo mismo ocurre con “empírico”, “experiencial” y “factual”.
[35] L WITTGENSTEIN, Zettel, Ed. Univ. Nac. Autónoma de México, 1985 (segunda edición castellana), 458
[36] T: K: FANN, o.c., p. 111.
[37] “Cuando decimos: `Yo no puedo sentir su dolor`, se presenta por sí misma ante nosotros la idea de una barrera insuperable…” “Nuestra indesición entre la imposibilidad lógica y la física nos hace enunciados como el anterior”. (L. WITTGENSTEIN, Cuaderno Azul, pp. 88 y 89.)
[38] Cf. M. LAZEROWITZ – A. AMBROSE, o. c., p. 148.
[39] L. WITTGENSTEIN, Investigaciones Filosóficas, 47.
[40] L. WITTGENSTEIN, Cuaderno Azul, p. 55.
[41] Cf. L. WITTGENSTEIN, Investigaciones Filosóficas, 295.
[42] L. WITTGENSTEIN, Zettel, 134.
[43] WITTGENSTEIN, L. Investigaciones Filosóficas [ Philosophical Remarks, 52; Editado por R. Rhees, Blackwell, Oxford, 1975]
[47] Cf: L WITTGENSTEIN, Cuaderno Azul, pp. 54 y 55.
[48] G. E. MOORE, “Wittgenstein’s Lectures 1930 – 33”, en su Philosophical Papers, Londres, 1959, p. 323. Citado en FANN, o.c,p. 108.
[49] L. WITTGENSTEIN., Investigaciones Filosóficas, 123.
[50] “La filosofía desata los nudos de nuestro pensamiento, los nudos que nosotros estúpidamente hemos hecho en él; pero para desatarlos debe hacer movimientos tan complicados como esos nudos. Aunque el resultado de la filosofía es simple, su método, si quiere llegar a ese resultado, no puede serlo. La complejidad de la filosofía no reside en su tema, si no en lo enredado de nuestra comprensión.” (L. WITTGENSTEIN, Philosophische Benerkungen, 52; traducción de Norman Malcolm. The Philosophical Review, Vol. LXXVI.p.229. Citado en A. KENNY, Wittgenstein, Ed. Revista de Occidente, Madrid, 1974, p. 28.)
“La filosofía desata nudos en nuestro pensar; de ahí que su resultado deba ser simple, pero el filosofar es tan complicado como los nudos que desata.” (L: Wittgenstein, Zettel, 452.)
En su obra Principles of Mechanics, Hertz, de quien Wittgenstein reconoce influencia, describe un problema filosófico como un nudo en nuestro pensamiento: “Alrededor del término ‘fuerza’ hemos acumulado relaciones que no se pueden reconciliar entre sí. Tenemos vaga conciencia de ello y queremos aclarar las cosas. Nuestro confuso deseo halla su expresión en la confusa pregunta acerca de la naturaleza de la fuerza. Pero lo que queremos en realidad no es una respuesta a tales preguntas. No es hallando nuevas relaciones y conexiones entre las cosas ya conocidas y de tal forma reduciendo quizá su número. Cuando se eliminen tan dolorosas contradicciones no se habrá contestado las preguntas acerca de la naturaleza de la fuerza, sino que nuestras mentes, libres ya de sus molestias, cesarán de formular preguntas ilegítimas.” (Citado en FANN, o.c., p. 72)
“…no sólo se produce confusión y disgusto mental cuando no se satisface nuestra curiosidad sobre determinados hechos…sino también cuando nos desagrada una notación –quizá a causa de que evoca diversas asociaciones…De este modo, nosotros a veces deseamos una notación que acentúe con más fuerza una diferencia, la haga más evidente de lo que la hace el lenguaje ordinario…” (L: WITTGENSTEIN, Cuaderno Azul, p. 92) Las confusiones y los disgustos mentales sólo pueden ser eliminados (los nudos de nuestro pensamiento sólo pueden ser desatados) a través de una notación que acentúe la diferencia entre estructuras similares de nuestro lenguaje.
[53] N. MALCOLM, Ludwig Wittgenstein: A Menoir, Londres, 1958, p. 51. Citado en FANN, o.c., p. 108.
[54] L. WITTGENSTEIN, Investigaciones Filosóficas, 255.
[55] T.K FANN, o.c., p. 128.
[56] L: WITTGENSTEIN, Zettel, 382.
[57] L. WITTGENSTEIN, Investigaciones Filosóficas, 133.
[58] L. WITTGENSTEIN, Cuaderno Azul, p. 92.
[59] L. WITTGENSTEIN, Investigaciones Filosóficas, 133.
[60] Id., 124..
[61] J. FERRATER MORA, “Wittgenstein o la destrucción”, en sus Cuestiones Disputadas, Ed. Revista de Occidente, Madrid, 1955, p. 188.
[62] P. WINCH y colaboradores, Estudios sobre la Filosofía de Wittgenstein, EUDEBA, 1971, p. (Introducción).
[63] L. WITTGENSTEIN, Investigaciones Filosóficas, 116.
[64] L: WITTGENSTEIN, Tractatus, 4. 112
[65] Véase el Capítulo “El Origen de los Problemas Filosóficos”
[66] L WITTGENSTEIN; Tractatus, 4.003
[67] L. wittgenstein, Investigaciones Filosóficas, 124
[68] Para abordar cualquier problema es necesario realizar un previo análisis gramatical de los términos para así determinar a qué juego pertenecen y en definitiva como debe ser tratado.
[69] Véase el Capítulo “La Identidad Formal entre Pensamiento y Lenguaje”.
[70] Véase el Capitulo “La Originalidad de la Filosofía respecto de la Ciencia”.
[71] Véase el Capítulo “Posición ante la Metafísica y la Ética”.
[72] “Cuanto podamos decir sobre la ética podemos a-priori considerarlo sin sentido…Considero importante que se ponga fin a tanta charlatanería sobre la ética – que si existe un conocimiento, que si existen valores, que si se puede definir el bien, etc. – En la ética siempre se intenta decir algo que no concierne ni puede concernir a la esencia del asunto…Pero la tendencia, el correr contra, señala a algo”.
FRIEDRICH WAISMANN, Ludwig Wittgenstein y El Círculo de Viena, pag.61.
[73] L. Wittgenstein, Tractatus, 6.52.
[74] . Conferencia en ‘Seminario Humanidades: Estudios Antropológicos acerca de lo Divino’, Departamento de Artes y Humanidades, Facultad de Filosofía, Universidad Andrés Bello, Santiago, 2005.
[75] 1880 – 1967 Escritor, editor de la revista Der Brenner. Elegido por Wittgenstein para gestionar su donación económica a los jóvenes artistas austriacos agrupados en torno a esta revista de Ficker publicado en Innsbruck.
[77] CASALS, J., Afinidades vienesas. Sujeto, lenguaje, arte, Barcelona, Anagrama, p. 265.
[78] REGUERA, I., El feliz absurdo de la ética. (El Wittgenstein místico), Madrid, Tecnos, 1994, p. 21.
[79] MAGRIS, C., El anillo de Clarisse, Tradición y nihilismo en la literatura moderna, Barcelona, Península, 1993, p. 241.
[80] MUSIL, R. El hombre sin atributos, vol. 1, Barcelona, Seix Barral, 2001, p. 11 (Tra- ductor: José M. Sáenz).
[81] “El sentido del mundo tiene que residir fuera de él. En el mundo todo es como es y todo sucede como sucede; en él no hay valor alguno, y si lo hubiera carecería de valor. Si hay un valor que tenga valor ha de residir fuera de todo suceder y ser así. Porque todo suceder y ser así son casuales. Lo que los hace no-casuales no puede residir en el mundo; porque, de lo contrario, sería casual a su vez. Ha de residir fuera del mundo. Por eso tampoco puede haber proposiciones éticas. Las proposiciones no pueden expresar nada más alto”. T. 6.41.
[82] “La esfera de los valores sólo es accesible por medios indirectos sacados del ámbito de las vivencias, emociones o afectos (puros), en el. (Isidoro Reguera, El feliz absurdo de la ética, op. cit., p. 35.)
[83] REGUERA, I., El feliz absurdo de la ética, op. cit., p. 69.
[84] En este sentido cabe la posibilidad de considerar en qué medida la filosofía de Wittgenstein es también una filosofía de la sospecha, junto con la de Marx, Nietzsche y Freud.
[85] WITTGENSTEIN, L., Tractatus logico-philosophicus, Madrid, Alianza, 2003, p. 47.
[86] WITTGENSTEIN, Ludwig, Conferencia sobre Ética, p. 43.
Para dimensionar la magnitud sin precedentes que el Estado democrático moderno ha alcanzado en Europa, es necesario recordar el parentesco histórico entre dos movimientos que surgieron junto con tal Estado: el liberalismo clásico y el anarquismo. Ambos movimientos estaban motivados por la hipótesis errónea de que el mundo se dirigía hacia una era de debilitamiento del Estado. Mientras que el liberalismo quería un Estado mínimo que guiara a los ciudadanos de un modo casi imperceptible —permitiéndoles dedicarse a sus negocios en paz—, el anarquismo propendía la muerte total del Estado. Impulsaba a ambos movimientos una esperanza típica del siglo XIX europeo: que el saqueo del hombre por el hombre no tardaría en llegar a su fin. En el primer caso, esto resultaría de la eliminación de la explotación por parte de las clases improductivas, es decir, la abolición de la nobleza y el clero. En el segundo caso, la clave era reorganizar las clases sociales tradicionales en grupos pequeños que consumirían lo que ellas mismas producirían. Pero la historia política del siglo XX —y no sólo en sus extremos totalitarios—, resultó desagradable tanto para el liberalismo clásico como también para el anarquismo. El Estado democrático moderno se transformó gradualmente en un estado deudor, dentro del espacio de un siglo en que hizo metástasis, para terminar convirtiéndose en un colosal monstruo- uno que respira y escupe dinero.
Tal metamorfosis ha resultado sobre todo en una prodigiosa ampliación de la base impositiva, con la introducción del impuesto progresivo a la renta como el caso más notable. Este impuesto no es sino el equivalente funcional de la expropiación socialista. Ofrece la ventaja notable de ser renovable anualmente, al menos en el caso de aquellos a los que no se ha desangrado el año anterior. (A propósito de esto, y para apreciar la tolerancia actual de los acaudalados ciudadanos, recordemos que cuando el impuesto sobre la renta se impuso en Inglaterra, a una tasa del 5%, la Reina Victoria se preocupó pues podía haber superado los límites de lo aceptable. Desde aquel día, nos hemos acostumbrado a que un puñado de ciudadanos productivos provea más de la mitad de los ingresos nacionales mediante impuesto a la renta.)
Cuando este impuesto se combina con una larga lista de otros cargos e impuestos, la mayoría dirigidos a los consumidores, estamos ante un resultado sorprendente: cada año los estados modernos retienen la mitad de los ingresos económicos de las clases productivas, pasándoselos a los recaudadores de impuestos, y sin embargo, estas clases productivas no intentan remediar su situación con la reacción más obvia: una rebelión civil contra los impuestos. Esta sumisión es un tour de force político que hubiera hecho desmayar al ministro de finanzas de un monarca.
Con dichas consideraciones en mente, podemos ver que la pregunta que muchos observadores europeos se están haciendo durante la actual crisis económica «¿Tiene el capitalismo futuro?», está equivocada. De hecho, no vivimos en un sistema capitalista, pero sí bajo una forma de semi-socialismo, al que los europeos, con mucho tacto, se refieren como una «economía social de mercado». La mano gubernamental que agarra libera sus recaudaciones, principalmente para el financiamiento de las interminables y tareas propias de Sísifo que le atañen en el nombre de la «justicia social”
Por lo tanto, la explotación directa y egoísta propia de la época feudal ha devenido, con la era moderna, en un jurídicamente obligatorio y casi desinteresado estado de cleptocracia. Hoy en día, un ministro de finanzas es un Robin Hood que ha prestado un juramento constitucional. La capacidad que caracteriza a la Tesorería de capturar con la mas perfectamente clara conciencia se justifica, tanto en la teoría como en la práctica, por la innegable utilidad del Estado en lo que concierne al mantenimiento de la paz social, para no mencionar todos los otros beneficios que reporta. En todo esto, la corrupción sigue siendo un factor limitante. Para probar esta afirmación, basta con pensar en la Rusia postcomunista, lugar donde un común y corriente hombre de partido como Vladimir Putin ha sido capaz, en pocos años en su calidad de jefe de Estado, de amasar una fortuna personal de más de 20 mil millones de dólares. Los observadores. en el libre mercado. de este monstruo cleptocrático hacen bien en llamar la atención sobre sus peligros: la sobreregulación que obstruye la energía emprendedora; gravar en exceso, lo que castiga el éxito; y una deuda excesiva, resultado del paso de un rigor presupuestario a una frivolidad especulativa.
Los autores del Libre Mercado también han demostrado cómo la situación actual invierte el significado tradicional de explotación dándolo vuelta al revés. Un día los ricos vivían a expensas de los pobres, directa e inequívocamente; en la economía moderna los ciudadanos improductivos viven cada vez más a expensas de los productivos, aunque de una manera equívoca, ya que se les dice y efectivamente creen que se encuentran en desventaja y que aún merecen más. Hoy en día, de hecho, una buena mitad de la población de cada nación moderna se compone de personas con poco o ningún ingreso, que están exentas de pagar impuestos y que viven, en gran medida, de la otra mitad de la población, que sí paga impuestos. Si tal situación se radicalizara, podría dar lugar a un masivo conflicto social. La eminentemente plausible tesis libremercadista de la explotación por los improductivos entonces prevalecería sobre la mucho menos prometedora tesis socialista de la explotación del trabajo por el capital. Este giro implicaría la llegada de la era post-democrática.
En la actualidad, el principal peligro para el futuro del sistema implica el creciente endeudamiento de los estados intoxicados de keynesianismo. Discreta y ineludiblemente, nos estamos dirigiendo hacia una situación en la que los deudores crecientemente despojen a sus acreedores, como tantas veces ha ocurrido en la historia de los impuestos desde la época de los faraones a las reformas monetarias del siglo XX. Lo que sin embargo es nuevo, es la gigantesca escala de deuda pública de los estados. El nivel de las hipotecas, una posible insolvencia, alguna reforma monetaria, o la inflación, no importan: las próximas grandes expropiaciones vienen en camino. Hoy en día, la mano estatal que agarra incluso llega a los bolsillos de las generaciones que aún no han nacido. Ya hemos escrito el título del próximo capítulo de nuestra historia: «El saqueo del futuro por el presente”.
En el presente artículo se profundiza en el concepto de «antropotécnica», desarrollado in extenso por Sloterdijk en una de sus obras más recientes, Has de cambiar tu vida, donde se aborda la historia de la intervención del hombre sobre el hombre, desde las antiguas tradiciones filosóficas de Oriente y Occidente hasta internarse en las modernas tecnologías génicas. Sloterdijk sostendrá que es a través de la noción de antropotécnica por la que el hombre des-oculta los caracteres latentes de su prehumanidad. Es a causa de su infradotación orgánica que el ser humano despliega su potencial técnico. No es, entonces, que el hombre haga «uso» de la técnica, sino que el hombre es, en sí mismo, un animal técnico.
PETER SLOTERDIJK: ACROBATIC ANIMAL, ANTHROPOTECHNICS PRAKTIKEN UND DIE HUMAN DESIGN Abstract
In this paper we examine the concept of «anthropotecnic» developed at length by Sloterdijk in one of his more recent works, You must change your life, which deals with the history of human intervention on man, from the old philosophical traditions of East and West to penetrate in modern genetic technologies. Sloterdijk argue that it is through the notion of antropotécnica by des-man hides his prehumanidad invisible characters. It’s because of his organic underfunding mankind unfolds its technical potential. There is, then, that man does «use» of technology, but man is, in itself, an animal technician.
Palabras Claves
Antropotécnicas, biopolítica, animal diseñado, biotecnología, antropología, antogenealogía, parque humano, esferas, inmunidad, ejercicio, pensar, ascética.
Keywords
Anthropotechnics, biopolitics, animal designed, biotechnology, anthropology, anthogenealogy, human park, spheres, immunity, exercise, think, ascetic.
“Pronto me di cuenta que ante mí se abrían dos posibilidades: el jardín zoológico o el music hall. No dudé. Me dije: pon todo tu empeño en ingresar al music hall.”
Franz kafka Informe para una academia
– “Y aprendí, estimados señores. ¡Ah, sí, cuando hay que aprender se aprende; se aprende cuando se trata de encontrar una salida! ¡Se aprende de manera despiadada! Se controla uno a sí mismo con la fusta, flagelándose a la menor debilidad.”
1 Este Artículo es una visión revisada y ampliada de –“Peter Sloterdijk: El animal acrobático, prácticas antropotécnicas y diseño de lo humano”– [Adolfo Vásquez Rocca Ph. D] publicado en NÓMADAS 33 (2013-3) y forma parte de las investigaciones desarrolladas en el Magíster en “Biología Cultural”, dictado por la Escuela Matríztica de Santiago y la Universidad Mayor. En el se reflexiona en torno a los fundamentos olvidados de lo humano y las antropotécnicas por las que el hombre des-oculta los caracteres latentes de su prehumanidad.
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid. Profesor de Postgrado PUCV. Profesor Adjunto Escuela de Psicología. Profesor Asociado al Grupo Theoria – Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado –UCM. Eastern Mediterranean University – Academia.edu. Académico Investigador de la Vicerrectoría de Investigación y Postgrado, Universidad Andrés Bello. –Investigador Asociado y Profesor adjunto de la Escuela Matríztica de Santiago. Profesor de Postgrado, Magister en Biología-Cultural, Escuela Matríztica de Santiago y Universidad Mayor 2013.
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PETER SLOTERDIJK: FISCALIDAD VOLUNTARIA Y RESPONSABILIDAD CIUDADANA. GENEALOGÍA DEL ORGULLO (THYMOS). Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
Vídeo Conferencia SLOTERDIJK: FISCALIDAD MONETARIA Y PSICOPOLÍTICA Dr. Adolfo Vásquez Rocca https://youtu.be/Sh7T89Rsdnc
Vídeo – Conferencia:
«SLOTERDIJK: PSICOPOLÍTICA, FISCALIDAD MONETARIA Y GENEALOGÍA DEL ORGULLO (THYMOS); DEL MUNDO INTERIOR DEL CAPITAL AL ÚTERO SOCIAL.”https://youtu.be/Sh7T89Rsdnc
– UFM, Seminario “Peter Sloterdijk: Del mundo interior del capital al útero social”, IV° Trimestre de 2016, en la M.A. Maestría en Filosofía de la Escuela de Posgrado UFM Universidad Francisco Marroquín GT
Para Sloterdijk, se hace así necesario renovar por completo la fundamentación de la Fiscalidad Estatal. Cuando antes se utilizaba el concepto “los ricos” se pensaba siempre en ricos ociosos; gentes que estaban fuera de la esfera del trabajo. Así era por naturaleza la clase de los herederos, primero los aristocráticos, luego también los herederos de nuevos patrimonios burgueses que no sin razón se llaman fortunas. Hoy los ricos ya no son los ociosos que vivían de las plusvalías arrancadas a los menesterosos, sino working rich (emprendedores) cuya mayoría se sitúa en una clase media desmoralizada: un ciudadano reducido a la condición de portador de un número de identificación fiscal. Si consideramos el Estado de Derecho como una estructura ético-política con valor propio, un nuevo fundamento voluntario –filantrópico– de la fiscalidad puede acordarse “desde el espíritu de la alianza democrática de ciudadanos”. Aunque Sloterdijk plantea alguna propuesta institucional, como un Parlamento de los dadores encargado de des-automatizar el pago de impuestos, los detalles prácticos se dejan a un lado; la transición sería lenta, pero factible. Y su punto de partida es dejar de considerar que los ciudadanos deban algo al Estado, para catalogar sus contribuciones tributarias como donaciones.
1Catedrático Pensamiento Contemporáneo UFM, Seminario “Peter Sloterdijk: Del mundo interior del capital al útero social”, IV° Trimestre de 2016, en la M.A. Maestría en Filosofía de la Escuela de Posgrado UFM Universidad Francisco Marroquín, Guatemala.
SLOTERDIJK: PSICOPOLÍTICA, FISCALIDAD MONETARIA Y GENEALOGÍA DEL ORGULLO (THYMOS); DEL MUNDO INTERIOR DEL CAPITAL AL ÚTERO SOCIAL. Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA Vídeo – Conferencia UFM – PUCV
Si hay algún filósofo atípico en la lista de pensadores más influyentes del siglo XXI este es sin duda el alemán Peter Sloterdijk. Profundo conocedor de la más sólida tradición cultural y filosófica de su país –estudió Filosofía, Germanística e Historia en las universidades de Múnich y Hamburgo– y no en vano se formó bajo el influjo de lo que se ha dado en llamar la segunda generación de la Escuela de Frankfurt. En Sloterdijk concurren también otras tradiciones e influencias: La poética del espacio de Bachelard, Musil, Canetti, Hermann Broch y Spengler. También en Sloterdijk se deja ver el influjo de Nietzsche, particularmente en sus referencias a la crisis del Humanismo que luego con Heidegger asumiría otro designio hermenéutico.
Su independencia le lleva, sin reparos, no sólo a mostrar su vasta discrepancia con “el sueño ilustrado”, sino que además a hacer suyas las propuestas de filósofos incómodos y no siempre bienvenidos en Alemania: como Nietzsche y Heidegger.
En la filosofía de Sloterdijk se puede encontrar una multiplicidad de escenificaciones en las que intervienen los actores por excelencia de la historia: el hombre, la divinidad, los animales, las fuerzas de la naturaleza, los artefactos tecnológicos; todo en escenarios tan dispares como hordas, polis, burbujas, globos, espumas, cosmos; en estados de cosas tan disímiles como el sueño, la vigilia, la subjetividad, el estado narcótico, el líquido amniótico, el jardín del Edén, etc. Ante esto se pueden distinguir dos grandes líneas narrativas que en su filosofía se articulan para dar cuenta de la caducidad del humanismo –la última gran filosofía de la historia– y del advenimiento de una nueva era posthumanista, desestructurando los supuestos fundamentales del humanismo, a saber: la estricta distinción entre naturaleza y cultura; y la dicotomía sujeto y objeto, diversificando los planteamientos y unidades de sentido histórico. Para esto, Sloterdijk realiza una suerte de historia natural de la especie junto a una historia espiritual de la criatura; donde el hombre viene a ser una deriva biotecnológica asubjetiva que vive hoy -con la invención de la inteligencia artificial y el descubrimiento del genoma humano- un momento decisivo en términos de política de la especie.
Sloterdijk en Esferas reconstruye el tránsito desde las microesferas (relaciones del tipo feto-placenta) a las macro-esferas (estructuras políticas, Estados Nación) Las historias amorosas y las comunidades solidarias no son sino la creación de espacios interiores para las emociones escindidas Esferas desarrolla una teoría de la intimidad simbiótica inmune y del surrealismo de la pareja. ¿Dónde venimoscuando venimos al mundo? una pregunta espacial sobrela ontogénesis de los espacios humanos.
A lo que Sloterdijk llama Esferas es, provisionalmente, un globo de dos mitades, polarizado y diferenciado desde el comienzo, ordenado interiormente, sin embargo, subjetivo y capaz de sensibilidad: un espaciocomún de vivencia y de experiencia, dúplice y único a la vez. Las esferas son, no obstante, construcciones frágiles, amenazadas por una inestabilidad constitutiva que pone constantemente en peligro su inmunidad.
¿ Cuál es nuestro doble más originario? Somos pre-hombres en la placenta, y en ella un sistema de proximidad dual. Todos los partos son partos de mellizos; nadie viene al mundo sin compañía y sin anexo.
El estamento médico oficial, como si se tratara de una inquisición ginecológica, tomó a su cargo garantizar que la recta creencia en el haber-nacido-solo se anclara firmemente en todos los discursos y disposiciones de ánimo. El positivismo individualista burgués, frente a débiles resistencias del romántico compañerismo anímico, impuso socialmente la radical e imaginaria incomunicación de los individuos en los senos maternos, en las cunas y en la propia piel.
Peter Sloterdijk ha desatado una polémica entre algunos intelectuales europeos tras declarar su disidencia contra el pago de impuestos a la renta, por considerar esa obligación una forma de subsidio a las clases menos favorecidas y de fomentar «una suerte de cleptocracia institucional».
La controversia se inició cuando Sloterdijk, en declaraciones hechas al periódico Frankfurter Allgemeine Zeitung —y reproducidas por el periódico español La Vanguardia— comprimió algunos de los argumentos que desarrolló en su ante-último libro, Ira y tiempo. Ensayo psicopolítico.
La polémica, que data de hace un par de años, tuvo lugar en Alemania.Pero se acaban de publicar ahora algunos textos en castellano1y se ha vuelto a poner de actualidad.
Pero, ¿qué dijo Sloterdijk exactamente? Para saberlo hay que remontarse al Frankfurter Allgemeine Zeitung del 13 de junio de 2009, donde, en el marco de una serie de contribuciones sobre el futuro del capitalismo, apareció el artículo de la discordia “Die Revolution der gebenden Hand”2 Retomando los motivos de su penúltimo libro, Zorn und Zeit (2006) –Ira y tiempo3–, el autor alemán pone en cuestión el mito rousseauniano de la propiedad, conforme al cual el primer propietario es el primer ladrón. A su juicio, la idea de que el origen histórico de la propiedad es ilegítimo ha nutrido una poderosa corriente continental de pensamiento y acción para la que un orden justo sólo puede restablecerse mediante la “expropiación de los expropiadores”. Una peligrosa alianza de idealismo y resentimiento habría llevado a la práctica –de la Revolución Francesa al leninismo– este propósito.
¿Por qué las relaciones materiales entre el Estado y los ciudadanos ha de estar dispuesta de modo unilateral desde arriba? ¿Acaso no tendrá que ver esa disposición con el hecho de que el ciudadano sea entendido como un deudor?
Ya es hora de que el contribuyente sea reconocido como un dador, o incluso como un patrocinador, y no como un deudor, de que se libere de la sutilmente legitimada mecánica humillante y desmoralizante que está detrás del sistema tributario. De otro modo, corremos el riesgo de pasar del absolutismo a la era posdemocrática sin haber conocido un sistema fiscal democrático. No se cuestiona el pago de impuestos. Son el precio a pagar por vivir en relaciones ordenadas. Pero ¿por qué el pago no puede ser civilizado? Solo sería necesario orientar el sistema hacia una voluntariedad lúcida. Ese cambio aparentemente semántico tendría consecuencias de un alto contenido ético en la práctica política. La transposición del deudor en donante significaría un despertar moral a la vida.
La intensificación y reavivación éticas de los impuestos como donaciones del ciudadano a la comunidad que persigue Sloterdijk y abrirían el camino hacia una democracia más participativa que verdaderamente obligara a los políticos a invertir en lo que quieren los ciudadanos.
Es la dinámica de la coacción la que se ha de suprimir, pero Sloterdijk no cuestiona que el Estado necesite de una tesorería suficiente para realizar sus tareas. De ahí que se pregunte por la mejor manera de articular esa necesidad y de establecer las relaciones entre el Estado y el ciudadano. La transformación que propone busca hacer del ritual burocrático de impuestos obligatorios «una praxis de voluntarias contribuciones ciudadanas a la prosperidad de la comunidad». Invita a la toma de una decisión ética. Llama a la participación política desde la generosidad. Pero esa revolución donante se entendió como un intento de librar del pago de impuestos a los ricos con vistas a la destrucción del Estado social. Por el contrario, el gesto hacia la voluntariedad y la reorientación del sistema hacia el thymós del ciudadano propuestos por Sloterdijk no tienen otra finalidad que una cohesión más firme del Estado social. Una cohesión auténtica, fundada sobre sentimientos nobles y vivaces. Sloterdijk escribe con la certeza de que los efectos psico-políticos de un cambio así, aparentemente semántico, serían incalculables. Los ciudadanos, descubriéndose a sí mismos como dadores, tendrían acceso a un plano vital repleto de posibilidades de exaltación. Comprenderían lo satisfactorio que es sentirse y ser res- ponsable de proyectos llevados a cabo en estrecha cooperación con sus conciudadanos y el Estado. El ciudadano recuperaría lo que Sloterdijk ha llamado su thymós, una especie de orgullo primordial, genuinamente heroico, incluso la jovialidad, en palabras de Sloterdijk, la contemplación benévola de todo lo que existe. Solo así quedaría libre de las aguas movedizas de la ira, que no es otra cosa que el resultado de la vejación de ese orgullo y que desemboca en el resentimiento.
Entiende que las personas ricas que han interiorizado su bienestar tienden al dar; así explica, por ejemplo, la filantropía de Bill Gates. El prestigio y la actitud donante van de la mano. Pero no es ingenuo, sabe que los ricos quieren salvarse a sí mismos, pero considera que para ello habrán de salvar también al resto. La comunidad entera ha de esforzarse por lograr unas relaciones globales vivibles que, quizá, puedan estar basadas en una macroeconomía filantrópico-capitalista en interacción con un generoso estado fiscal mundial.
Vídeo Conferencia SLOTERDIJK: FISCALIDAD MONETARIA Y PSICOPOLÍTICA Dr. Adolfo Vásquez Rocca https://youtu.be/Sh7T89Rsdnc
Vídeo – Conferencia:
«SLOTERDIJK: PSICOPOLÍTICA, FISCALIDAD MONETARIA Y GENEALOGÍA DEL ORGULLO (THYMOS); DEL MUNDO INTERIOR DEL CAPITAL AL ÚTERO SOCIAL.”https://youtu.be/Sh7T89Rsdnc
1.- “LA MANO QUE TOMA Y LA PARTE QUE DA”
«SLOTERDIJK: PSICOPOLÍTICA, FISICALIDAD MONETARIA Y GENEALOGÍA DEL ORGULLO (THYMOS)». – Del mundo interior del capital al útero social.
Dr. Adolfo Vásquez Rocca. Vídeo-Conferencia: https://youtu.be/Sh7T89Rsdnc
– UFM, Seminario “Peter Sloterdijk: Del mundo interior del capital al útero social”, IV° Trimestre de 2016, en la M.A. Maestría en Filosofía de la Escuela de Posgrado UFM Universidad Francisco Marroquín GT.
Para Sloterdijk, se hace así necesario renovar por completo la fundamentación de la Fiscalidad Estatal. Cuando antes se utilizaba el concepto “los ricos” se pensaba siempre en ricos ociosos; gentes que estaban fuera de la esfera del trabajo. Así era por naturaleza la clase de los herederos, primero los aristocráticos, luego también los herederos de nuevos patrimonios burgueses que no sin razón se llaman fortunas. Hoy los ricos ya no son los ociosos que vivían de las plusvalías arrancadas a los menesterosos, sino working rich (emprendedores) cuya mayoría se sitúa en una clase media desmoralizada: un ciudadano reducido a la condición de portador de un número de identificación fiscal. Si consideramos el Estado de Derecho como una estructura ético-política con valor propio, un nuevo fundamento voluntario –filantrópico– de la fiscalidad puede acordarse “desde el espíritu de la alianza democrática de ciudadanos”. Aunque Sloterdijk plantea alguna propuesta institucional, como un Parlamento de los dadores encargado de des-automatizar el pago de impuestos, los detalles prácticos se dejan a un lado; la transición sería lenta, pero factible. Y su punto de partida es dejar de considerar que los ciudadanos deban algo al Estado, para catalogar sus contribuciones tributarias como donaciones.
Las olvidadas fuerzas «timóticas» del ser humano. Filosofía financiera y fiscal, remedios para la actual situación. Comentarios sobre el ejercitarse.
SLOTERDIJK: PSICOPOLÍTICA, FISICALIDAD MONETARIA Y GENEALOGÍA DEL ORGULLO (THYMOS). – Del mundo interior del capital al útero social, por Adolfo Vásquez Rocca.
Adolfo Vásquez Rocca (Doctor en Filosofía Contemporánea; Especialización en Estética y Teoría del Conocimiento PUCV – UCM ), catedrático del seminario sobre la obra y el pensamiento del filósofo alemán (4° Trimestre de 2016, en la Maestría -M.A.- en Filosofía de la Escuela de Posgrado), nos ofrecerá esta conferencia en línea en la que expondrá las ideas filosóficas de Sloterdijk en relación a la economía y la política.
Multiversidad Mundo Real Edgar Morin
Académico Investigador Postgrado Multiversidad Mundo Real Edgar Morin – Programa de Doctorado Internacional en Pensamiento Complejo – Centro Mundial de Altos Estudios para la transformación social desde las Ciencias de la Complejidad, la Transdisciplina y el Pensamiento Complejo, 2015.
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, Teoría del Conocimiento y Pensamiento Contemporáneo. Áreas de Especialización Antropología y Estética. Miembro de la Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes. Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor Adjunto Escuela de Psicología y de la Facultad de Arquitectura UNAB. Miembro de la Cartera de Árbitros de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México UAEM (Revista “El ornitorrinco tachado” – Archivos Universitarios de Investigación Artística)
En octubre de 2006 y 2007 es invitado por la ‘Fundación Hombre y Mundo’ y la UNAM a dictar un Ciclo de Conferencias en México.
Miembro del Consejo Editorial Internacional de la ‘Fundación Ética Mundial‘ de México. Director del Consejo Consultivo Internacional de ‘Konvergencias‘, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Argentina. Miembro del Consejo Editorial Internacional de Revista Praxis. Facultad de Filosofía y Letras, Universidad Nacional UNA, Costa Rica. Miembro del Conselho Editorial da Humanidades em Revista, Universidade Regional do Noroeste do Estado do Rio Grande do Sul, Brasil y del Cuerpo Editorial de Sophia –Revista de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador–. –Secretario Ejecutivo de Revista Philosophica PUCV.
Profesor de Postgrado, Magíster en Biología-Cultural, Escuela Matríztica de Santiago y Universidad Mayor 2013–2014 –Investigador Asociado y Profesor adjunto de la Escuela Matríztica de Santiago, Área ‘Filosofía fundamental’ –dirigida por el Dr. Humberto Maturana.
Información
Libertad 1405 of. 910. Viña del Mar. Torre Coraceros
Cupos Limitados: 10 personas
Secciones y Horarios
– Sección A: Martes: 18:30 a 21:30 hrs.
24 de noviembre
1 de diciembre
8 de diciembre
15 de diciembre
– Sección B: Sábado: 10:30 a 13:30 hrs.
28 de noviembre
5 de diciembre
12 de diciembre
19 de diciembre
Profesionales – Público general: $ 80.000 (pesos chilenos)
Estudiantes: $ 50.000 (pesos chilenos)
Contacto – Información e inscripciones:
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA. Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO. THE EUROPEAN SOCIETY FOR AESTHETICS
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO The European Society for Aesthetics
Cupos Limitados
DIRIGIDO A:
↓
1. Dirigido a profesionales y estudiantes de las áreas de la Salud, Arte, Psicología, Educación, Humanidades y otras carreras afines tales como: Artes Visuales, Artes Plásticas, dramáticas, literarias y musicales; Pedagogía, Educación Diferencial, Educación Parvularia, Diseño, Kinesiología, Psicopedagogía, Medicina, Psiquiatría, Fonoaudiología, Enfermería, Trabajo Social, Terapia Ocupacional, entre otras.
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO The European Society for Aesthetics Cupos Limitados
DESCRIPCIÓN:
1.-
El Arteterapia emplea la expresión plástica para resolver o detectar conflictos, trastornos emocionales y psicopatologías. Busca potenciar la creatividad y el bienestar psicosocial. La expresión plástica, el antipoema, el psicodrama analítico1, el collage y el arte conceptual, son agudos instrumentos para la verbalización (puesta en escena) de conflictos internos.
El Seminario se propone una aproximación al fenómeno del trastorno emocional y psíquico, a la transgresión de la ley (o normatividad) en el plano de lo simbólico, al nudo conceptual en el que confluyen arte y disturbio social, ‘delito’, genialidad y psicopatología.
El Inconsciente –lo reprimido- (Freud)–, el inconsciente colectivo (Jung) habla por metáforas (arquetipos). Lacan mismo incorpora nociones lingüísticas, filosóficas y topológicas, para mostrar como el inconsciente está estructurado como un lenguaje, donde rigen la metáfora y la metonimia. Hay que aprender pues el lenguaje del inconsciente, su economía, y sus mecanismos: represión, transferencia, mecanismos de defensa, sublimación, vuelta de la represión (el retorno de lo reprimido, venganza imaginaria, con sus alcances y extrapolaciones socio-políticas, en definitiva, una lectura estética y psicopolítica de los conflictos personales y sociales)..
El Arteterapia emplea la expresión plástica para resolver o detectar conflictos, trastornos emocionales y psicopatologías. Busca potenciar la creatividad y el bienestar psicosocial. La expresión plástica, el antipoema, el psicodrama analítico1, el collage y el arte conceptual, son agudos instrumentos para la verbalización (puesta en escena) de conflictos internos.
El Seminario se propone una aproximación al fenómeno del trastorno emocional y psíquico, a la transgresión de la ley (o normatividad) en el plano de lo simbólico, al nudo conceptual en el que confluyen arte y disturbio social, ‘delito’, genialidad y psicopatología.
El Inconsciente –lo reprimido- (Freud)–, el inconsciente colectivo (Jung) habla por metáforas (arquetipos). Lacan mismo incorpora nociones lingüísticas, filosóficas y topológicas, para mostrar como el inconsciente está estructurado como un lenguaje, donde rigen la metáfora y la metonimia. Hay que aprender pues el lenguaje del inconsciente, su economía, y sus mecanismos: represión, transferencia, mecanismos de defensa, sublimación, vuelta de la represión (el retorno de lo reprimido, venganza imaginaria, con sus alcances y extrapolaciones socio-políticas, en definitiva, una lectura estética y psicopolítica de los conflictos personales y sociales).
Muchos creadores –pintores, poetas y cineastas contemporáneos– se han sumergido en un ámbito oscuro y trasgresor; a través de la categoría de lo abyecto o lo monstruoso el artista muestra la vulnerabilidad de la condición humana, no solamente para recrearse en lo deforme y monstruoso, sino para instalarse en el reconocimiento de nuestros primarios impulsos thanáticos, de nuestra condición predadora y autodestructiva, tan difícil de aceptar para una humanidad que aun coquetea con su narcisismo primario. Desde el gesto iconoclasta del dadaismo a la influencia de la ‘inquietante extrañeza’, ‘lo siniestro’ de Freud sobre el Surrealismo; del método paranoico-crítico a la perversidad polimorfa de Salvador Dalí, o la ‘melancolía’ –tristeza voluptuosa– en Julia Kristeva; locura trágica o genialidad sospechosa; del barco de los locos al jardín de las delicias, el histrionismo pictórico y saturnalesco de el Bosch; hasta la colección Prinzhorn, con más de 5.000 dibujos (arte realizado por enfermos mentales) –a principios del siglo XX– explora la relación entre creatividad, arte y locura, hasta entenderse como una herramienta de exploración psiquiátrica. Una Summa de artistas y anormales: los primeros libertinos del siglo XVIII; una multitud de autores sorprendentes, toda una literatura condenada a «los infiernos» de las bibliotecas, desde las comedias de los teatros clandestinos del siglo XVIII y los libelos más procaces de la Revolución francesa, se busca establecer las diferencias entre lo erótico, lo obsceno y lo pornográfico.
Por su parte el arte conceptual a través de Fluxus estaba dirigido a impactar en el público como una imitación de lo intrínsecamente vital. La complejidad de los conciertos Fluxus y la colaboración de artistas de la talla de Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik y Charlotte Moorman desembocaron en interpretaciones que transmitían una visión muy especial e inconformista de la vida.
Los conciertos Fluxus no son placeres auditivos de alta fidelidad y sintonía fina. No se produce una armonización acústica a través de unos bajos precisos, de unos tonos medios naturales y de tonos concomitantes cristalinos. Un concierto Fluxus es una experiencia auditiva en la que cualquier objeto, cualquier cosa se convierte en un instrumento. La autenticidad inconfundible de los conciertos Fluxus y la pasión y el poder innovador de los artistas supusieron un cambio profundo en la expresión del arte. Esta evolución artística, incitada por el presente y dirigida hacia el futuro, creó la noción de que cada individuo constituye una obra de arte en sí mismo y que la vida se puede entender como una composición artística global. Los atributos singulares de los conciertos Fluxus y la libertad en los arreglos son un reconocimiento a la causalidad, en la que se desvanecen tanto la causa como el efecto y en la que el caos acuña su marca indeleble sobre la realidad.
Fluxus, que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total”.
Como Dadá, Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Podemos oponer Fluxus al arte conceptual por su referencia directa, inmediata y urgente a la realidad cotidiana, e invierte la propuesta de Duchamp, quien a partir del Ready–made, introdujo lo cotidiano en el arte. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano .2
A lo largo de su itinerario, Joseph Beuys, artista alemán, trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, happening, vídeo e instalación, fue miembro y mentor del movimiento neodadá Fluxus. El arte siempre se ha alejado de las necesidades del ser humano y se ha ocupado de innovaciones estilísticas y artísticamente inmanentes. De lo que se trata ahora —sostenía Beuys— es de implicar al “cuerpo social” en su conjunto3, de dar paso, a través del arte y su concepción de ampliada de la estética a una teoría antropológica de la creatividad. Para ello en 1974 funda la Universidad Libre Internacional junto al premio Nobel de literatura Heinrich Böll. Se trata de una universidad sin sede, donde se ponen en práctica las ideas pedagógicas del artista, ocupando la creatividad un lugar privilegiado como ciencia de la libertad; cada hombre es un artista, con facultades creativas que deben ser perfeccionadas y reconocidas. La Universidad Libre pretendió acabar con la idea del arte como una práctica aislada para configurar un concepto “ampliado” del arte4 , abriendo el horizonte de la creatividad más allá del gueto del arte.
El artista que adhiere al programa de la continuidad arte-vida, opera bajo diversas estrategias para perpetrar el atentado cultural por antonomasia, poner las obras en libertad, en libre circulación, así las obras abandonan la Galería para actuar directamente en la realidad gracias a una disposición artística y política determinada. Este es el sentido de la proposición horizontal de Joseph Beuys «cada hombre es un artista» [19], que opera la apertura de la experiencia estética creadora en el espacio público horizontal, legitimando las capacidades de mucha gente que —teniendo voluntad expresiva y sensibilidad artística— no se veían a sí mismos como artistas. El arte adquiere así un alcance social y una dimensión político-espiritual que intenta dar cuenta tanto de la precariedad como de la grandeza de lo humano como fenómeno de prodigalidad extrema, íntimamente socializadora. De allí que Beuys haya desplegado sus acciones de arte —instalaciones y proyectos comunitarios— en zonas desfavorecidas o «de incertidumbre e inestabilidad» social, intentado introducir en la escena del arte aquello con lo que el hombre ha convivido en su historia natural como especie.
Este proceso encuentra su punto de mayor alcance en la formulación del concepto ampliado de arte y en la búsqueda de la consecución de la obra de arte total.
La consecuencia más importante de estas concepciones es en el desplazamiento del centro de interés creativo. Beuys no buscaba producir objetos, «obras», sino acciones. Beuys ambiciona la condición del nómada. En el reino del hombre urbano sedentario, quiere ser desplazamiento continuo. Lo nómada es la existencia en un lugar que es camino hacia todos los lugares. Es goce del movimiento; es proyección hacia el volumen completo del espacio [21].
Los objetos de Beuys no son «autónomos»: forman parte de un circuito comunicativo que se despliega en las acciones en que son utilizados. Y después se convierten en signos, o «documentos» según la expresión del propio Beuys, depositarios de la memoria de dichas acciones.
Para Beuys “todo conocimiento humano procede del arte” [22], toda capacidad procede de la capacidad artística del ser humano, es decir, de ser activo creativamente. «El concepto de ciencia es sólo una ramificación de lo creativo en general» [23]. Por esa razón —sostiene Beuys— hay que fomentar una educación artística para el ser humano, pero no como una materia relegada al mero ámbito de las manualidades, sino emplazada estratégicamente en el centro del currículum académico, como el medio más eficaz en la reproducción de la inteligencia técnica y el desarrollo de nuevas miradas sobre las cosas, un campo para el ejercicio crítico de la configuración espacial. De acuerdo a estas convicciones solo se puede preparar adecuadamente a los futuros ciudadanos mediante este tipo de entrenamiento —inspirado por un concepto de estética ampliado— en competencias necesarias para la solución de las tareas políticas del futuro —urbanísticas, energéticas y sociales—, imbricando en su quehacer todos los medios de expresión humanos.
La acción, tal y como el artista la concibe, no es un mero recreo o un acto de provocación y participación, como el happening de Fluxus. Es una experiencia catártica, un rito de iniciación donde —desde una perspectiva antropológica— arte y ritual van unidos de un modo dramático en operaciones chamánicas de intensa concentración y hondo alcance espiritual. Para Beuys, como se ve, el concepto del acto artístico tiene un carácter eminentemente antropológico.
A Beuys el utopista, el pintor, el escultor, el diseñador gráfico, el performer, el teórico del arte, el político, el poeta, el dandi, el hombre de las cavernas, el profesor, el líder carismático, el chamán, el padre de familia, el héroe de guerra incombustible, condecorado dos veces con la Cruz de Hierro, el que se reconvirtió en político pacifista y militante del partido verde, a él, no le interesaba exponer. Para Beuys exhibir fue siempre solo una excusa para hablar de la utopía del Arte ante audiencias numerosas. Beuys fue un ácido crítico del sistema del Arte y se resistía a que su obra quedara confinada a galerías, museos y páginas culturales de la prensa del espectáculo.
SEMINARIO: ARTE-TERAPIA: ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICOPATOLOGÍA. II.- PINTURA ALINEADA, TANZTHEATER Y BIOPOLÍTICA, DESPUÉS DEL FIN DEL ARTE. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
– Theoria – Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado –UCM
– Asociación Internacional de Arte, Creatividad y Terapia (IAAC)
– Societé Internacionale de Psychopathologie de l’expression et l’Art thérapie .
E-mail: arteterapiaseminario2015@gmail.com
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA. Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO. THE EUROPEAN SOCIETY FOR AESTHETICS
1. Dirigido a titulados y estudiantes de las áreas de la Salud, Arte, Psicología, Educación, Humanidades y otras carreras afines tales como: Artes Visuales, Artes Plásticas, dramáticas, literarias y musicales; Pedagogía, Educación Diferencial, Educación Parvularia, Sociología, Estudios Culturales, Deportes, Diseño, Kinesiología, Psicopedagogía, Medicina, Psiquiatría, Fonoaudiología, Enfermería, Trabajo Social, Terapia Ocupacional, entre otras.
Libertad 1405 of. 910. Viña del Mar.
Cupos Limitados: 10 personas
El Arteterapia emplea la expresión plástica para resolver o detectar conflictos, trastornos emocionales y psicopatologías. Busca potenciar la creatividad y el bienestar psicosocial. La expresión plástica, el antipoema, el psicodrama analítico1, el collage y el arte conceptual, son agudos instrumentos para la verbalización (puesta en escena) de conflictos internos.
El Seminario se propone una aproximación al fenómeno del trastorno emocional y psíquico, a la transgresión de la ley (o normatividad) en el plano de lo simbólico, al nudo conceptual en el que confluyen arte y disturbio social, ‘delito’, genialidad y psicopatología.
El Inconsciente –lo reprimido- (Freud)–, el inconsciente colectivo (Jung) habla por metáforas (arquetipos). Lacan mismo incorpora nociones lingüísticas, filosóficas y topológicas, para mostrar como el inconsciente está estructurado como un lenguaje, donde rigen la metáfora y la metonimia. Hay que aprender pues el lenguaje del inconsciente, su economía, y sus mecanismos: represión, transferencia, mecanismos de defensa, sublimación, vuelta de la represión (el retorno de lo reprimido, venganza imaginaria, con sus alcances y extrapolaciones socio-políticas, en definitiva, una lectura estética y psicopolítica de los conflictos personales y sociales)… ver más
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA. Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO. THE EUROPEAN SOCIETY FOR AESTHETICS
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA. Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO. THE EUROPEAN SOCIETY FOR AESTHETICS
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA. Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO. THE EUROPEAN SOCIETY FOR AESTHETICS
Director de Tesis Escuela de Teatro Universidad Finis Terrae (2014): “Aproximación Estético-psicótica a la obra de Von Mayenburg” una relectura desde las nociones de lo abyecto, lo siniestro y el modelo atmoterrorista [con particular atención a Freud – Kafka– y Julia Kristeva]. – Conferencista ISCV Instituto de Sistemas Complejos De Valparaíso y Dirección de Extensión Universidad de Valparaíso: Ciclo “Ideas, sentimientos y acciones: diálogos contemporáneos sobre el fenómeno humano”: Conferencia y IV Coloquio: “Arte y Salud Mental: “La Estética Como Dimensión Terapéutica».
Vásquez Rocca, Adolfo, “La cuestión del sujeto: psicopatologías del yo y la transformación biopolítica de la subjetividad”, En Revista NÓMADAS Nº 42 – 2015, ¿Imaginación científica o imposturas de la tecnociencia? Universidad Central, Col. IESCO – Instituto de Estudios Sociales Contemporáneos, Facultad de Ciencias Sociales, Humanidades y Arte, Universidad Central, Bogotá, Colombia. / SciELO Citation Index (Thomson Reuters)
Versión ampliada, de la Publicación original: Vásquez Rocca, Adolfo, «El arte abandona la galería ¿Adónde va? En torno a Beuys y la reconstrucción del Museo como proyecto ilustrado», DEBAT’S Nº 101 – 108, pp. 19-26, Revista trimestral editada por la Institució Alfons el Magnànim, Valencia, España.
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA. Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO. THE EUROPEAN SOCIETY FOR AESTHETICS
1. Dirigido a titulados de las áreas de la Salud, Arte, Psicología, Educación, Humanidades y otras carreras afines tales como: Artes Visuales, Artes Plásticas, dramáticas, literarias y musicales; Pedagogía, Educación Diferencial, Educación Parvularia, Diseño, Kinesiología, Psicopedagogía, Medicina, Psiquiatría, Fonoaudiología, Enfermería, Trabajo Social, Terapia Ocupacional, entre otras.
ARTE-TERAPIA: ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICOPATOLOGÍA.
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA. Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO. THE EUROPEAN SOCIETY FOR AESTHETICS
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA. Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO. THE EUROPEAN SOCIETY FOR AESTHETICS
Seminario: ARTE-TERAPIA: ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICOPATOLOGÍA
Dr. Adolfo Vásquez Rocca
DESCRIPCIÓN:
El Arteterapia emplea la expresión plástica para resolver o detectar conflictos, trastornos emocionales y psicopatologías. Busca potenciar la creatividad y el bienestar psicosocial. La expresión plástica, el psicodrama analítico y el arte conceptual, son instrumentos para la verbalización (puesta en escena) de trastornos emocionales y adaptativos.
El Inconsciente –lo reprimido (Freud)–, el inconsciente colectivo (Jung) habla por metáforas (arquetipos). Lacan mismo incorpora nociones lingüísticas, filosóficas y topológicas, para mostrar como el inconsciente está estructurado como un lenguaje, donde rigen la metáfora y la metonimia. Hay que aprender pues el lenguaje del inconsciente, su economía, y sus mecanismos: represión, transferencia, mecanismos de defensa, sublimación, vuelta de la represión (el retorno de lo reprimido, venganza imaginaria, con sus alcances y extrapolaciones socio-políticas, en definitiva, una lectura estética y psicopolítica de los conflictos personales y sociales).
El Seminario se propone una aproximación al fenómeno del trastorno emocional y psíquico, a la transgresión de la ley (o normatividad) en el plano de lo simbólico, al nudo conceptual en el que confluyen arte y disturbio social, ‘delito’, genialidad y psicopatología. Muchos creadores –pintores, poetas y cineastas contemporáneos– se han sumergido en un ámbito oscuro y trasgresor; a través de la categoría de lo abyecto o lo monstruoso; el artista muestra la vulnerabilidad de la condición humana, no solamente para recrearse en lo deforme y monstruoso, sino para instalarse en el reconocimiento de nuestros primarios impulsos thanáticos, de nuestra condición predadora y autodestructiva, tan difícil de aceptar para una humanidad que aun coquetea con su narcisismo primario. Desde el gesto iconoclasta del dadaismo a la influencia de la ‘inquietante extrañeza’, ‘lo siniestro’ de Freud y su influencia sobre el Surrealismo; del método paranoico-crítico a la perversidad polimorfa de Salvador Dalí, o la ‘melancolía’ –tristeza voluptuosa– en Julia Kristeva; locura trágica o genialidad sospechosa; del barco de los locos al jardín de las delicias, el histrionismo pictórico y saturnalesco de el Bosch; hasta la colección Prinzhorn, con más de 5.000 dibujos (arte realizado por enfermos mentales) –a principios del siglo XX– explora la relación entre creatividad, arte y locura, hasta entenderse como una herramienta de exploración estético-psiquiátrica. … ver más
Director de Tesis Escuela de Teatro Universidad Finis Terrae (2014): “Aproximación Estético-psicótica a la obra de Von Mayenburg” una relectura desde las nociones de lo abyecto, lo siniestro y el modelo atmoterrorista [con particular atención a Freud – Kafka– y Julia Kristeva]. – Conferencista ISCV Instituto de Sistemas Complejos De Valparaíso y Dirección de Extensión Universidad de Valparaíso: Ciclo “Ideas, sentimientos y acciones: diálogos contemporáneos sobre el fenómeno humano”: Conferencia y IV Coloquio: “Arte y Salud Mental: “La Estética Como Dimensión Terapéutica».
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, Teoría del Conocimiento y Pensamiento Contemporáneo. Áreas de Especialización Antropología y Estética. Miembro de la Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes. Ha sido Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor Adjunto Escuela de Psicología y de la Facultad de Arquitectura UNAB.
Director de Tesis Escuela de Teatro Universidad Finis Terrae (2014): “Aproximación Estético-psicótica a la obra de Von Mayenburg” una relectura desde las nociones de lo abyecto, lo siniestro y el modelo atmoterrorista [con particular atención a Freud – Kafka– y Julia Kristeva]. – Conferencista ISCV Instituto de Sistemas Complejos De Valparaíso y Dirección de Extensión Universidad de Valparaíso: Ciclo “Ideas, sentimientos y acciones: diálogos contemporáneos sobre el fenómeno humano”: Conferencia y IV Coloquio: “Arte y Salud Mental: “La Estética Como Dimensión Terapéutica».
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, Teoría del Conocimiento y Pensamiento Contemporáneo. Áreas de Especialización Antropología y Estética. Miembro de la Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes. Ha sido Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor Adjunto Escuela de Psicología y de la Facultad de Arquitectura UNAB.
Director de Tesis Escuela de Teatro Universidad Finis Terrae (2014): “Aproximación Estético-psicótica a la obra de Von Mayenburg” una relectura desde las nociones de lo abyecto, lo siniestro y el modelo atmoterrorista [con particular atención a Freud – Kafka– y Julia Kristeva]. – Conferencista ISCV Instituto de Sistemas Complejos De Valparaíso y Dirección de Extensión Universidad de Valparaíso: Ciclo “Ideas, sentimientos y acciones: diálogos contemporáneos sobre el fenómeno humano”: Conferencia y IV Coloquio: “Arte y Salud Mental: “La Estética Como Dimensión Terapéutica».
Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Pontificia Universidad Católica de Valparaíso – Universidad Complutense de Madrid
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA. Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO. THE EUROPEAN SOCIETY FOR AESTHETICS
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICOPATOLOGÍA _ NOV. DICIEMBRE 2015 _ VIÑA DEL MAR _ Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO: THE EUROPEAN SOCIETY FOR AESTHETICS
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO The European Society for Aesthetics Cupos Limitados
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO The European Society for Aesthetics Cupos Limitados
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO The European Society for Aesthetics Cupos Limitados
DIRIGIDO A:
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1. Dirigido a profesionales y estudiantes de las áreas de la Salud, Arte, Psicología, Educación, Humanidades y otras carreras afines tales como: Artes Visuales, Artes Plásticas, dramáticas, literarias y musicales; Pedagogía, Educación Diferencial, Educación Parvularia, Diseño, Kinesiología, Psicopedagogía, Medicina, Psiquiatría, Fonoaudiología, Enfermería, Trabajo Social, Terapia Ocupacional, entre otras.
ARTETERAPIA SEMINARIO: ARTE-TERAPIA, ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICODRAMA Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PUCV – UCM CERTIFICADO The European Society for Aesthetics Cupos Limitados
DESCRIPCIÓN:
1.-
El Arteterapia emplea la expresión plástica para resolver o detectar conflictos, trastornos emocionales y psicopatologías. Busca potenciar la creatividad y el bienestar psicosocial. La expresión plástica, el antipoema, el psicodrama analítico1, el collage y el arte conceptual, son agudos instrumentos para la verbalización (puesta en escena) de conflictos internos.
El Seminario se propone una aproximación al fenómeno del trastorno emocional y psíquico, a la transgresión de la ley (o normatividad) en el plano de lo simbólico, al nudo conceptual en el que confluyen arte y disturbio social, ‘delito’, genialidad y psicopatología.
El Inconsciente –lo reprimido- (Freud)–, el inconsciente colectivo (Jung) habla por metáforas (arquetipos). Lacan mismo incorpora nociones lingüísticas, filosóficas y topológicas, para mostrar como el inconsciente está estructurado como un lenguaje, donde rigen la metáfora y la metonimia. Hay que aprender pues el lenguaje del inconsciente, su economía, y sus mecanismos: represión, transferencia, mecanismos de defensa, sublimación, vuelta de la represión (el retorno de lo reprimido, venganza imaginaria, con sus alcances y extrapolaciones socio-políticas, en definitiva, una lectura estética y psicopolítica de los conflictos personales y sociales)..
El Arteterapia emplea la expresión plástica para resolver o detectar conflictos, trastornos emocionales y psicopatologías. Busca potenciar la creatividad y el bienestar psicosocial. La expresión plástica, el antipoema, el psicodrama analítico1, el collage y el arte conceptual, son agudos instrumentos para la verbalización (puesta en escena) de conflictos internos.
El Seminario se propone una aproximación al fenómeno del trastorno emocional y psíquico, a la transgresión de la ley (o normatividad) en el plano de lo simbólico, al nudo conceptual en el que confluyen arte y disturbio social, ‘delito’, genialidad y psicopatología.
El Inconsciente –lo reprimido- (Freud)–, el inconsciente colectivo (Jung) habla por metáforas (arquetipos). Lacan mismo incorpora nociones lingüísticas, filosóficas y topológicas, para mostrar como el inconsciente está estructurado como un lenguaje, donde rigen la metáfora y la metonimia. Hay que aprender pues el lenguaje del inconsciente, su economía, y sus mecanismos: represión, transferencia, mecanismos de defensa, sublimación, vuelta de la represión (el retorno de lo reprimido, venganza imaginaria, con sus alcances y extrapolaciones socio-políticas, en definitiva, una lectura estética y psicopolítica de los conflictos personales y sociales).
Muchos creadores –pintores, poetas y cineastas contemporáneos– se han sumergido en un ámbito oscuro y trasgresor; a través de la categoría de lo abyecto o lo monstruoso el artista muestra la vulnerabilidad de la condición humana, no solamente para recrearse en lo deforme y monstruoso, sino para instalarse en el reconocimiento de nuestros primarios impulsos thanáticos, de nuestra condición predadora y autodestructiva, tan difícil de aceptar para una humanidad que aun coquetea con su narcisismo primario. Desde el gesto iconoclasta del dadaismo a la influencia de la ‘inquietante extrañeza’, ‘lo siniestro’ de Freud sobre el Surrealismo; del método paranoico-crítico a la perversidad polimorfa de Salvador Dalí, o la ‘melancolía’ –tristeza voluptuosa– en Julia Kristeva; locura trágica o genialidad sospechosa; del barco de los locos al jardín de las delicias, el histrionismo pictórico y saturnalesco de el Bosch; hasta la colección Prinzhorn, con más de 5.000 dibujos (arte realizado por enfermos mentales) –a principios del siglo XX– explora la relación entre creatividad, arte y locura, hasta entenderse como una herramienta de exploración psiquiátrica. Una Summa de artistas y anormales: los primeros libertinos del siglo XVIII; una multitud de autores sorprendentes, toda una literatura condenada a «los infiernos» de las bibliotecas, desde las comedias de los teatros clandestinos del siglo XVIII y los libelos más procaces de la Revolución francesa, se busca establecer las diferencias entre lo erótico, lo obsceno y lo pornográfico.
Por su parte el arte conceptual a través de Fluxus estaba dirigido a impactar en el público como una imitación de lo intrínsecamente vital. La complejidad de los conciertos Fluxus y la colaboración de artistas de la talla de Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik y Charlotte Moorman desembocaron en interpretaciones que transmitían una visión muy especial e inconformista de la vida.
Los conciertos Fluxus no son placeres auditivos de alta fidelidad y sintonía fina. No se produce una armonización acústica a través de unos bajos precisos, de unos tonos medios naturales y de tonos concomitantes cristalinos. Un concierto Fluxus es una experiencia auditiva en la que cualquier objeto, cualquier cosa se convierte en un instrumento. La autenticidad inconfundible de los conciertos Fluxus y la pasión y el poder innovador de los artistas supusieron un cambio profundo en la expresión del arte. Esta evolución artística, incitada por el presente y dirigida hacia el futuro, creó la noción de que cada individuo constituye una obra de arte en sí mismo y que la vida se puede entender como una composición artística global. Los atributos singulares de los conciertos Fluxus y la libertad en los arreglos son un reconocimiento a la causalidad, en la que se desvanecen tanto la causa como el efecto y en la que el caos acuña su marca indeleble sobre la realidad.
Fluxus, que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total”.
Como Dadá, Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Podemos oponer Fluxus al arte conceptual por su referencia directa, inmediata y urgente a la realidad cotidiana, e invierte la propuesta de Duchamp, quien a partir del Ready–made, introdujo lo cotidiano en el arte. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano .2
A lo largo de su itinerario, Joseph Beuys, artista alemán, trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, happening, vídeo e instalación, fue miembro y mentor del movimiento neodadá Fluxus. El arte siempre se ha alejado de las necesidades del ser humano y se ha ocupado de innovaciones estilísticas y artísticamente inmanentes. De lo que se trata ahora —sostenía Beuys— es de implicar al “cuerpo social” en su conjunto3, de dar paso, a través del arte y su concepción de ampliada de la estética a una teoría antropológica de la creatividad. Para ello en 1974 funda la Universidad Libre Internacional junto al premio Nobel de literatura Heinrich Böll. Se trata de una universidad sin sede, donde se ponen en práctica las ideas pedagógicas del artista, ocupando la creatividad un lugar privilegiado como ciencia de la libertad; cada hombre es un artista, con facultades creativas que deben ser perfeccionadas y reconocidas. La Universidad Libre pretendió acabar con la idea del arte como una práctica aislada para configurar un concepto “ampliado” del arte4 , abriendo el horizonte de la creatividad más allá del gueto del arte.
El artista que adhiere al programa de la continuidad arte-vida, opera bajo diversas estrategias para perpetrar el atentado cultural por antonomasia, poner las obras en libertad, en libre circulación, así las obras abandonan la Galería para actuar directamente en la realidad gracias a una disposición artística y política determinada. Este es el sentido de la proposición horizontal de Joseph Beuys «cada hombre es un artista» [19], que opera la apertura de la experiencia estética creadora en el espacio público horizontal, legitimando las capacidades de mucha gente que —teniendo voluntad expresiva y sensibilidad artística— no se veían a sí mismos como artistas. El arte adquiere así un alcance social y una dimensión político-espiritual que intenta dar cuenta tanto de la precariedad como de la grandeza de lo humano como fenómeno de prodigalidad extrema, íntimamente socializadora. De allí que Beuys haya desplegado sus acciones de arte —instalaciones y proyectos comunitarios— en zonas desfavorecidas o «de incertidumbre e inestabilidad» social, intentado introducir en la escena del arte aquello con lo que el hombre ha convivido en su historia natural como especie.
Este proceso encuentra su punto de mayor alcance en la formulación del concepto ampliado de arte y en la búsqueda de la consecución de la obra de arte total.
La consecuencia más importante de estas concepciones es en el desplazamiento del centro de interés creativo. Beuys no buscaba producir objetos, «obras», sino acciones. Beuys ambiciona la condición del nómada. En el reino del hombre urbano sedentario, quiere ser desplazamiento continuo. Lo nómada es la existencia en un lugar que es camino hacia todos los lugares. Es goce del movimiento; es proyección hacia el volumen completo del espacio [21].
Los objetos de Beuys no son «autónomos»: forman parte de un circuito comunicativo que se despliega en las acciones en que son utilizados. Y después se convierten en signos, o «documentos» según la expresión del propio Beuys, depositarios de la memoria de dichas acciones.
Para Beuys “todo conocimiento humano procede del arte” [22], toda capacidad procede de la capacidad artística del ser humano, es decir, de ser activo creativamente. «El concepto de ciencia es sólo una ramificación de lo creativo en general» [23]. Por esa razón —sostiene Beuys— hay que fomentar una educación artística para el ser humano, pero no como una materia relegada al mero ámbito de las manualidades, sino emplazada estratégicamente en el centro del currículum académico, como el medio más eficaz en la reproducción de la inteligencia técnica y el desarrollo de nuevas miradas sobre las cosas, un campo para el ejercicio crítico de la configuración espacial. De acuerdo a estas convicciones solo se puede preparar adecuadamente a los futuros ciudadanos mediante este tipo de entrenamiento —inspirado por un concepto de estética ampliado— en competencias necesarias para la solución de las tareas políticas del futuro —urbanísticas, energéticas y sociales—, imbricando en su quehacer todos los medios de expresión humanos.
La acción, tal y como el artista la concibe, no es un mero recreo o un acto de provocación y participación, como el happening de Fluxus. Es una experiencia catártica, un rito de iniciación donde —desde una perspectiva antropológica— arte y ritual van unidos de un modo dramático en operaciones chamánicas de intensa concentración y hondo alcance espiritual. Para Beuys, como se ve, el concepto del acto artístico tiene un carácter eminentemente antropológico.
A Beuys el utopista, el pintor, el escultor, el diseñador gráfico, el performer, el teórico del arte, el político, el poeta, el dandi, el hombre de las cavernas, el profesor, el líder carismático, el chamán, el padre de familia, el héroe de guerra incombustible, condecorado dos veces con la Cruz de Hierro, el que se reconvirtió en político pacifista y militante del partido verde, a él, no le interesaba exponer. Para Beuys exhibir fue siempre solo una excusa para hablar de la utopía del Arte ante audiencias numerosas. Beuys fue un ácido crítico del sistema del Arte y se resistía a que su obra quedara confinada a galerías, museos y páginas culturales de la prensa del espectáculo.
SEMINARIO: ARTE-TERAPIA: ESTÉTICA, CREATIVIDAD Y PSICOPATOLOGÍA. II.- PINTURA ALINEADA, TANZTHEATER Y BIOPOLÍTICA, DESPUÉS DEL FIN DEL ARTE. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
1. Dirigido a titulados y estudiantes de las áreas de la Salud, Arte, Psicología, Educación, Humanidades y otras carreras afines tales como: Artes Visuales, Artes Plásticas, dramáticas, literarias y musicales; Pedagogía, Educación Diferencial, Educación Parvularia, Sociología, Estudios Culturales, Deportes, Diseño, Kinesiología, Psicopedagogía, Medicina, Psiquiatría, Fonoaudiología, Enfermería, Trabajo Social, Terapia Ocupacional, entre otras.
Libertad 1405 of. 910. Viña del Mar. Cupos Limitados: 10 personas
El Arteterapia emplea la expresión plástica para resolver o detectar conflictos, trastornos emocionales y psicopatologías. Busca potenciar la creatividad y el bienestar psicosocial. La expresión plástica, el antipoema, el psicodrama analítico1, el collage y el arte conceptual, son agudos instrumentos para la verbalización (puesta en escena) de conflictos internos. El Seminario se propone una aproximación al fenómeno del trastorno emocional y psíquico, a la transgresión de la ley (o normatividad) en el plano de lo simbólico, al nudo conceptual en el que confluyen arte y disturbio social, ‘delito’, genialidad y psicopatología. El Inconsciente –lo reprimido- (Freud)–, el inconsciente colectivo (Jung) habla por metáforas (arquetipos). Lacan mismo incorpora nociones lingüísticas, filosóficas y topológicas, para mostrar como el inconsciente está estructurado como un lenguaje, donde rigen la metáfora y la metonimia. Hay que aprender pues el lenguaje del inconsciente, su economía, y sus mecanismos: represión, transferencia, mecanismos de defensa, sublimación, vuelta de la represión (el retorno de lo reprimido, venganza imaginaria, con sus alcances y extrapolaciones socio-políticas, en definitiva, una lectura estética y psicopolítica de los conflictos personales y sociales)… ver más
Director de Tesis Escuela de Teatro Universidad Finis Terrae (2014): “Aproximación Estético-psicótica a la obra de Von Mayenburg” una relectura desde las nociones de lo abyecto, lo siniestro y el modelo atmoterrorista [con particular atención a Freud – Kafka– y Julia Kristeva]. – Conferencista ISCV Instituto de Sistemas Complejos De Valparaíso y Dirección de Extensión Universidad de Valparaíso: Ciclo “Ideas, sentimientos y acciones: diálogos contemporáneos sobre el fenómeno humano”: Conferencia y IV Coloquio: “Arte y Salud Mental: “La Estética Como Dimensión Terapéutica».
Vásquez Rocca, Adolfo, “La cuestión del sujeto: psicopatologías del yo y la transformación biopolítica de la subjetividad”, En Revista NÓMADAS Nº 42 – 2015, ¿Imaginación científica o imposturas de la tecnociencia? Universidad Central, Col. IESCO – Instituto de Estudios Sociales Contemporáneos, Facultad de Ciencias Sociales, Humanidades y Arte, Universidad Central, Bogotá, Colombia. / SciELO Citation Index (Thomson Reuters)
Versión ampliada, de la Publicación original: Vásquez Rocca, Adolfo, «El arte abandona la galería ¿Adónde va? En torno a Beuys y la reconstrucción del Museo como proyecto ilustrado», DEBAT’S Nº 101 – 108, pp. 19-26, Revista trimestral editada por la Institució Alfons el Magnànim, Valencia, España.
1. Dirigido a titulados de las áreas de la Salud, Arte, Psicología, Educación, Humanidades y otras carreras afines tales como: Artes Visuales, Artes Plásticas, dramáticas, literarias y musicales; Pedagogía, Educación Diferencial, Educación Parvularia, Diseño, Kinesiología, Psicopedagogía, Medicina, Psiquiatría, Fonoaudiología, Enfermería, Trabajo Social, Terapia Ocupacional, entre otras.
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, Teoría del Conocimiento y Pensamiento Contemporáneo. Áreas de Especialización Antropología y Estética. Miembro de la Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes. Ha sido Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor Adjunto Escuela de Psicología y de la Facultad de Arquitectura UNAB.
Director de Tesis Escuela de Teatro Universidad Finis Terrae (2014): “Aproximación Estético-psicótica a la obra de Von Mayenburg” una relectura desde las nociones de lo abyecto, lo siniestro y el modelo atmoterrorista [con particular atención a Freud – Kafka– y Julia Kristeva]. – Conferencista ISCV Instituto de Sistemas Complejos De Valparaíso y Dirección de Extensión Universidad de Valparaíso: Ciclo “Ideas, sentimientos y acciones: diálogos contemporáneos sobre el fenómeno humano”: Conferencia y IV Coloquio: “Arte y Salud Mental: “La Estética Como Dimensión Terapéutica».
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, Teoría del Conocimiento y Pensamiento Contemporáneo. Áreas de Especialización Antropología y Estética. Miembro de la Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes. Ha sido Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor Adjunto Escuela de Psicología y de la Facultad de Arquitectura UNAB.
Director de Tesis Escuela de Teatro Universidad Finis Terrae (2014): “Aproximación Estético-psicótica a la obra de Von Mayenburg” una relectura desde las nociones de lo abyecto, lo siniestro y el modelo atmoterrorista [con particular atención a Freud – Kafka– y Julia Kristeva]. – Conferencista ISCV Instituto de Sistemas Complejos De Valparaíso y Dirección de Extensión Universidad de Valparaíso: Ciclo “Ideas, sentimientos y acciones: diálogos contemporáneos sobre el fenómeno humano”: Conferencia y IV Coloquio: “Arte y Salud Mental: “La Estética Como Dimensión Terapéutica».
Dr. Adolfo Vásquez Rocca Pontificia Universidad Católica de Valparaíso – Universidad Complutense de Madrid
Sobre el arte en el límite de la historia, la muerte del arte y el arte plástico contemporáneo (Arthur Danto)
¿Ha llegado el final del arte? Bueno, es difícil decirlo cuando todavía no se ha llegado a una definición unánime de lo que es Arte, y creo que partiendo de esa base podríamos rebatir algunas de las afirmaciones que Arthur C. Danto realiza en el planteamiento de su ensayo «El fin del Arte».
Danto expone que es imposible crear nuevo arte dentro del sentido histórico del arte contemporáneo. El arte no tiene futuro, y es imposible predecirlo. Si intentamos adivinar cómo será el futuro estaremos proyectando parte de nuestra situación social, cultural y artística de nuestro tiempo, y la respuesta que obtendremos será parecida a la que tendríamos al mirarnos en un espejo (más o menos deformado, pero que nos devuelve la imagen propia). Danto toma por tanto dos caminos a su teoría, por un lado la especulación sobre el futuro del Arte, y por otro lado las características del arte venidero, presuponiendo su existencia.
Para Danto, la intención del arte a lo largo de la historia es la búsqueda de la representación más exacta del mundo y de la realidad, y parte de la idea de Hegel de que el Arte ha llegado a su fin como etapa histórica, es decir que Arte e Historia han tomado caminos diferentes. Actualmente según Danto, en el Arte se producen cambios sin evolución, retomando fórmulas ya conocidas, y el problema radica en que dicho objetivo histórico del arte se ha alcanzado, a través de la perfección de la técnica o de las tecnologías, y por tanto el arte deja de tener tal sentido.
Para Arthur Danto, existen tres modelos histórico-artísticos: el primero es el de la mímesis cada vez más exacta de la realidad; el segundo el que hace referencia a las experiencias y otras formas del arte; y modelo final, aplicable al arte en un sentido muy amplio, y es el concepto al que se refiere cuando éste ha llegado a su fin.
Agotado estos modelos, el arte busca justificarse mediante otros razonamientos que superen a lo meramente representativo o estético del modelo histórico artístico inicial, y por ello las obras artísticas contemporáneas van acompañadas de justificaciones y teorías. El arte se ha convertido en un ejercicio de la autorreflexión del artista que quizás tenga más relación con la filosofía que con su vertiente histórico-artística. Se convierten en medios de expresión de los propios pensamientos, sentimientos e ideas que el artista plasma en sus obras, y no pertenece a ningún pensamiento sociocultural colectivo, ya que el arte dependerá de cada autor, y por tanto no se puede enmarcar en una etapa histórica común.
Por tanto, hoy en día la división entre objeto y sujeto en el mundo del arte ha desparecido. Para Danto, ha llegado la era del pluralismo en la que todo vale, aunque afirma que el arte siempre tendrá un papel que desempeñar si los artistas lo desean.
Creo que este hecho no supone el fin del arte. Si bien el arte desempeña el papel que los artistas deciden, forma parte indisoluble de esto la propia sociedad y la cultura de la misma, dentro de un marco temporal determinado, y por eso sería incorrecto pensar que el Arte se ha separado de la Historia. Por un lado porque la propia historia va ligada a la sociedad, y el arte también lo está. Por otro lado, porque aventurarse a imaginar cómo será el arte o su futuro es sin duda una tarea infructuosa, dado que no tenemos perspectiva suficiente para determinar siquiera en qué punto histórico nos encontramos nosotros mismos, mucho menos el arte contemporáneo, de la misma forma que hace diez años nadie podría asegurar que la era de internet habría tocado techo.
Por otro lado, creo que en tanto que el arte se trata de una forma de expresión, siempre necesitaremos de él, y en este sentido efectivamente, dependerá el concepto de Arte que manejemos, como señalábamos al principio. Si bien los medios de expresión podrán haber sido ya agotados anteriormente, como critica Danto, lo que se desea transmitir, ideas, experiencias o sensaciones y la reacción que provocan en el receptor, son únicas. Por ejemplo, entre un soneto de Góngora, Lope o Quevedo, se usa la misma técnica, misma estructura y medio expresivo, pero son obras artísticas totalmente únicas. Incluso manteniendo los métodos y suponiéndolos, en el peor de los casos, ya agotados, las oportunidades para el arte siguen siendo infinitas.
De la misma forma podemos decir que un cuadro de Velázquez, habiendo alcanzado una gran calidad técnica (uno de los pasos para el fin del arte según Danto) y a pesar que muchas de sus obras fuesen encargadas por la corte (el mercantilismo también es criticado, sobre todo en su vertiente especulativa), nadie puede negar hoy en dia que se traten de obras de arte de grandísima calidad.
Por tanto, desde mi punto de vista, no parece que haya llegado el fin del arte, o que éste haya tocado su techo evolutivo, ni parece que este punto pueda (afortunadamente) alcanzarse jamás.
Arthur C. Danto. Nacido en EE.UU. en el año 1924, fue Profesor Johnsonian Emérito de Filosofía en la Universidad Norte Americana de Columbia.
Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia (1997) es la recopilación del trabajo publicado en el Diario The Nation entre 1984 y 1990. El fin del arte, es también el título del primer artículo que publicó anunciando la posibilidad de estar cerrando una era en el desarrollo histórico del arte, que significa para Danto, “el fin de los relatos legitimadores”.
DESPUÉS DEL FIN DEL ARTE. EL ARTE CONTEMPORÁNEO Y EL LINDE DE LA HISTORIA
Danto advierte que el arte se ha liberado de la pintura, de la escultura, de la arquitectura, porque ya no tiene la necesidad de ser esto o aquello, manifestando “el arte no tiene límites, todo vale…” En adelante lo etiquetaría como arte posthistórico abarcando todas las artes visuales, señalando como obra de arte, la exposición al público en el año 1964 de la Caja de Brillo de Andy Warhol.
El fin del arte, no se refiere al final de la producción artística, sino al final del arte con distintos propósitos representativos como por ejemplo religiosos durante la modernidad, -románico, gótico, renacentista, manierismo, barroco, etc-. En adelante según Danto, el arte no miraría el arte del pasado como pretexto para liberarse. Ni siquiera con la sacralización del arte recogido en Museos a iniciativa de Hegel, ni entrando en el debate de los ismos artísticos acompañados de sus respectivos manifiestos. Los impresionistas como Manet, o los postimpresionistas como Gaugin y Van Gogh reemplazaron la pintura representativa iniciada por Vasari. Danto con Greenberg coinciden en apuntar al modernismo como el punto crucial en la historia del arte, el antes y el después del fin del arte.
El arte como reflexión, la necesidad de entender científicamente la verdadera naturaleza del arte. Danto resume esto de la siguiente manera: “Un manifiesto singulariza el arte que él justifica como verdadero y único, como si el movimiento que expresa hubiera hecho un descubrimiento filosófico de qué es esencial en el arte. No obstante, el verdadero descubrimiento filosófico, es que no hay un arte más verdadero que otro y que el arte no debe ser de una sola manera: todo arte es igual e indiferentemente arte”.
El ojo entrenado sería fundamental -según Danto- para detectar aquello que es arte, desde el buen gusto, con una amplia experiencia estética. En un periodo en el que todo está permitido, la historia sin lindes y la información llega desordenada, nos valen las palabras de Warhol en el año 1963, “¿Cómo alguien podría decir que algún estilo es mejor que otro? Uno debería ser capaz de ser un expresionista abstracto la próxima semana, o un artista pop, o un realista, sin sentir que ha concedido algo”.
Llegamos al Esencialismo, la autoconciencia, recordando nuestra rápida ojeada a la era de la imitación o de la mimesis, cuya crítica estaba basada en la verdad visual: La era de la ideología o de los manifiestos; y (nuestra era) la era posthistórica del arte, cuya crítica ha de ser tan pluralista como lo es el mundo de su arte.
Cuando Marcel Duchamp en el año 1962, presentó su Ready-made contra el arte retiniano, es decir, el arte visual, por el sólo hecho de haber elegido un objeto, Duchamp pretendió atacar de raíz el problema de determinar cuál era la naturaleza del arte y trató de demostrar que tal tarea era poco más que una utopía. Tan sólo dos años después, Warhol exhibió la Caja Brillo comunicando imperativamente “yo soy arte” y la filosofía se puso a disposición del arte. Para Danto, “la filosofía del arte ya no podía “preceder” al arte ni mucho menos predecir las rutas que habría de seguir; ella tiene que partir ahora de la experiencia sensible: de lo que el arte le presenta como arte”.
BIBLIOGRAFÍA
– DANTO, Arthur . Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia, Barcelona, Paidós, 1999.
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VV.AA. 2003. Futurismo. Manifiestos y textos. Editorial Quadrata, Bs. As.
El sistema dantiano se puede analizar bajo dos aspectos: uno historicista, centrado en la naturaleza histórica del arte y otro esencialista, que se refiere a la artisticidad de los objetos. Ambos, determinados por un cambio perceptual de la humanidad.
Atendiendo el aspecto historicista, Danto comienza por: “…diferenciar el arte contemporáneo del arte moderno en general y tratar de concebir el posmodernismo como un enclave estilístico dentro del primero.”*
El arte moderno, para Danto, se caracteriza por el asenso a un nuevo nivel de conciencia, respecto del arte tradicional. Lo moderno –en palabras del autor- pareció haber sido un estilo que floreció aproximadamente entre 1880 y 1960. Pero qué, más allá de una noción temporal, moderno no solamente significa “lo más reciente”, sino se concibe como una noción de estrategia, estilo y acción.
El arte contemporáneo -sugiere Danto- también, aparece con una nueva conciencia, donde se han creado obras que serían inteligibles décadas atrás e incluso han rebasado los límites antes establecidos en las artes. La contemporaneidad a diferencia de la modernidad, comenzó sin hacer un alegato contra el arte del pasado, ya que éste, no es algo de lo cual haya que liberarse, aunque sea absolutamente diferente del arte moderno en general.
A partir de los 60´s se continuó produciendo un arte bajo el imperativo del “modernismo”, pero que no correspondía con su discurso; aunque tampoco se podría considerar contemporáneo, excepto en el sentido temporal del término. Entonces se recurrió al término “posmoderno” pero que por excluir parte del arte contemporáneo, no satisfacía una concepción adecuada de nuestro momento histórico.
Es por ello qué, Danto, considerando el cambio en las condiciones de producción de las artes visuales, propone el término de “arte post-histórico”; que contempla al arte contemporáneo en su totalidad, quedando “posmoderno” como un sector identificable dentro de éste.
Una vez establecida la diferencia entre los términos de moderno, posmoderno y contemporáneo, Danto se concentra en explicar la transición histórica del modernismo al arte posthistórico, y discutir la aparición de la conciencia de la contemporaneidad.
Para ello, Danto parte de su idea sobre “el fin del arte”, que se refiere al fin de todos los relatos legitimadores del mismo, porque en el arte contemporáneo no hay ningún criterio a priori acerca de como deba verse el arte, por ser demasiado pluralista en intenciones y acciones como para ser encerrado en una única dimensión.
A partir del “fin del arte”: ya no es posible aplicar las nociones tradicionales de la estética al arte contemporáneo, sino que hay que centrarse en una filosofía de la crítica del arte que pueda arrojar luz sobre lo que quizá sea la característica más sorprendente del arte contemporáneo: “que todo es posible”.
He aquí un punto importante: que el problema para Danto sería pues filosófico, para llegar a una posible definición de lo artístico en la actualidad. Cree que es posible encontrar, e intuir, un aire de familia en todos los objetos que se consideran artísticos, pues dice que algunos objetos son obras de arte y pueden ser apreciados como tales. Aunque, advierte que para que exista el arte ni siquiera es necesario la presencia de un objeto. Y si bien hay objetos en las galerías pueden parecerse a cualquier cosa. Lo que supondría que existen propiedades en los objetos gracias a las cuales podríamos reconocerlos como artísticos, es decir que sería posible intuir cierta semejanza entre ellos, que permitiría agruparlos en una misma clase.
En éste capítulo, Danto continúa defendiendo su tesis sobre “el fin del arte” publicado en 1984, fecha que asocia con acontecimientos históricos, que de alguna manera modificaron y esclarecieron la situación de una nueva perspectiva histórica. Danto visualiza “el fin del arte” en 1964, pero lo percibe hasta 1984, pues como dice el autor: las fuentes no estuvieron al alcance de quienes lo vieron suceder, además, el fin del arte nunca se expresó como un juicio crítico sino como un juicio histórico objetivo.
Con “el fin del arte”, Danto enuncia que se había alcanzado el fin de una era en occidente de seis siglos (comprendidos entre 1400 y 1964). Y con él, terminan sus manifiestos y sus relatos legitimadores; produciendo un cierre en el desarrollo histórico del arte. A partir de éste momento cualquier tipo de arte que se hiciera estaría marcado por el acceso a la conciencia de la verdadera naturaleza del arte. Consecuentemente, proseguía la reflexión de: qué clase de arte es. Luego, se podría hablar del espíritu en el cual fue hecho.
Danto, razona en el arte que se ha producido después del fin del arte, a partir de los últimos años de la década del sesenta. Dejando de lado, por fin, la era de los manifiestos o modernidad y la filosofía que los legitimo. El autor enfatiza que la premisa subyacente en los manifiestos del arte es filosóficamente indefendible, ya que lo justifican como verdadero y único, como si cada movimiento hubiera hecho un descubrimiento filosófico de lo qué es esencial en el arte. No puede haber ahora, ninguna forma de arte históricamente prefijada. Los relatos histórico-artísticos para Danto, son falsos. Falsos, desde sus mismos fundamentos filosóficos. Ya que, “una definición filosófica del arte debe capturar todo, sin excluir nada”. Aunque reconoce que dichos manifiestos pugnaron por un entendimiento filosófico del mismo arte, y precisamente en eso consiste su riqueza: en su especulación filosófica.
Danto, tiene bien claro que, el arte no debe ser de una sola manera: En el arte después del fin del arte, ningún arte es más verdadero que otro, ni esta enfrentado históricamente contra algún otro tipo de arte. Así -afirma Danto- , el arte puede ser lo que quieran los artistas y los patrocinadores, pero no de una manera gratuita: A partir de ese momento –plantea Danto- le corresponde ocuparse a la filosofía, ya que, el arte desde sus propios medios no podría llegar a un desarrollo mayor de su propio concepto. Lo que no sería de extrañar, puesto que en la historia del arte occidental, el concepto de lo artístico ha sido siempre proporcionado por la filosofía.
Dicha reflexión, surge a Danto, luego de enfrentarse a las brillo box de Warhol, por que con esta pieza, queda claro que una obra de arte no debe ser de una manera en especial, puede parecer una caja de jabón o una lata de sopa. El problema ahora es explicar filosóficamente por qué son obras de arte, cuál es la diferencia entre una obra de arte y algo que no es una obra de arte cuando no hay entre ellas una diferencia reconocible.
Las Brillo box de Warhol, como los Ready-made de Duchamp, son obras que no poseen propiedades diferentes de las cosas normales y corrientes; de hecho, son cosas normales y corrientes. La importancia radica en que muestran que, la esencia del arte estaba en su concepto y no en alguna otra propiedad manifiesta del objeto artístico. Una vez considerado artístico un objeto -explica Danto- se percibe y se analiza según la relación entre lo que se presenta y la manera en como se presenta. La conversión del arte en concepto (su des-artistificación) es el paso previo a su verdadera autonomía.
Danto identifica algunos relatos que legitimazaron primero al arte clásico y luego al arte moderno. Examinando las secuencias históricas que lo llevaron al planteamiento del arte posthistórico.
El primer y más importante relato que señala Danto, es el Vasariano. En su libro: Vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores, Vasari concibe el arte como una conquista de apariencias visuales y estrategias, a través de las cuales se puede duplicar el efecto de las superficies visuales del mundo y lograr representaciones cada vez más exactas. Condenando así, aquella representación que pareciera más pictórica que real.
Otro relato que refuta Danto, es de Ernest Gombrich. En su libro: Arte e Ilusión, Gombrich explica que existe un progreso en capturar la realidad, principalmente a través de dos componentes: uno manual y otro perceptivo. Progreso que -según Gombrich- se dio en las representaciones que se parecían más y más a la realidad visual. Entendido de esta manera, había un grupo de artistas (se refiere a la pintura), que transmitiendo su oficio de generación en generación, se conseguía un “crecimiento del conocimiento”. Para Gobrich, el momento en el que la pintura moderna “fracasa” y viola las reglas del relato vasariano, es, seguramente, señal de que algo profundo había pasado en la historia del arte. Algo que Vasari no habría podido manejar.
Dichos esfuerzos –de Vasari y Gombrich- para explicar el arte, señala Danto, tuvieron forma de criticas y descansaron sobre las premisas miméticas que el modelo vasariano generó.
Un tercer relato que revisa Danto es el de Roger Fry, quien noto que los modernistas no se preocupaban más en imitar las formas, sino en crearlas. No apostaban más a la ilusión, sino, a la realidad. Eran propuestas que no encontraron cabida en los seiscientos años previos del arte occidental. El mérito de Roger Fry –para Danto- es el hecho de que supiera que era necesario otro nivel de generalidad que posibilitara reconocer y responder críticamente al arte de ambos períodos. Lo cual, comprendía la época vasariana como “clásica”.
De igual manera, Danto analiza las teorías de Daniel-Henry Kahnweiler, que estudian el estilo mimético como lenguaje o escritura, evocando que la idea de que alguien puede adquirir fluidez en la “lectura” de una “imagen difícil”.
Lo que Fry y Kahnweiler intentaron, fue advertir que el nuevo arte había desmembrado los disfraces de la mimesis. El nuevo arte –explica Danto- llegó por sustracción, sustrayendo mimesis, o distorsionándola hasta el punto que ya no parecía ser el objeto del arte, aunque ni Fry ni Kahnweiler, estaban preparados para decir que el nuevo arte era realmente nuevo, o nuevo de manera diferente.
En general, Danto reconoce que estos pensadores incluyendo a Clement Greenberg (quien puso al modernismo al nivel de una conciencia filosófica), buscaron repensar el arte de la tradición y someterlo a otro criterio no ilusionista, ni mimético. Danto se toma la molestia de proponer uno nuevo, acorde con un nuevo tipo de realidad, sin creencias excluyentes, en el cual “todo es posible”. Todo posible, pero, dentro del horizonte de un período histórico cerrado; todo posible, pero, en el mismo sentido que otras estructuras histórica; es decir, con delimitaciones técnicas y estilísticas.
En este capitulo, Danto comienza por organizar y confrontar las ideas de algunos teóricos que de cierta manera estructuraron el modernismo. La primera confrontación que se enuncia es la de Alois Riegl con Gottfried Semper.
Riegl, nos informa Danto, cree que el ornamento tiene una historia, y que la historia de la pintura también podría ser entendida en términos del desarrollo interno de la adecuación representacional. Así, habría un desarrollo en la secuencia de la representación en la pintura desde Cimabue y Giotto hasta Miguel Ángel, Leonardo y Rafael. Riegl, de manera similar a Gombrich, cuenta una historia de la pintura en “desarrollo progresivo”, rebatiendo las tesis de Gottfried Semper que sostienen que las imágenes no tienen una historia.
Una segunda confrontación que cuenta Danto, es la de Hans Belting con David Freedberg. Belting al igual que Riegl, piensa que el arte, parece contener la posibilidad de una historia con un desarrollo progresivo y propone escribir la historia de las imágenes devocionales de occidente “antes de la era del arte”, defendiendo su afirmación de que éstas tienen una historia. Contrariamente a Belting, y similar a Semper, David Freedberg, razona lucidamente que hacer imágenes es una propensión humana universal, que sea donde fuera es siempre la misma, que la creación de imágenes no puede tener una historia.
También Kanhweiler y Panofsky, demostraban lo mismo, Según Kahnweiler, escribe el autor, un nuevo sistema de signos podía reemplazar a uno viejo y ese nuevo, podría reemplazado en su momento; lo que significa que a lo largo de la historia del arte no existe un desarrollo. De igual manera, la historia del arte articulada por Panofsky es una secuencia de formas simbólicas que se remplazan unas a otras pero que no constituyen una evolución. Es decir, que no hay una historia progresiva continua.
En este sentido, Arthur Danto, congenia con Semper, Freedberd, Kanhweiler y Panofsky, pues al igual que ellos, afirma que: en efecto, el ornamento debe tener tan poca posibilidad de poseer una historia, como no la tienen la producción o la percepción.
Luego de enunciar las discusiones de que si la historia del arte es progresiva o no, Danto se concentra en explicar en que consistió realmente el modernismo.
Primeramente, el autor identifica y reconoce que Daniel-Henry Kahnweiler y Roger Fry (quien observo que los artistas ya no tenían interés en imitar la realidad, sino en dar expresión objetiva a los sentimientos que ésta les provocaba), fueron los primeros en desplazar el relato a un nuevo nivel. Era –nos cuenta Danto- como si el relato avanzara ahora, no en términos de representaciones adecuadas, sino más bien en términos de representaciones filosóficas de la naturaleza del arte cada vez más adecuadas.
Pero, la persona que logró percatarse de que ocurrió un profundo cambio en la historia del arte fue Clement Greenberg, quien cuenta que el modernismo comenzó con la obra de Manet y con los impresionistas por que hicieron visible la salpicadura, la mancha y la pincelada, indicando así, que se debía mirar la pintura antes que mirar a través de ella.
Para Greenberg –cuenta Danto- lo que hace moderna a la pintura y al arte en general es, el tomar bajo sí misma la tarea de determinar “a través de sus propias operaciones y obras, los efectos exclusivos de sí misma”, y estar obligada a “eliminar… cualquier y todo efecto que pudiera concebirse como prestado desde o por los medios de otro arte. De esta manera cada arte podría ser considerado “puro” y encontrar en esa pureza la garantía de sus cualidades y su independencia.
El asunto –continua Danto- es que Greenberg define su estructura relato siguiendo a Vasari, su merito es el haber percibido la historia posvasariana como una historia de auto examen, y el identificar al modernismo con el esfuerzo de poner a la pintura (y a cada una de las artes) en un fundamento inconmovible. Derivado éste, del descubrimiento de su propia esencia filosófica, donde el arte es su propio sujeto.
Apoyándose en Greenber, Danto nos cuenta que la historia del modernismo es una historia de purgación o purificación genérica del desembarazarse del arte de cualquier cosa que no le sea esencial.
En términos generales, Danto propone que pensemos el modernismo como un momento en que se debían buscar nuevos fundamentos para proporcionar una definición filosófica del arte.
Danto, se ocupa en éste capítulo de mostrar que la práctica crítica basada en la estética kantiana utilizada por Greenberg se volvió complicada y estéril a partir del arte definido primeramente por Duchamp y luego por Warhol.
Alrededor de 1917, con los Ready made y luego en 1964 con la Brillo box Duchamp y Warhol demostraron que sus objetos eran arte, aunque no bellos; lo cual significaba que eran imposibles de describir en términos de la estética clásica. Así, se aclaró que la belleza u otra categoría estética, no formaba parte de ningún atributo para definir el arte. “Si lo bello no es una distinción entre las obras de arte y otras cosas, entonces la belleza no formaba parte del concepto de arte”.
Lo que facilitó a Greenberg identificar la calidad en el arte con la calidad estética el pensamiento de Kant y Schopenhauer acerca de la débil distinción entre belleza artística y belleza natural y que todo lo que importaba era la realidad estética.
El arte después del fin del arte –explica Danto- no apeló más a la teoría estética clásica precisamente porque despreció totalmente la calidad estética. El arte atravesó por un momento revolucionario que invalidó para siempre el transito fácil desde la estética a la crítica. Ambas podrían volver a estar conectadas nuevamente, pero, sólo mediante la revisión de la estética a la luz de los cambios en la práctica crítica que impuso la revolución de los sesenta. Es, en los sesenta, cuando los objetos cotidianos ganan el estatus de obras como arte, evidenciándose que la estética como teoría necesitaba ser seriamente restaurada para ser útil en el trato del arte.
Habiendo explicado que la estética clásica se volvió inadecuada para el arte después del fin del arte, Danto, propone una teoría general de la calidad que pueda contener la virtud estética pero, no como un rasgo definitorio sino como un caso particular. Ya que la belleza puede ser parte del contenido de las obras.
En cierto modo -reflexiona Danto- la transición del relato de Vasari al de Greenberg fue un cambio desde las obra de arte en su dimensión de uso a las obras de arte en su capacidad de mencionar. Y de acuerdo con esto la crítica cambió su objetivo de interpretar qué eran las obras, a describir qué eran. En otras palabras cambió del significado al ser, de la semántica a la sintaxis.
La crítica que plantea Danto no es formalista y basándose en Hegel, parte de dos premisas: el contenido y los medios de la obra de arte. “La crítica no necesita ir más allá” piensa el autor.
La crítica debe teorizar la realidad de la obra de arte; los conocimientos que produzca han de confirmar o ampliar, innovar o corregir las prácticas distributivas o productivas de las artes y estar encaminada a conceptuar las prácticas artísticas y traducirlas en reflexión (filosófica).
La idea del arte puro apareció con la idea del pintor puro -comenta Danto- y hoy, esto es una opción, no un imperativo. Ninguna cosa es más correcta que otra. No hay una sola dirección. De hecho, no hay direcciones.
Con el fin del arte, Danto no se refiere al fin de éste o que los pintores dejaran de pintar, sino que la historia del arte estructurada mediante relatos había llegado al final. Esto, quiere decir que, hablar de la muerte de la pintura, tampoco significa que ésta desaparezca o que no vaya a existir más. Sería ingenuo afirmarlo. Lo que ya no es posible, es el monoesteticismo que muchos historiadores quieren ver en el pasado.
Para los artistas en el momento posthistórico, cualquier medio y estilo son igualmente legítimos. El problema para Danto es marcar que tal vez fue un error la identificación total del arte con la pintura, y refutar la estética materialista de Greenberg, en la cual cada arte debía mantenerse dentro de las limitaciones de su propio medio y no usurpar las prerrogativas de cualquier otro arte o medio. Para Danto, “lo que el arte busca”, es la comprensión filosófica de lo que es el arte, y así alcanzaría el fin y la consumación de la historia del arte.
En opinión de Danto, esta historia terminó una vez que el arte mismo se planteó la verdadera forma del problema filosófico, esto es, la cuestión de la diferencia entre las obras de arte y los objetos reales. Y cuando Danto, afirma que la historia terminó, lo que quiere decir es que, ya no existe un linde de la historia para que las obras de arte queden fuera de ella. Que la presente situación no está esencialmente estructurada o adaptada a un relato legitimador. Ya lo había mencionado: que todo es posible, que todo puede ser arte.
CAPITULO 7
ARTE POP Y FUTURO PASADO
Greenberg –señala Danto- encerrado en una visión de la historia y en una práctica estética que no tuvo espacios para el pop, no pudo acomodarlo a sus conceptos y categorías. Lo que deberíamos hacer –sugiere Danto- es, tratar de pensar el pop de una manera más filosófica. Ya que en su relato, el pop marcó el nuevo curso de las artes visuales y señaló profundos cambios políticos y sociales produciendo transformaciones filosóficas en el concepto del arte. Sus lecciones lingüísticas y replanteamientos sobre la problemática artística siguen operando en la mayoría de los movimientos actuales.
El pop rechazó las convenciones estilísticas y temáticas de la tradición del arte, asumiendo la cotidianidad, y lo banal, se somete prácticamente a los valores simbólicos del sistema establecido, asumiendo la apariencia del objeto. Se trata de buscar una vinculación más estrecha, incluso una identificación total o parcial entre la obra y los objetos a los que ésta alude, yendo más allá de la mera asociación.
El pop es la tendencia más decisiva en la evolución de la representación del arte y la línea entre objeto artístico y objeto natural. Así, deja de existir un orden estético y se instaura una ambivalencia entre arte y realidad. Se advierte, un mayor grado de objetivación y distanciamiento; sus renovaciones sintácticas favorecieron el problema de la comunicación a nivel pragmático. Por ello, el pop, es para Danto, el movimiento más crítico del siglo XX, por que responde a algo muy profundo en la psicología humana del momento. Y por que transfiguró en arte lo que todos conocemos: los objetos e iconos de una experiencia cultural común, el repertorio común de la mente colectiva en el momento actual de la historia. Celebrando las cosas más comunes de las vidas más comunes, aunque refiriéndose con toda propiedad a las superestructuras de las sociedades capitalistas altamente desarrolladas. Y porque introduce la consideración y la conciencia de la obra de arte como objeto de consumo; estableciendo así, el mercado y la institución del arte.
CAPITULO 8
PINTURA, POLÍTICA Y ARTE POSTHISTÓRICO
De vez en cuando, alguien declara la muerte de la pintura, nos dice Danto. Pero es en el siglo XX cuando se dan la mayoría de las proclamas del fin de la pintura de caballete y dichas denuncias tuvieron un carácter político: los dadaístas de Berlín, los comités de Moscú, o los muralistas mexicanos quienes apelaron a las implicaciones sociales de la pintura.
Danto señala que los críticos de izquierda consideraron que el modernismo fue calculado para reforzar privilegios mediante el fortalecimiento de las de las instituciones que dictaminaban sobre la pintura y escultura. La pintura representaba el tipo de arte del grupo autorizado por las instituciones en cuestión; entonces empezó a considerársela, en forma creciente e inevitable, como políticamente incorrecta. De igual manera, los museos pasaron a ser estigmatizados como depositarios de objetos opresivos que tenían poco que decir a los oprimidos como los afroamericanos, las mujeres, los gays, los latinos, los asiático-americanos y demás minorías.
La izquierda, encontró razones suficientes para declarar la muerte de la pintura. Se creyó entonces que los artistas que trabajaban “fuera del sistema” se podían considerar a sí mismos como factores del cambio social, esquivando las instituciones que la deconstrucción había revelado como opresivas.
Por otro lado, las críticas radicales de la pintura misma en los años ochenta, daban por sentado que la producción de pintura pura era la meta de la historia, que ésta había sido alcanzada y que entonces a la pintura no le quedaba nada por hacer. Este punto de vista sobre la muerte de la pintura también es compartido por Douglas Crimp, quien dijo que una obra como la de Robert Ryman, con sus arquetípicos cuadrados blancos, se podían tomar como evidencia de la clausura interna de la pintura, dejándola sin lugar hacia donde ir y sin mucho que hacer.
Pero, a diferencia de todas estás especulaciones sobre la muerte de la pintura, Danto, dice que, conceptuar la muerte de la pintura de esta manera -donde la pintura ya no tendría mucho o nada por hacer-, implicaría aceptar el relato progresivo que cuenta Greenberg.
El arte después del fin del arte, enuncia Danto, comprende la pintura, aunque ésta ciertamente no conduce el relato hacía delante; ni posee más la exclusividad como el vehículo principal del desarrollo histórico, es ahora uno de los medios posibles dentro de la diversidad de prácticas que definen el mundo del arte. Una de tantas posibilidades. Algo que si se desea se puede hacer. El pluralismo del arte fue asumido por la pintura de manera inevitable. Quedando abierta la posibilidad de que los artistas puedan continuar pintando del modo que quieran y bajo el imperativo que deseen, sólo hay que tomar en cuenta que esos imperativos no se basan más en la historia. Ya lo había demostrado Phillip Guston que la pintura liberada del modernismo puede adquirir diversas funciones y finalidades particulares.
CAPITULO 9
EL MUSEO HISTÓRICO DEL ARTE MONOCROMO
En éste apartado, Danto atiende la mal interpretación de la pintura monocroma como si ésta fuera el fin de la pintura de nuestro tiempo. Cuando Crimp ve evidencias de la “muerte de la pintura” en los cuadrados blancos de Ryman, o en el trabajo de pintores que permiten que su obra se contamine con la fotografía, Danto ve sólo, el fin de la exclusividad de la pintura pura como vehículo de la historia del arte.
La visión de un final de la pintura sugiere para Danto, no sólo las fórmulas un tanto limitadas de la pintura monocroma, sino la disyunción de la actividad artística de todo un sector que fue asumida en las obras de arte, e incluso en la pintura. A menos que se acepte el relato modernista, es inadecuado decir que la pintura monocroma sea el final de la pintura y decir que sea un comienzo sólo es adecuado en contraste con otro relato: el propósito de la teoría después del fin del arte –dice Danto- es poner esto en cuestión.
En el espíritu de Malevich, el cuadrado negro pudo ser un comienzo, como una hoja en blanco, pero no contra los imperativos excluyentes del relato modernista. En este sentido, Danto sugiere el no considerar el cuadrado blanco de Ryman, ni como comienzo ni como fin, sino considerar que incorpora un significado análogo al del cuadrado negro de Malevich. Sería así, uno de los modos en los que podríamos deslizarnos.
Pero entonces ambas lecturas –continúa Danto- deben rechazar la sugerencia del vacío que nos viene naturalmente a la mente cuando se contempla este tipo de arte. El cuadrado monocromo tiene densidad de significado: su vacío es más una metáfora que una verdad formal, algo así como una página en blanco.
La pintura monocroma en el sentido que la piensa Danto, contempla desde el cuadrado negro de Malevich de 1915, y a artistas como Kazimir, Alexander Rodchenko, Yves Klein, Ad Reinhardt, Robert Raushenberg, Stefen Prina y por supuesto Robert Ryman.
Danto, piensa que hasta podría existir un museo de obras monocromas, cada una de ellas muy diferente de sus compañeras, pero todas exactamente semejantes: Experimentar una colección de 1915 al presente de pintura monocroma, permitiría aprender mucho sobre cómo experimentar el arte, y en particular, sobre la compleja interrelación entre las artes visuales y la experiencia visual. Un museo histórico del arte monocromo podría demostrar que éste, tiene poca relación con el agotamiento de las posibilidades de la pintura, y por esa razón la existencia de cuadrados blancos, cuadrados rojos, cuadrados negros o triángulos rosas, círculos amarillos, pentágonos verdes no nos dice nada ni sobre la muerte de las pintura ni del fin del arte. Ya que cada pintura monocroma se debe percibir en sus propios términos, como éxito o fracaso en la adecuación del léxico en que despliega su significado intencional.
Esta exposición de la pintura monocroma serviría también –sugiere Danto- como modelo de cómo pensar en la crítica, una vez que nos damos cuenta de que debemos pensar en las historias individuales de las obras, a pesar de la profunda semejanza entre ellas. Y de igual manera, explicar cómo llegaron al mundo, aprender a leerlas según lo que expresa cada una y a evaluarlas según esa expresión, para decidir si son miméticas o metafísicas, formalistas o moralistas.
Las experiencias artísticas en la actualidad parecen hacer al museo muy vulnerable a cierta clase de crítica social. Es en los años setenta cuando Danto identifica que había todo tipo de razones -la mayor parte políticas-, para que los teóricos del arte pensaran en la muerte del museo.
En la mente de muchos teóricos y artistas hubo una relación evidente entre la pintura y la muerte del museo. Sobre todo por que los museos y las pinturas parecían íntimamente relacionados y si la pintura estaba muerta, no habría razones para que los museos existiesen. Pero si la pintura no esta muerta como cuenta Danto, el museo contemporáneo al igual que la pintura, sólo ha sufrido ciertas transformaciones en la cuestión del papel que ha de jugar con las nuevas formas de expresión artística.
Lo que discute Danto en éste capitulo, es, la situación y la redefinición del papel social del museo contemporáneo. Dice que éste, tal vez haya dejado de ser la institución estética fundamental, porque el arte y la vida están más profundamente entrelazadas de lo que admiten las convenciones del museo. El museo puede ser marginado por ciertos grupos con intereses dominantes, que pueden ser económicos, raciales e incluso sexuales.
Pero, el mismo museo –dice Danto- Justifica la producción, el mantenimiento y la exhibición del arte. Y está justificado por el hecho de que cualquier cosa que haga, hace posible todo tipo de experiencia estética o artística. Aunque también es verdad que esas experiencias tienen lugar fuera de los museos.
CAPITULO 11
MODALIDADES DE LA HISTORIA: POSIBILIDAD Y COMEDIA
En éste último capítulo del libro Después del fin del arte, el autor Arthur C. Danto, concluye con dos puntos básicamente. Un primer punto sería el de explicar con mayor precisión en qué consiste su sistema historicista-esencialista para una definición adecuada del arte. Un segundo punto, el de distinguir el uso y la mención de las formas del arte del pasado.
En cuanto al primer punto, Danto menciona que “la conjunción del esencialismo y el hishóricismo ayuda a definir el momento actual de las artes visuales”.1
Y continua: “Como buscamos apoderarnos de la esencia del arte, de una definición de arte filosóficamente adecuada, nuestra tarea se facilita por el reconocimiento de que la extensión del término “obra de arte” es hoy totalmente abierta”.2
La extensión del término “obra de arte” –explica Danto- es histórica, “entonces esas obras no se parecen entre sí obviamente en diferentes estadios, o al menos no tienen que parecerse entre sí; siendo evidente que la definición de arte debe ser coherente con todas ellas, porque todas deben ejemplificar la misma esencia”.3 “Esencialista” –señala Danto- implica llegar a una definición mediante condiciones necesarias y suficientes.
Su contribución –dice el mismo autor- “consiste en que ahora se debe encontrar una definición que no sea sólo coherente con la disyunción radical en la clase de las obras de arte, sino incluso explicar cómo fue posible esa disyunción”.4
En cuanto al segundo punto, que puedo distinguir se refiere, a que para los artistas es absolutamente posible apropiarse de las formas del arte del pasado, y usarlas para sus propios fines expresivos. Aunque advierte que al decir que todas las formas son nuestras lo son, en cualquier caso, para mencionarlas pero no para usarlas.
No es posible, explica Danto, relacionar esas formas del mismo modo en que fueron hechas. Que podemos relacionarnos con ellas del mismo modo en que originalmente lo hicieron los otros con sus propias formas. Y que, “ningún período se puede relacionar con el arte de formas de vida anteriores del modo en que lo hicieron quienes vivieron dichas formas de vida”.5
Danto, sugiere, “marcar una diferencia entre las formas y cómo nos relacionamos con ellas. El sentido en que todo es posible es aquel en el cual todas las formas son nuestras (que no significa que no haya formas distintivas de las de nuestro período). El sentido en que no todo es posible indica que debemos relacionarnos con ellas a nuestro modo. Y dicho modo es parte de lo que define nuestro período”. 6
Aun en el período posthistórico –menciona Danto- “nadie puede escapar de las constricciones de la historia. En el período posthistórico, en el que todo es posible, debe ser coherente con el pensamiento de Wölfflin de que finalmente, no todo es posible”.7
DANTO, Arthur, Después del fin del arte: el arte contemporáneo y el linde de la historia, Paidós, Barcelona, 2000.
I.-
En septiembre del año 2001 fuimos testigos, a través de los medios de masas, de uno de los eventos de mal radical más terroríficos (junto al Holocausto y al lanzamiento de la bomba atómica en Hiroshima) de la historia reciente. De algún modo el choque de dos aviones en las Torres Gemelas del World Trade Center en New York generó una ola expansiva que dejó pasmados a millones de espectadores a lo largo del mundo. Remitiéndose a este evento algunos autores han argumentado recientemente que con la caída de las torres gemelas se materializo el derrumbamiento de la cultura del simulacro (Baudrillard) y que estaríamos frente a un retorno a lo real. El curso pretende documentar y analizar éste evento bajo algunas de las premisas del llamado arte de performance a lo largo del siglo XX. Una estética del terror parte de una doble paradoja, aquella que, por una parte entrega al arte la misión de ser una anestesia que compensa el dolor, el mal y la catástrofe y que, por la otra, aquella que es materializada en eventos que desbordan la representación a favor de una visión luciferniana de la historia del arte.
1• Describir las nociones de terror, horror, lo siniestro y lo sublime con textos de reciente publicación y algunos referentes claves del siglo XIX.
2• Introducir los conceptos de performance, lo performativo y la performatividad para la discusión entorno a las artes escénicas del siglo XX.
3• Profundizar en las paradojas a las que se enfrenta el discurso artístico de la performance en la era del terror. Esto último bajo cuatro ejemplos claves.
4• Plantear algunos hitos del arte de la performance donde se haya puesto en juego la relación entre arte y terror o arte y guerra.
Podemos especular acerca del futuro del arte y plantearnos cómo serán las obras de arte venideras (suponiendo que existan); e incluso es posible aventurar que el arte en sí no tiene futuro, aunque se sigan produciendo obras de arte post-históricamente, por así decirlo, en el epílogo que sucede al desvanecimiento vital.1
La historia del arte ha llegado a su fin y nosotros ahora vivimos en una era posthistórica.2
Las clases tendrán un carácter expositivo teórico, complementadas con discusiones socializadas, así como con el apoyo de lecturas y material audiovisual.
PROGRAMA CURSO – HISTORIA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO: ARQUITECTURA, ESTÉTICA Y LITERATURA. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
TIPO DE ACTIVIDAD(ES):
Clases Expositivas y Discusión socializada.
Lectura y Análisis de Textos Literarios y de Teoría Estética
Trabajo de Investigación y Ensayo
Exposición y Ponencias grupales.
EVALUACIÓN:
2 Pruebas Solemnes
Trabajo de Ensayo
Participación y exposición
Ayudantía
Nota: En el desarrollo ‘in extenso‘ de los Contenidos se incorporan (con detalle) tanto los temas a desarrollar como Trabajos de Ensayo, Exposiciones y Lecturas de Ayudantía.
DANTO, Arthur, Después del fin del arte: el arte contemporáneo y el linde de la historia, Paidós, Barcelona, 2000.
1.- Desarrollar en el alumno sensibilidades y capacidades reflexivas y críticas frente a los objetos de arte, las narraciones, las relaciones entre ficción y realidad, entre los mundos del texto y los viajes de la trama.
2.- Analizarlosfenómenosartísticos yla ‘experienciaestética’ –desdesucontextosocio-cultural–,propiciandounaccesoconceptualalaobradeArteysusmúltiplesrelacionesconotrasdisciplinastalescomola Literatura, la Arquitectura, Artes visuales (Cine), la Psicología, la Antropología y la Sociología. Considerado las obras y objetos de arte como documentos etnográficos de primer orden para el estudio de nuestras sociedades contemporáneas y posmodernas.
3.- Examinar el concepto y naturaleza del arte, los conceptos de belleza y fealdad, de armonía e inarmonía, dando cuenta de los problemas y teorías estéticas que tales conceptos han suscitado; posibilitando su revisión histórica y crítica.
4.- Comprender las perspectivas teóricas modernas y contemporáneas que han pensado el estatuto del arte con especial atención a la literatura.
1.- Examinar los conceptos de belleza y fealdad, de armonía e inarmonía, los problemas de la representación en el arte, propiciando –a través de la revisión de los Textos de Sigmund Freud, Marcel Duchamp, Michel Foucault, Jacques Derrida y Baudrillard– una revisión histórica y crítica de los conceptos estéticos tradicionales a la luz de la teoría psicoanalítica y sus diálogos con el movimiento surrealista, así como con las concepciones artísticas más contemporáneas (vanguardias).
2.- Conocer los conceptos de la estética literaria, a través del estudio y discusión de obras pertenecientes a los distintos grandes genero: retórica, narrativa, drama y ensayo.
3.- Exponer las relaciones entre filosofía y literatura a través de la nociones de escritura e interpretación (desde sus dimensiones estética, epistémica y ontológica).
5.- DE LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS AL ARTE CONCEPTUAL Y POSTCONCEPTUAL
La irrupción de las vanguardias artísticas y sus Manifiestos.
El movimiento Dadá: historia de una subversión.
El Surrealismo: automatismo, mundo onírico y abolición de la figura del artista tradicional. Manifiestos.
Influencia del Psicoanálisis en el Movimiento Surrealismo: automatismo psíquico y mundo onírico; lo inconsciente y lo irracional.
La inscripción: horizonte semántico y residualidad; Freud: Lo bello y lo siniestro
El punto de partida del arte contemporáneo: desde la Vanguardias Artísticas: Dadaismo, Surrealismo, etc, hasta la “Escuela de Nueva York” [Action Painting: Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning, etc.]
Lo abyecto y monstruoso del arte de vanguardia. Los anormales y la genealogía de lo monstruoso. [La fealdad en el arte moderno]
La razón saludable versus el arte enfermo: revitalización de un problema romántico
William Burroughs; Literatura ectoplasmoide y mutaciones antropológicas. Del virus del lenguaje a la psicotopografía del texto.
Arte conceptual y postconceptual
Duchamp y el ‘despertar de los objetos’
Nicanor Parra, Antipoesía, artefactos dramáticos y recuperación del habla empírica
Poemas visuales y poemas objeto de Joan Brossa,
El artista como teórico y el político como escenógrafo.
Joseph Beuys: cada hombre, un artista ; de la antropología al concepto ampliado de arte.
De la muerte del arte al postvanguardismo: eclecticismo, citacionismo, fragmentación, ironización y reapropiacionismo.
«Fluxus y Beuys: De la Acción de Arte a la Plástica Social
Problematización del concepto de Arte y sus perplejidades ante el enunciado: “Esto es arte”.
Happening, arte conceptual, performances, Minimal art e instalaciones.
Sloterdijk: La crítica de la razón cínica y las artes performativas.
De la muerte del arte al postvanguardismo: eclecticismo, citacionismo, fragmentación, ironización y reapropiacionismo.
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, mención Filosofía Contemporánea y Estética. Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso (2005 – 2010); Profesor de Profesor Adjunto Escuela de Psicología Universidad Andrés Bello (UNAB). –Secretario Ejecutivo de Revista Philosophica PUCV. –Director de Revista Observaciones Filosóficas. Profesor visitante en la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. Asociado al Grupo Theoria – Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado –UCM. Eastern Mediterranean University – Academia.edu. Académico Investigador de la Vicerrectoría de Investigación y Postgrado, Universidad Andrés Bello. –Investigador Asociado y Profesor adjunto de la Escuela Matríztica de Santiago–. Consultor Experto del Consejo Nacional de Innovación para la Competitividad (CNIC)–
ARTAUD, Antonin: El teatro y su doble, París: Gallimard, 1938. (Barcelona: Edasa 1978 y Buenos Aires: Editorial Sudamericana 1971).
AUMONT, Jacques, Las teorías de los cineastas, Barcelona, Ediciones Paidós, 2004.
BAJTÍN, Mijaíl, Autor y personaje en la actividad estética, Estética de la creación verbal, Buenos Aires, Siglo XXI, 1982
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MARCHÁN FIZ, Simón., «Las Vanguardias históricas y sus sombras (1917-1930)», Madrid Espasa-Calpe, 1996.
PROUST, Marcel, El tiempo recobrado (Le temps retrouvé, póstuma, 1927)
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– Vásquez Rocca, Adolfo, La Deconstrucción de la noción de Autor; Alteridad e identidad en la poesía de Juan Luis Martínez» En Revista ADAMAR, Nº 28, diciembre de 2007, España. Revista de Poesía incluida en el Directorio mundial de Literatura de la UNESCO: http://www.adamar.org/ivepoca/node/373
‘FILOSOFÍA COMO TEORÍA ERÓTICA. ENTREVISTA A ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA’, EN ‘ALCANCES‘ REVISTA DE FILOSOFÍA UCCH de la Facultad de Filosofía y Humanidades de la UNIVERSIDAD DE CHILE.
PROGRAMA CURSO – HISTORIA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO: ARQUITECTURA, ESTÉTICA Y LITERATURA. PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
El estilo de las modelos en las recientes semanas de la moda (Parte I)
El estilo de las modelos en las recientes semanas de la moda (Parte I)
Una vez concluidos los fashion weeks no sólo los desfiles pasan por revisión: el look de las modelos que participaron en ellos también es comentado y analizado a medida que aparecen las fotografías que fashionistas y entendidos tomaron de sus estilosos outfits.
Y como en Viste la Calle no nos quedamos atrás, revisamos lo que usaron estas chicas mientras desfilaban por las capitales de la moda para que tengamos una visión de cómo personalizar las tendencias y saquemos ideas para nuestros closets (adaptándolas a nuestra realidad claro está, a menos que alguna/o de ustedes sea hija/o de Bill Gates).
Mis favoritas de esta parte: Anja Rubik, elegante como ninguna; Hanne Gaby Odiele, atrevida y con un gusto exquisito para combinar; Freja Beha, destilando actitud con su estilo andrógino rockero y Frida Gustavsson, muy lady y sofisticada hasta en lo casual. ¿Y sus favoritas? ¿Alguna digna de imitar?
Anna Selezneva
DISEÑO
El Diseño es una actividad que nace poco después de la Revolución Industrial, a finales del siglo XIX e inicios del XX. En su origen está vinculado con las artes aplicadas y los oficios, para luego, durante los grandes procesos de industrialización del siglo 20, vincularse a la ingeniería y caracterizar el desafío de democratizar el acceso al bienestar, a través de la producción en serie de productos de consumo y en el traspaso de nuevos valores y de saberes tradicionales a la industria. Hoy, el diseño es reconocido como factor de integración social y de éxito económico, y últimamente asume el cuidado del medio ambiente y la sustentabilidad entre sus fines.
El nuevo producto de diseño busca mejorar la calidad de vida, integrando en su desarrollo y durante su ciclo de vida las más diversas disciplinas y tecnologías, penetrando en todos los aspectos de la cultura y la vida contemporánea. El diseño nos envuelve cotidianamente, a través de avanzados sistemas de comunicación, productos que nos dan capacidades e identidad, experiencias y servicios a los que nos entregamos. Presente en la visión de la Escuela de Diseño de la Universidad Andrés Bello están la tecnología, referida a los modos de proyectar e integrar métodos y procesos; la innovación, referida a la búsqueda constante de nuevas prácticas sociales y de nuevos nichos de intervención para el diseño; y, el trabajo interdisciplinario, entendido como la colaboración entre varias disciplinas.
Lo anterior se refleja en cursos avanzados que estudian la complejidad de un contexto cambiante e intervienen en el diseño de la información en productos electrónicos y digitales, de comunicación visual y editorial, de materiales, iluminación y equipamiento para el interiorismo y la arquitectura, de indumentaria de alto desempeño para el deporte y el trabajo, de servicios, productos, envases y embalajes para la salud y la alimentación, entre muchos otros.
Considerando este nuevo escenario, el programa de estudios de la Escuela, orientado a la enseñanza basada en problemas y en el aprender a aprender, ha puesto especial énfasis en acoger los intereses de nuevas generaciones, cuidando a la vez los conocimientos académicos, métodos y principios que dan versatilidad y eficacia a la profesión.
La idea es formar diseñadores cultos, especializados en diseño gráfico o industrial, alerta a las transformaciones tecnológicas y a la apertura de nuevos nichos de intervención, capaces de integrar equipos interdisciplinarios y de reconocer el potencial cultural y humanista de la profesión.
Con un claro énfasis en la innovación y la búsqueda de nichos estratégicos asociados a la agenda país, las metodologías de cursos y talleres, sitúan a los alumnos en diversos escenarios de la vida contemporánea. Frente a esas realidades, los futuros diseñadores proponen soluciones con base en conocimientos científicos, técnicos y humanísticos, apoyados en laboratorios especializados que les permiten construir y verificar sus propias ideas a la vez que innovar en el diseño de objetos, productos, servicios y procesos.
La condición actual del diseño nunca antes ha sido tan estimulante. El cruce y fusión de conocimientos, tecnologías y ciencias, hacen del diseño una profesión apasionante, llena de oportunidades y desafíos para la creación y el trabajo en equipo.
Comunicación visual, tipografía, animación digital, multimedia interactiva, realidad virtual, arte, ilustración, diseño de información, autoría editorial, identidad de marcas, exhibición para la difusión comercial y cultural, productos de consumo y alimentos, rehabilitación médica, ahorro de energía y recursos naturales, habitabilidad, herramientas y procesos industriales, interfases digitales y análogas, etc. Estos son algunos de los temas de los que se ocupan los diseñadores de la Escuela de Diseño de la Universidad Andrés Bello.
Sugerir nexos críticos y creativos entre Diseño y la cultura, desde un enfoque histórico y estético.
Objetivo Específico
Definir los fundamentos de lo estético y de la crisis de lo moderno.
Conocer ejemplos de (trans)fusiones entre Diseño, Arquitectura y Estética en diversos campos culturales: literatura, plástica, cine, escenografías, instalaciones, música, danza; entre otros.
Ampliar el conocimiento sobre los referentes básicos del diseño moderno
Ampliar la capacidad de reflexión sobre los vínculos entre sistema cultural y sistema de diseño
Ampliar la capacidad de acción sobre el análisis cultura
Memoria e imagen
Memoria y objeto
Memoria y Ciudad Fundamentos simbólicos, psicológicos y estéticos.
Viaje de la Estética Visual
Poéticas del Espacio
Poéticas del Cuerpo
Espacio y Cuerpo
CURSOHISTORIADELDISEÑO
SEGUNDA MODERNIDAD S. XVII Y XIX
RevoluciónindustrialInglesa. La lucha por el poder o el materialismo heroico.
Revoluciónfrancesa.Los efectos intelectuales de la ilustración.
RevoluciónNorteamericanay sus efectos sobre el resto de América.
MODERNISMOS Y VANGUARDIAS
Arts and Craft en Inglaterra
Art Nouveau en Francia
Jugendstill en Alemania
Gaudi en España
El Bauhaus en Alemania como espacio de eclosión de vanguardias y funcionalismo.
POST MODERNIDAD. Crisis del proyecto totalizador de la modernidad.
Diseño Italiano en Memphis
Vanguardia y Trans Vanguardia
Virtualidad y nuevas tecnologías
5. BIBLIOGRAFÍA OBLIGATORIA
AUMONT, Jacques, La Estética Hoy, Madrid, Editorial Cátedra, 2001.
IVELIC, Milan, Curso de Estética General, Santiago: Ed. Universitaria. 1998.
MOLINUEVO, José Luis, La experiencia Estética Moderna, Madrid. Editorial Síntesis, 1998.
BRONOWSKI, Jacob El ascenso del hombre. Fondo educativo interamericano S.A. México 1987 cap. 8 El afán de poder.
Clark Kenneh. Civilización. Una visión personal. Colección el libro de bolsillo. Alianza editorial Madrid 1987. cap. 13 Materialismo heroico.
BÜRDEK, Bernhard, Historia, Teoría y Práctica del Diseño Industrial, Barcelona, Editorial Gustavo Gili, 1994.
HESKETT, John, Breve Historia del diseño industrial, Barcelona, Ediciones del Serbal, 1985.
SATUÉ, Enric, El diseño gráfico: desde los orígenes hasta nuestros días, Madrid, Editorial Alianza, 1990.
DORMER, Peter, El diseño desde 1945, Barcelona, Ediciones Destino, 1993.
FUCHS, HEINZ y BURKHARDT, Producto, Forma, Historia: 150 años de diseño alemán, Instituto de Relaciones con el Extranjero RFA, Stuttgart, Heinrich, 1998.
FRAMPTON, Kenneth, Historia crítica de la arquitectura moderna, Barcelona, Editorial Gustavo Gili, 1998.
PALMAROLA, Hugo, Productos y socialismo: Diseño Industrial Estatal en Chile, La vida cotidiana de un año crucial, Editorial Planeta, 1973.
ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
Innovación, sustentabilidad y creatividad en el ejercicio de la profesión
La innovación y creatividad son atributos que otorgan valor agregado al trabajo de la gran mayoría de los profesionales y son requisitos indispensables para los diseñadores. Profesión que trabaja para mejorar la calidad de vida de las personas en contextos sumamente diversos. Los egresados de la Escuela de Diseño de la Universidad Andrés Bello, destacan por su sentido de realidad y vocación de servicio que dan vida a proyectos vanguardistas, sustentables y con estética sensible.
(*) Con menciones en Diseño Gráfico o Diseño Industrial.
Director(es) de Carrera:
Escuela Santiago: Gonzalo Puga
Escuela Viña del Mar: Alan Fox
Los egresados de la carrera de Diseño desempeñan en diversos campos, ya sea en empresas comerciales, de servicios, de la producción y la manufactura; empresas privadas y públicas vinculadas a la cultura. Asimismo, pueden ejercer su profesión en empresas y oficinas particulares de diseño, marketing, agencias de publicidad, rubro editorial, imprenta y comunicaciones. También reciben las herramientas y conocimientos para emprender una práctica profesional independiente.
ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
2 horas Clases Expositivas y Discusión socializada
1 hora Trabajo de Investigación | Ponencias | y Proyectos.
2.- Competencia(s) alcanzada(s) al finalizar el Curso.
Objetivos:
El estudiante alcanzará la base teórica necesaria para la comprensión de los problemas centrales de la estética, así como de los debates modernos y contemporáneos en torno a la naturaleza y función de la creación artística.
Examinar el concepto y naturaleza del arte, los conceptos de belleza y fealdad, de armonía e inarmonía, dando cuenta de los problemas y teorías estéticas que tales conceptos han suscitado; posibilitando su revisión histórica y crítica.
Analizar los fenómenos artísticos, la ‘experiencia estética’ – desde su contexto socio-cultural, propiciando un acceso conceptual a la obra de Arte y sus múltiples relaciones con otras disciplinas tales como la Arquitectura, el Diseño, el Urbanismo, la Antropología y la Sociología. Considerado las obras y objetos de arte como documentos etnográficos de primer orden para el estudio de nuestras sociedades occidentales.
3. Contenidos
1. Unidad : El concepto de Belleza en el Pensamiento Clásico. 20 %
Música concreta y Registros polifónicos: John Cage
Pina Bausch; Danza Abstracta y Psicodrama Analítico.
De la muerte del arte al postvanguardismo: eclecticismo, citacionismo, fragmentación, ironización y reapropiacionismo.
Jean Baudrillard; alteridad, seducción y simulacro; Cultura, narcisismo y régimen de mortandad en el sistema de los objetos.
La fotografía y las formas del olvido; del furor de la imagen al frenesí de lo real.
Germán Von Appen: ‘Visiones de Valparaíso, entre el Paísaje abstracto y la conmoción de la memoria
Gordon Matta-Clark; Anarquitectura y deconstrucción.
“Ilya Kabakov; El arte de la instalación y el palacio de los proyectos
Individualismo, modernidad líquida y terrorismo hipermoderno; de Bauman a Sloterdijk
Alfredo Jaar; el secuestro de las imágenes y el Proyecto Ruanda
Peter Sloterdijk y Walter Benjamin; Air Conditioning en el Mundo interior del Capital.
Peter Sloterdijk: Temblores de aire, atmoterrorismo y crepúsculo de la inmunidad
“Peter Sloterdijk y W. Benjamin; El Palacio de Cristal y los shopping-mall como sistemas autorregulados.
El vértigo de la sobremodernidad: “no lugares”, espacios públicos y figuras del anonimato
Sloterdijk y el imaginario de la Globalización. Mundo sincrónico y conciertos de transferencia.
Vásquez Rocca, Adolfo, International-conference “Psicopolítica en Sloterdijk y Virilio; El vértigo de la sobremodernidad; ciudades del pánico y turismo etnográfico”. TRIENAL DE ARQUITECTURA DE LISBOA | LISBON ARCHITECTURE TRIENNALE 15 – 16 de Enero, 2011.
Sugerir nexos críticos y creativos entre Diseño y la cultura, desde un enfoque histórico y estético.
Objetivo Específico
Definir los fundamentos de lo estético y de la crisis de lo moderno.
Conocer ejemplos de (trans)fusiones entre Diseño, Arquitectura y Estética en diversos campos culturales: literatura, plástica, cine, escenografías, instalaciones, música, danza; entre otros.
Ampliar el conocimiento sobre los referentes básicos del diseño moderno
Ampliar la capacidad de reflexión sobre los vínculos entre sistema cultural y sistema de diseño
Ampliar la capacidad de acción sobre el análisis cultura
AUMONT, Jacques, La Estética Hoy, Madrid, Editorial Cátedra, 2001.
IVELIC, Milan, Curso de Estética General, Santiago: Ed. Universitaria. 1998.
MOLINUEVO, José Luis, La experiencia Estética Moderna, Madrid. Editorial Síntesis, 1998.
BRONOWSKI, Jacob El ascenso del hombre. Fondo educativo interamericano S.A. México 1987 cap. 8 El afán de poder.
Clark Kenneh. Civilización. Una visión personal. Colección el libro de bolsillo. Alianza editorial Madrid 1987. cap. 13 Materialismo heroico.
BÜRDEK, Bernhard, Historia, Teoría y Práctica del Diseño Industrial, Barcelona, Editorial Gustavo Gili, 1994.
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DORMER, Peter, El diseño desde 1945, Barcelona, Ediciones Destino, 1993.
FUCHS, HEINZ y BURKHARDT, Producto, Forma, Historia: 150 años de diseño alemán, Instituto de Relaciones con el Extranjero RFA, Stuttgart, Heinrich, 1998.
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PALMAROLA, Hugo, Productos y socialismo: Diseño Industrial Estatal en Chile, La vida cotidiana de un año crucial, Editorial Planeta, 1973.
6. BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA
BARTHES, Roland, Lo obvio y lo obtuso, Barcelona, Paidós, 1992.
y En Revista Ábaco, Revista de Cultura y Ciencias Sociales, 2005, Número doble 44-45, Editada por CICEES, GIJÓN (ASTURIAS), Asociada a ARCE y FIRC (Federación Internacional de Revistas Culturales) pp.141-153.
Deconstrucción del fenómeno fashion | La moda como espectáculo. Relaciones entre individualismo, frivolidad y poder | Fashion y espectáculo | El cuerpo como experimento | La teatralidad de la vida social | La desicononización del símbolo | El vestido. De lo estético a lo público | Notas
La moda en la posmodernidad. Deconstrucción del fenómeno fashion
Por Adolfo Vásquez Rocca (*)
El tema de la moda lejos de ser un asunto meramente banal constituye un documento estético sociológico que da clara cuenta de las sensibilidades de una época, en particular de la voluntad de ruptura e innovación o, por otra parte, de férreo conservadurismo, quedando definido el asunto del vestir como un asunto sustancialmente político. La moda ésta en la calle y por lo tanto es parte constitutiva de la res pública.Por ello, este artículo, al intentar d
ar cuenta del fenómeno fashion, supone ampliar la reflexión –más allá del asunto relativo al vestir– al contexto sociocultural y antropológico que supone.
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV. Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor de la Escuela de Periodismo y Arquitectura UNAB Santiago. – En octubre de 2006 y 2007 es invitado por la ‘Fundación Hombre y Mundo’ y la UNAM a dictar un Ciclo de Conferencias en México. – Miembro del Consejo Editorial Internacional de la ‘Fundación Ética Mundial‘ de México. Director del Consejo Consultivo Internacional de ‘Konvergencias‘, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Argentina. Miembro del Conselho Editorial da Humanidades em Revista, Universidade Regional do Noroeste do Estado do Rio Grande do Sul, Brasil y del Cuerpo Editorial de Sophia –Revista de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador– . Director de Revista Observaciones Filosóficas. Profesor visitante en la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. – Profesor visitante Florida Christian University USA y Profesor Asociado al Grupo Theoria –Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado– UCM. Académico Investigador de la Vicerrectoría de Investigación y Postgrado, Universidad Andrés Bello. Artista conceptual. Ha publicado el Libro: Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. Invitado especial a la International Conference de la Trienal de Arquitectura de Lisboa | Lisbon Architecture Triennale 2011
ESTÉTICA Arquitectura y Diseño HMF152 UNAB _ Prof. Dr. Adolfo Vásquez Rocca 2011
Seminario ‘Peter Sloterdijk, un pensador Estético’ – Prof. Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Postgrado, Instituto de Filosofía, P. Universidad Católica de Valparaíso
Pontificia Universidad Católica de Valparaíso
Universidad Complutense de Madrid
Escuela Matríztica Multiversidad Mundo Real Edgar MorinEastern Mediterranean University – Academia.edu
Multiversidad Mundo Real Edgar Morin
Académico Investigador Postgrado Multiversidad Mundo Real Edgar Morin – Programa de Doctorado Internacional en Pensamiento Complejo – Centro Mundial de Altos Estudios para la transformación social desde las Ciencias de la Complejidad, la Transdisciplina y el Pensamiento Complejo, 2015.
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, Teoría del Conocimiento y Pensamiento Contemporáneo. Áreas de Especialización Antropología y Estética.
Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor de la Escuela de Periodismo, Profesor Adjunto Escuela de Psicología y de la Facultad de Arquitectura UNAB Santiago. Profesor PEL Programa Especial de Licenciatura en Diseño, UNAB – DUOC UC.
En octubre de 2006 y 2007 es invitado por la ‘Fundación Hombre y Mundo’ y la UNAM a dictar un Ciclo de Conferencias en México.
Miembro del Consejo Editorial Internacional de la ‘Fundación Ética Mundial‘ de México. Director del Consejo Consultivo Internacional de ‘Konvergencias‘, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Argentina. Miembro del Consejo Editorial Internacional de Revista Praxis. Facultad de Filosofía y Letras, Universidad Nacional UNA, Costa Rica. Miembro del Conselho Editorial da Humanidades em Revista, Universidade Regional do Noroeste do Estado do Rio Grande do Sul, Brasil y del Cuerpo Editorial de Sophia –Revista de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador–. –Secretario Ejecutivo de Revista Philosophica PUCV.
Profesor de Postgrado, Magíster en Biología-Cultural, Escuela Matríztica de Santiago y Universidad Mayor 2013–2014 –Investigador Asociado y Profesor adjunto de la Escuela Matríztica de Santiago, Área ‘Filosofía fundamental’ –dirigida por el Dr. Humberto Maturana.
ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
Vásquez Rocca, Adolfo, “La moda en la posmodernidad. Deconstrucción del fenómeno ‘Fashion‘”, Reedición ampliada En REVISTA DE DISEÑO URBANO Y PAISAJE, Universidad Central de Chile, Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Paisaje, FAUP, ISSN 0717- 9758, Volumen IV, Nº 11, 2007
– Introducción: El giro Estético
– El Libro de los Pasajes [Passagen-Werk] como legado intelectual y estético de Walter Benjamin.
– “El Palacio de Cristal” – Peter Sloterdijk; Traumas urbanos. La ciudad y los desastres.
– Peter Sloterdijk y W. Benjamin; De los Pasajes a los Invernaderos de la posmodernidad. Estética y Políticas de Climatización.
– Los shopping-mall como sistemas autorregulados.
– Densidad en el Mundo Interior del Capital: Para una Teoría filosófica de la Globalización.
– Densidad y problemas migratorios en el Palacio de Cristal.
– Estrategias de pensamiento y articulación estética de la política y el urbanismo.
II.-
– W. Benjamin: Poética de lo fragmentario
– El el fin de los grandes relatos; Filosofía de la Historia y la Condición posmoderna.
– La influencia de Proust en Benjamin
– “El tiempo recobrado”. Le temps retrouvée Francia, 1999, 169′ Dirección Raúl Ruiz Guión: Raul Ruiz y Gilles Taurand basados en la novela de Marcel Proust.
– Raoul Ruiz: y la Poética del Cine; sobre las permutaciones antropológicas y el cine chamánico.
– El aforismo como estilo literario y lo fragmentario método de aproximación epistemológica y abordaje urbano.
– Peter Sloterdijk y W. Benjamin; De los Pasajes a los Invernaderos de la posmodernidad.
– Atmoterrorismo y ciudades del Pánico
– El Palacio de Cristal [Sloterdijk] , El gran invernadero; Exposiciones Universales.
– Exposición Universal: Londres 1851 El Palacio de Cristal.
– Las formas arquitectónicas como clave de la situación del mundo y el espíritu de época.
– Los Pasajes
– El término “arcada”
– Historia de la sensibilidad.
– El fetiche de la mercancía.
– Benjamin y el Coleccionismo
– Coleccionismo y genealogía de la intimidad
– Arquitectura e Ingeniería. Historia de una relación. Arte y Técnica.
– Arqueología inversa y dialéctica.
– Ruinas, Arqueología y fantasmagorías de la sociedad capitalista; el artista de la demolición.
– Exposiciones universales; el progreso nacional en exhibición.
– La exposición de París de 1889
– Historia y triunfo del hierro y el acero.
– Pabellones, Fábricas y maquinarias.
– La moda
– “Acotaciones sobre Vestidos y Ciudades” (1989) 18.3. Film – Wim Wenders.
– Los escaparates
– Los shopping-malls como un capítulo de la tecnologización de la ciudad.
– Centros y Galerías comerciales, Malls
– Arquetipos sociales – el apostador, el “flâneur” [paseante] o vagabundo urbano, el coleccionista.
– Museos y Arquitectura onírica.
– Espejos y Sistemas de iluminación.
– La muñeca y el autómata.
– Técnica de la reproducción industrial
– Ferrocarriles y escuela politécnica
– Prostitución, calles de París y Teoría de las Conspiraciones.
– Escatología de las ciudades venideras
– El método o estilo de pensamiento de Benjamin.
– Benjamin: ficciones filosóficas y silenciadas prehistorias del presente.
– Lo arcaico, los desgarramientos y las deudas con el pasado.
IV.-
– Sloterdijk – Esferas II
– Para una ontología del espacio cercado.
– Arcas, murallas de ciudad, fronteras del mundo y sistemas de inmunidad.
– Ontología de las distancias y mundo sincrónico.
– La densidad ontológica del concepto de telecomunicaciones.
– Sloterdijk; Patria y globalización.
– Heidegger: Construir, habitar, pensar
– Arquitectura de la memoria; Espacio e identidad
– La Palabra como morada del Ser
– El habitar poético del hombre en el mundo
– Poética del Espacio.
– Sloterdijk; La última Esfera.
BENJAMIN, Walter, Libro de los Pasajes, Editorial Akal, Madrid, 2005.
BENJAMIN, Walter, Para una crítica de la violencia y otros ensayos. Traducción de Roberto Blatt, selección e introducción de Eduardo Subirats, Taurus, Madrid, 1991. Para una crítica de la violencia, Teorías del fascismo alemán, Estudios sobre Kafka.
BENJAMIN, Walter, Iluminaciones I. Prólogo. Editorial Taurus, Madrid, 1971. Una imagen de Proust, El Surrealismo, Sobre la situación del escritor.
BENJAMIN, Walter, Imaginación y sociedad (Iluminaciones I), Taurus, Madrid, 1980.
BENJAMIN, Walter, Discursos interrumpidos I. Filosofía del arte y de la historia, Taurus, Buenos Aires, 1982.
BENJAMIN, Walter, El Berlín demónico, Icaria, Barcelona, 1985.
BENJAMIN, Walter, Sobre el programa de la filosofía futura, Planeta-Agostini, Barcelona, 1986.
BENJAMIN, Walter, El concepto de crítica de arte en el romanticismo alemán, Península, Barcelona, 1988.
BENJAMIN, Walter, El origen del drama barroco alemán, Alfaguara, Madrid, 1990
BENJAMIN, Walter, Poesía y capitalismo (Iluminaciones II), Taurus, Madrid, 1993.
SLOTERDIJK, Peter, Esferas I – II, Editorial Siruela, Madrid. 2003
-SLOTERDIJK, Peter, Temblores de aire, en las fuentes del terror, Ed. Pre-Textos, Valencia 2003
-SLOTERDIJK Peter, El arte se repliega en sí mismo – Peter Sloterdijk
SLOTERDIJK Peter, El Palacio de Cristal, Conferencia. Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona 2004 Conferencia pronunciada en el marco del debate “Traumas urbanos. La ciudad y los desastres”. CCCB.
SLOTERDIJK, Peter, El desprecio de las masas; Ensayos sobre las luchas culturales de la sociedad moderna, Editorial Pre-textos, Valencia, 2002.
BUCK-MORSS, Susan, Dialéctica de la mirada. Walter Benjamín y el proyecto de los Pasajes, Editorial Visor, , Madrid, 1995.
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DUMONT, Louis, Ensayos sobre el individualismo . Una perspectiva antropológica sobre la ideología moderna, Alianza, Madrid, 1987.
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Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, Teoría del Conocimiento y Pensamiento Contemporáneo. Áreas de Especialización: Antropología y Estética. Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la PUCV. Profesor de Antropología y de Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la UNAB. Profesor asociado al Grupo Theoria, Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado. Director de la Revista Observaciones Filosóficas http://www.observacionesfilosoficas.net/. Secretario de Ejecutivo de PHILOSOPHICA, Revista del Instituto de Filosofía de la PUCV http://www.philosophica.ucv.cl/editorial.htm, Editor Asociado de Psikeba —Revista de Psicoanálisis y Estudios Culturales, Buenos Aires— http://www.psikeba.com.ar/, miembro del Consejo Editorial Internacional de la Fundación Ética Mundial de México http://www.eticamundial.com.mx/– y Director del Consejo Consultivo Internacional de Konvergencias, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo http://www.konvergencias.net/
Artículo: “La crisis de las Vanguardias artísticas y el debate Modernidad-Postmodernidad”, En Arte, Individuo y Sociedad. Revista Científica de la Facultad de Bellas Artes, UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID – Año 2005 – vol. 17, pp.133 – 154. Adolfo Vásquez Rocca . ISSN 1131-5598
Artículo: “El giro estético de la epistemología; La ficción como conocimiento, subjetividad y texto”, en Revista AISTHESIS, Instituto de Estética de la PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATÓLICA DE CHILE, PUC, Nº 40, 2006. A. Vásquez Rocca
“El vértigo de la sobremodernidad: turismo etnográfico y ciudades del anonimato”, En REVISTA DE HUMANIDADES, Nº 22, 2007, pp. 211-223 – Tecnológico de Monterrey– ISSN 1405-4167, México. Disponible en:
Vásquez Rocca, Adolfo, “Estética de la virtualidad y deconstrucción del museo como proyecto ilustrado”, En NÓMADAS: revista crítica de ciencias sociales , UNIVERSIDAD COMPLUTENSE de Madrid ISSN 1578-6730, Nº. 20, 2008 , pags. 417-426.
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV. Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor de la Escuela de Periodismo y Arquitectura UNAB Santiago. – En octubre de 2006 y 2007 es invitado por la ‘Fundación Hombre y Mundo’ y la UNAM a dictar un Ciclo de Conferencias en México. – Miembro del Consejo Editorial Internacional de la ‘Fundación Ética Mundial‘ de México. Director del Consejo Consultivo Internacional de ‘Konvergencias‘, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Argentina. Miembro del Conselho Editorial da Humanidades em Revista, Universidade Regional do Noroeste do Estado do Rio Grande do Sul, Brasil y del Cuerpo Editorial de Sophia –Revista de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador– . Director de Revista Observaciones Filosóficas. Profesor visitante en la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. – Profesor visitante Florida Christian University USA y Profesor Asociado al Grupo Theoria –Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado– UCM. Académico Investigador de la Vicerrectoría de Investigación y Postgrado, Universidad Andrés Bello. Artista conceptual. Ha publicado el Libro: Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. Invitado especial a la International Conference de la Trienal de Arquitectura de Lisboa | Lisbon Architecture Triennale 2011
Prof. Dr. Adolfo Vásquez Rocca Escuela de Arquitectura
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1.- Exponga el sentido de las operaciones ‘anarquitectónicas’ -‘‘cuttings’’- o transformaciones de edificios mediante cortes o extracciones de fragmentos realizadas por Gordon Matta-Clark en Nueva York, y el consiguiente desmantelamiento del concepto de propiedad. Refiérase a la noción deconstructiva de abertura y la consiguiente exploración del vacío operando directamente sobre los sólidos construidos.
2.- Refiérase, siguiendo a Baudrillard, a las nociones de simulacro, frivolidad e incautación de lo real. Al entramado ideológico del sistema de los objetos y la obsolescencia acelerada. Refiérase a la la vertiente sentimental y poética del diseño.
3.- Explique cómo se produjo el traslado de la vanguardia artística de París a Nueva York durante la década de 1940. De cuenta de cómo Nueva York “robó” la idea de arte moderno; qué mecanismos utilizaron los marchantes y críticos para promover el expresionismo abstracto –la pintura salvaje al modo de Jackson Pollock–; qué objetivos ideológicos se tenían en mente y cuáles eran los valores que se intentaba promover y asociar a la cultura norteamericana.
4.- Analice y profundice la relación entre la obra pictórica de Francis Bacon y Lucian Freud a partir de las siguientes tesis:
La obra de Francis Bacon muestra al hombre amenazado por su descomposición y la deriva de su identidad, adentrándose –con una viscosa voluptuosidad– en los territorios de la animalidad.
Los desnudos de Lucian Freud –crudos y brutales– con una tonalidad mórbida, intentan captar los instintos y los deseos, bajo lo que el llama “la verdad de la carne”.
5.- a] En qué sentido puede afirmarse que mientras la producción del arte gira en torno a la producción de exposiciones, el arte abandona la galería y si esto es así, hacia dónde va el arte.
b] Refiérase al negocio del arte como sistema de celos y exhibicionismo.
c] Refiérase a la deconstrucción del museo como proyecto ilustrado e institución normalizadora del gusto.
6.- Explique los alcances de la afirmación de Joseph Beuys: “Cada hombre un artista”. Refiérase al al concepto ampliado de arte y a la tesis según la cual “todo conocimiento humano procede del arte”. Describa y explique el sentido de alguna de las Performances de Beuys.
7.- Describa la operación gubernamental del secuestro de las imágenes que el artista visual Alfredo Jaar denuncia en su obra-proceso “el proyecto Ruanda”. Refiérase al contexto político-humanitario de esta producción artística.
8.- ¿En qué sentido las fotografías son momentos de muerte, y atestiguan el paso decapitado del tiempo? Una ceremonia para investir un momento de ironía póstuma. ¿En qué sentido hay algo de predatorio en el acto de registrar una imagen?
9.- Refiérase a la Ciudad Surrealista, a partir de las imágenes urbanas propias de la pintura de Giorgio de Chirico: Un pintor de arquitecturas y de ‘sugestiones metafísicas’, de ciudades semi-desiertas, misteriosamente abandonadas en las horas solemnes del atardecer, como premoniciones de desolación, personajes fantasmales e inmóviles, estatuas de mármol, bronces ecuestres, chimeneas que anuncian el fin del idílico estado preindustrial; la silueta de un tren, las velas de un barco – símbolos turbadores del viaje – aquellos relojes y, especialmente, las sombras alagadas que además de su nostalgia constitutiva remiten a la angustia y melancolía de la partida
10.- En qué sentido la crítica de Ruiz al cine norteamericano, en particular a la Teoría del conflicto central esta relacionada con la presunción de hostilidad que ella implica y la posterior resolución en un fin armonioso, elementos -todos ellos- de alta carga ideológica, que promueven formas de vida asociadas al consumo y al vértigo de los acontecimientos.
11.- A] El libro “Las ciudades invisibles” es una recopilación de breves descripciones de ciudades imaginarias clasificadas en once series de cinco ciudades cada una y reagrupadas, a su vez, en nueve capítulos que mezclan diferentes series, según una temática.
Describa con precisión al menos 3 ciudades e indique ¿a que clasificación corresponden y por qué?
B] El concepto de megalópolis también se refleja en diversos pasajes de “Las ciudades invisibles”. ¿En qué sentido puede decirse que I. Calvino considera que “la crisis de la ciudad demasiado grande es la otra cara de la crisis de la naturaleza”? y define la megalópolis como “la ciudad continua, uniforme, que va cubriendo el mundo”
El estudiante alcanzará la base teórica necesaria para la comprensión de los problemas centrales de la estética, así como de los debates modernos y contemporáneos en torno a la naturaleza y función de la creación artística.
Examinar el concepto y naturaleza del arte, los conceptos de belleza y fealdad, de armonía e inarmonía, dando cuenta de los problemas y teorías estéticas que tales conceptos han suscitado; posibilitando su revisión histórica y crítica.
Analizar los fenómenos artísticos, la ‘experiencia estética’ – desde su contexto socio-cultural, propiciando un acceso conceptual a la obra de Arte y sus múltiples relaciones con otras disciplinas tales como la Arquitectura, el Diseño, el Urbanismo, la Antropología y la Sociología. Considerado las obras y objetos de arte como documentos etnográficos de primer orden para el estudio de nuestras sociedades occidentales.
Música concreta y Registros polifónicos: John Cage
Pina Bausch; Danza Abstracta y Psicodrama Analítico.
De la muerte del arte al postvanguardismo: eclecticismo, citacionismo, fragmentación, ironización y reapropiacionismo.
Jean Baudrillard; alteridad, seducción y simulacro; Cultura, narcisismo y régimen de mortandad en el sistema de los objetos.
La fotografía y las formas del olvido; del furor de la imagen al frenesí de lo real.
Germán Von Appen: ‘Visiones de Valparaíso, entre el Paísaje abstracto y la conmoción de la memoria
Gordon Matta-Clark; Anarquitectura y deconstrucción.
«Ilya Kabakov; El arte de la instalación y el palacio de los proyectos
Individualismo, modernidad líquida y terrorismo hipermoderno; de Bauman a Sloterdijk
Alfredo Jaar; el secuestro de las imágenes y el Proyecto Ruanda
Peter Sloterdijk y Walter Benjamin; Air Conditioning en el Mundo interior del Capital.
Peter Sloterdijk: Temblores de aire, atmoterrorismo y crepúsculo de la inmunidad
«Peter Sloterdijk y W. Benjamin; El Palacio de Cristal y los shopping-mall como sistemas autorregulados.
El vértigo de la sobremodernidad: “no lugares”, espacios públicos y figuras del anonimato
Sloterdijk y el imaginario de la Globalización. Mundo sincrónico y conciertos de transferencia.
Vásquez Rocca, Adolfo, International-conference «Psicopolítica en Sloterdijk y Virilio; El vértigo de la sobremodernidad; ciudades del pánico y turismo etnográfico”. TRIENAL DE ARQUITECTURA DE LISBOA | LISBON ARCHITECTURE TRIENNALE 15 – 16 de Enero, 2011.
BRETON, André 1896-1966, «Manifiestos del surrealismo», Madrid Visor Libros D.L. 2002.
BAUDRILLARD, Jean, El complot del arte. Ilusión y desilusión estéticas.
BÜRGER, Peter., Teoría de la vanguardia, Barcelona Península 2000.
KRAUSS, Rosalind E., «La originalidad de la vanguardia y otros mitos modernos», Madrid Alianza D.L. 1996.
MARCHÁN FIZ, Simón., «Las Vanguardias históricas y sus sombras (1917-1930)», Madrid Espasa-Calpe 1996.
ADORNO, Theodor: Teoría Estética . Editorial Taurus, Madrid, 1990.
BAUDRILLARD, Jean: La transparencia del mal (Ensayo sobre los fenómenos extremos). Anagrama, Barcelona, España, 1991.
BENJAMÍN, Walter: “La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica”. En Discursos Interrumpidos, I. Editorial Taurus, Madrid, 1990.
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización”, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. 221 páginas | I.S.B.N.: 978-84-7822-523-1
Artículos:
Artículo: “La crisis de las Vanguardias artísticas y el debate Modernidad-Postmodernidad”, En Arte, Individuo y Sociedad. Revista Científica de la Facultad de Bellas Artes, UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID – Año 2005 – vol. 17, pp.133 – 154. Adolfo Vásquez Rocca . ISSN 1131-5598
Artículo: “El giro estético de la epistemología; La ficción como conocimiento, subjetividad y texto”, en Revista AISTHESIS, Instituto de Estética de la PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATÓLICA DE CHILE, PUC, Nº 40, 2006. A. Vásquez Rocca
“El vértigo de la sobremodernidad: turismo etnográfico y ciudades del anonimato”, En REVISTA DE HUMANIDADES, Nº 22, 2007, pp. 211-223 – Tecnológico de Monterrey– ISSN 1405-4167, México. Disponible en:
Vásquez Rocca, Adolfo, “Estética de la virtualidad y deconstrucción del museo como proyecto ilustrado”, En NÓMADAS: revista crítica de ciencias sociales , UNIVERSIDAD COMPLUTENSE de Madrid ISSN 1578-6730, Nº. 20, 2008 , pags. 417-426.
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV. Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor de la Escuela de Periodismo y Arquitectura UNAB Santiago. – En octubre de 2006 y 2007 es invitado por la ‘Fundación Hombre y Mundo’ y la UNAM a dictar un Ciclo de Conferencias en México. – Miembro del Consejo Editorial Internacional de la ‘Fundación Ética Mundial‘ de México. Director del Consejo Consultivo Internacional de ‘Konvergencias‘, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Argentina. Miembro del Conselho Editorial da Humanidades em Revista, Universidade Regional do Noroeste do Estado do Rio Grande do Sul, Brasil y del Cuerpo Editorial de Sophia –Revista de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador– . Director de Revista Observaciones Filosóficas. Profesor visitante en la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. – Profesor visitante Florida Christian University USA y Profesor Asociado al Grupo Theoria –Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado– UCM. Académico Investigador de la Vicerrectoría de Investigación y Postgrado, Universidad Andrés Bello. Artista conceptual. Ha publicado el Libro: Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. Invitado especial a la International Conference de la Trienal de Arquitectura de Lisboa | Lisbon Architecture Triennale 2011
Modalidad: Seminario de Postgrado
2º Semestre, 2007
Créditos: 8 créditos / __
Evaluación: Ponencia o Exposición
Trabajo de Ensayo
Horario: Martes 18:00 a 20:00 hrs.
Instituto de Filosofía
Consultas Bibliográficas:
Contenidos del Seminario:
1.- Sloterdijk Un pensador Estético; El artista como teórico
– Problematización del concepto de Arte y sus perplejidades ante el enunciado: “Esto es arte”
– Arte conceptual y postconceptual
– El giro Estético de la epistemología; La ficción como conocimiento, subjetividad y texto.
– Los mapas cognitivos bajo los conceptos de paradigmas y meta-relatos culturales.
– La metafórica de Sloterdijk:
– Metafórica de la navegación; clérigos a bordo
– Éxtasis náuticos
– La metafórica de las Esferas: Burbujas, Globos y Espumas
– Microesferas íntimas y «úteros fantásticos para masas infantilizadas»
– Provincialismo global, frío estelar y complejidad extrahumana.
– La emergencia del humano potencial de traslado; El shock de transcolonización y el desenraizamiento existencial
– Conjeturas sobre el animal que topa consigo, se propone lo grande, a menudo no avanza un paso y, a veces, esta harto de todo
2.- El hombre como experimento sonoro.
– ¿Dónde estamos, cuando escuchamos música?
– Experimentos con uno mismo; la escucha de sí.
– El metafísico animal de la ausencia.
– La música como “analogía tonal de la vida emotiva
– El secuestro del ánimo
– El espacio interior acústico de la escucha fetal
– El pensamiento polifónico y la mácula sorda
– Las metáforas auditivas en la filosofía; Heidegger y Sloterdijk
– La escucha de sí como fundamento de toda intimidad
– El olvido del ser desde todos los altavoces y las masas desespiritualizadas.
– Las prácticas de silencio y la política como una forma cultural del hábito de hablar a gritos
3.- El arte se repliega en sí mismo.
– La producción indiscriminada de obras
– Inflación de las Exposiciones; Galerías de arte, marchantes de Arte, curadores y otros esperpentos.
– La así llamada Novela del Arte.
– Forma y valor de la obra de Arte; el estatuto ontológico y psico-político de al obra de arte.
– Obras y Exposiciones como acciones bursátiles estéticas
– Consumo cultural, políticas de identidad y el posmodernismo en el Arte.
– ¡El arte abandona la Galería! ¿Adónde va?…
– De la muerte del arte al postvanguardismo: eclecticismo, citacionismo, fragmentación, ironización y reapropiacionismo
– Sloterdijk y Baudrillard; alteridad, seducción y simulacro – Lo hiperreal.
– De la metástasis de la imagen a la incautación de lo real
4.- Estética Política y Telecomunicaciones
– Las imágenes híbridas de la posmodernidad
– Estética y globalización
– Patria y globalización; Notas sobre un recipiente hecho pedazos
– Telecomunicaciones; ontología de las distancias
– Flujos y redes; De la ontología de las distancias al surgimiento del ‘provincianismo global”
– Sobre capitalismo, telepatía y mundos asesores
– Temblores de aire; en las fuentes del terror
– Guerra medioambiental y el atmoterrorismo; el frágil respiro de los muertos.
– El régimen del sabotaje y la lógica del pánico como argumento central de la política.
– El detonante iconográfico y operístico de la política de masas
– El Fascismo como metafísica de la inmoderación; como síntesis de humanismo y barbarie o la coincidencia paradojal de inhibición y desinhibición.
– La política como arte; ‘belleza’ convulsiva y proyecto nacionalsocialista
– El Desprecio de las Masas
– El artista como dictador social y el político como escenógrafo
5.- Filosofía, Urbanismo y Arquitectura; Espacio tanatológico
– El diseño de la ciudad; mirada reticular y mirada fragmentada
– Arcas, murallas, de ciudad y fronteras del mundo
– Para una ontología del espacio cercado
– El vértigo de la sobremodernidad; “no lugares”, espacios públicos y figuras del anonimato
– Los ‘no lugares’ y el turismo a gran escala
– La ciudad como museo
– Ciudades y desastres
– Sloterdijk: El palacio de cristal; traumas urbanos
– Sloterdijk; Espacio tanatológico, duelo esférico y disposición melancólica
– Cultura, muerte y espacios interiores para las emociones escindidas.
– Autocobijo y sistemas metafísicos de inmunidad.
– El Duelo Esférico1; Sobre la pérdida del ‘nobjeto’ y la dificultad de decir lo que falta.
– Sloterdijk y Jean-Luc Nancy; De la Filosofía del cuerpo a las metáforas de la enfermedad
– Body Art; políticas del cuerpo humano y social.
– Estética y BiotecnologíaMetáfora viral, Escatología de la enfermedad y Literatura conspirativa
– Sloterdijk; del pesimismo metodológico al cinismo difuso de nuestras sociedades exhaustas
Prof. Dr. Adolfo Vásquez Rocca
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ARTÍCULOS:
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, «Sloterdijk; Temblores de aire, atmoterrorismo y crepúsculo de la inmunidad» En A Parte Rei, Nº 53, Sociedad de Estudios Filosóficos, Madrid, 2007
SLOTERDIJK, Peter, El arte se repliega en sí mismo – En Revista Observaciones Filosóficas
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, «Sloterdijk y Canetti; El detonante iconográfico y operístico de la política de masas», en NÓMADAS Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas. Universidad Complutense de Madrid, | Nº 15 | Enero-Junio 2007, pp. 201-214, http://www.ucm.es/info/nomadas/15/avrocca_detonanteiconografico.pdf
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, Artículo «Peter Sloterdijk: Espacio tanatológico, duelo esférico y disposición melancólica» En NÓMADAS, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas ISSN 1578-6730 – Universidad Complutense de Madrid, | Nº 17 | Enero-Junio 2008 -1º | En Prensa http://www.ucm.es/info/nomadas/17/avrocca_sloterdijk2.pdf
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, «El vértigo de la sobremodernidad; «no lugares», espacios públicos y figuras del anonimato», En U&P Revista de Diseño Urbano y Paisaje, Universidad Central de Chile, Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Paisaje, FAUP, ISSN 0717- 9758, Volumen IV, Nº10, 2007.
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “Peter Sloterdijk;. Esferas, helada cósmica y políticas de climatización”, En Debats, ISSN 0212-0585, Nº 94, 2006, pags. 6-13, Universidad de Valencia; y Eikasia, Revista de Filosofía, 5 (julio 2006); http://www.revistadefilosofia.com/SLOTERDIJK.pdf
SLOTERDIJK, Peter, Patria y globalización; Notas sobre un recipiente hecho pedazos –
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “El Giro Estético de la Epistemología; La ficción como conocimiento, subjetividad y texto”, En Revista AISTHESIS, Instituto de Estética de la Pontificia Universidad Católica de Chile, PUC, Nº 40, 2006. http://www.puc.cl/estetica/html/revista/pdf/Adolfo_Vssquez.pdf
Peter Sloterdijk: Esferas, flujos, sistemas metafísicos de inmunidad y complejidad extrahumana – Adolfo Vásquez Rocca. En NÓMADAS Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas. Universidad Complutense de Madrid, | Nº 17 | Enero-Junio 2008 | En Prensa / Y Konvergencias, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Córdoba, Argentina, Nº 15, Año IV, Segundo Cuatrimestre 2007, (pp. 93 -100) http://www.konvergencias.net/vasquezrocca140.pdf
Sloterdijk; De la ontología de las distancias al surgimiento del ‘provincianismo global’ – Liliana Vásquez Rocca, en Psikeba – Revista de Psicoanálisis y Estudios Culturales, Buenos Aires, ISSN 1850-339X, 2007.
As influências gnósticas de Peter Sloterdijk, José Luiz Bueno, En Revista Observaciones Filosóficas, 2007.
Peter Sloterdijk, El Pensador en Escena; ‘Das Philosophische Quartett’ – Adolfo Vásquez Rocca
“La evolución del mundo como una fiesta de suicidas; Sloterdijk y el pesimismo metodológico” – Adolfo Vásquez Rocca. En Luke, Revista de Arte y Literatura Contemporánea, N º 86, junio, 2007, España.
Peter Sloterdijk: Esferas, flujos, sistemas metafísicos de inmunidad y complejidad extrahumana – Adolfo Vásquez Rocca. En NÓMADAS Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas. Universidad Complutense de Madrid, | Nº 17 | Enero-Junio 2008 | En Prensa
Peter Sloterdijk; miembro de la Academia de las Artes de Berlín y de ‘Das Philosophische Quartett’ – Adolfo Vásquez Rocca. En Escáner Cultural, Revista de arte contemporáneo y nuevas tendencias, Nº 96, Santiago
Peter Sloterdijk y Nietzsche; De las antropotecnias al discurso del posthumanismo y el advenimiento del super-hombre – Adolfo Vásquez Rocca
Peter Sloterdijk; El post-humanismo: sus fuentes teológicas y sus medios técnicos – Adolfo Vásquez Rocca
De la escuela cínica al cinismo contemporáneo de Sloterdijk – Adolfo Vásquez Rocca
Música concreta y Filosofía contemporánea; Registros polifónicos de John Cage a Peter Sloterdijk – Adolfo Vásquez Rocca
Peter Sloterdijk: ‘Extrañamiento del mundo’. Abstinencia, drogas y ritual – Adolfo Vásquez Rocca
Peter Sloterdijk; la música de las esferas y la era antropotécnica – Adolfo Vásquez Rocca
Peter Sloterdijk ¿dónde estamos, cuando escuchamos música? – Adolfo Vásquez Rocca
Peter Sloterdijk; El Desprecio de las Masas, consideraciones en torno al poder – Adolfo Vásquez Rocca
Peter Sloterdijk: de las ‘Normas para el Parque humano’ a la biotecnología y el discurso del posthumanismo – Adolfo Vásquez Rocca
Peter Sloterdijk: Esferas, helada cósmica y políticas de climatización – Adolfo Vásquez Rocca
Peter Sloterdijk y la metafórica de la navegación – Pablo Gutiérrez Echegoyen
Sloterdijk y la ontogénesis del ser humano; la planta y el animal que hay en nosotros – Dra. Carolina Villagrán M. En Revista Observaciones Filosóficas, 2007.
Solterdijk; organicidad metafórica, modelos de comunicación y crítica del psicoanálisis fundacional – Lic Carlos Reyes González. En Revista Observaciones Filosóficas, 2007.
Peter Sloterjijk, la escucha de sí y el olvido del Ser desde todos los altavoces – Adolfo Vásquez Rocca
«Peter Sloterdijk; del pesimismo metodológico al cinismo difuso de nuestras sociedades exhaustas. «, En Konvergencias, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Córdoba, Argentina, Nº 15, Año IV, Segundo Cuatrimestre 2007, (pp. 84-92). – Adolfo Vásquez Rocca
«Peter Sloterdijk, Esferas, flujos, sistemas metafísicos de inmunidad y complejidad extrahumana. «, En Konvergencias, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Córdoba, Argentina, Nº 15, Año IV, Segundo Cuatrimestre 2007, (pp. 93 -100).
– Adolfo Vásquez Rocca
Prof. Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Pontificia Universidad Católica de Valparaíso
Universidad Complutense de Madrid
Universidad Nacional Andrés Bello – UNAB
E-mail: adolfovrocca@gmail.com
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV. Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor de la Escuela de Periodismo y Arquitectura UNAB Santiago. – En octubre de 2006 y 2007 es invitado por la ‘Fundación Hombre y Mundo’ y la UNAM a dictar un Ciclo de Conferencias en México. – Miembro del Consejo Editorial Internacional de la ‘Fundación Ética Mundial‘ de México. Director del Consejo Consultivo Internacional de ‘Konvergencias‘, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Argentina. Miembro del Conselho Editorial da Humanidades em Revista, Universidade Regional do Noroeste do Estado do Rio Grande do Sul, Brasil y del Cuerpo Editorial de Sophia –Revista de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador– . Director de Revista Observaciones Filosóficas. Profesor visitante en la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. – Profesor visitante Florida Christian University USA y Profesor Asociado al Grupo Theoria –Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado– UCM. Académico Investigador de la Vicerrectoría de Investigación y Postgrado, Universidad Andrés Bello. Artista conceptual. Ha publicado el Libro: Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. Invitado especial a la International Conference de la Trienal de Arquitectura de Lisboa | Lisbon Architecture Triennale 2011
Artículo «Anti-psiquiatría; Deconstrucción del concepto de enfermedad mental», En Revista Espiral, Revista de cultura y al pensamiento contemporáneo, MÉXICO. http://www.revistaespiral.org/filosofia_adolfo.htm
Adolfo Vásquez Rocca, «Peter Sloterdijk, Esferas, flujos, sistemas metafísicos de inmunidad y complejidad extrahumana.», En KONVERGENCIAS, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, CÓRDOBA, ARGENTINA, Nº 15, Año IV, Segundo Cuatrimestre 2007, (pp. 93 -100).
Vásquez Rocca, Adolfo, «Peter Sloterdijk; del pesimismo metodológico al cinismo difuso de nuestras sociedades exhaustas», En Revista Diez D, Nº 19 – Julio – Agosto – ISSN 1794-824X, Bogota, COLOMBIA.
Vásquez Rocca, Adolfo, «Peter Sloterdijk; Espumas, mundo poliesférico y ciencia ampliada de invernaderos» En KONVERGENCIAS, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Nº 16 – 2007, Capital Federal, Argentina, pp. 217-228
Seminario Peter Sloterdijk – W. Benjamín; Filosofía, Estética y Arquitectura
Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Pontificia Universidad Católica de Valparaíso
1º Semestre 2009 Prof. Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Seminario de Postgrado
Instituto de Filosofía
Pontificia Universidad Católica de Valparaíso
Programa:
I.-
– Introducción: El giro Estético
– El Libro de los Pasajes [Passagen-Werk] como legado intelectual y estético de Walter Benjamin.
– “El Palacio de Cristal” – Peter Sloterdijk; Traumas urbanos. La ciudad y los desastres.
– Peter Sloterdijk y W. Benjamin; De los Pasajes a los Invernaderos de la posmodernidad. Estética y Políticas de Climatización.
– Los shopping-mall como sistemas autorregulados.
– Densidad en el Mundo Interior del Capital: Para una Teoría filosófica de la Globalización.
– Densidad y problemas migratorios en el Palacio de Cristal.
– Estrategias de pensamiento y articulación estética de la política y el urbanismo.
II.-
– W. Benjamin: Poética de lo fragmentario
– El el fin de los grandes relatos; Filosofía de la Historia y la Condición posmoderna.
– La influencia de Proust en Benjamin
– «El tiempo recobrado». Le temps retrouvée Francia, 1999, 169′ Dirección Raúl Ruiz Guión: Raul Ruiz y Gilles Taurand basados en la novela de Marcel Proust.
– Raoul Ruiz: y la Poética del Cine; sobre las permutaciones antropológicas y el cine chamánico.
– El aforismo como estilo literario y lo fragmentario método de aproximación epistemológica y abordaje urbano.
– Peter Sloterdijk y W. Benjamin; De los Pasajes a los Invernaderos de la posmodernidad.
– Atmoterrorismo y ciudades del Pánico
– El Palacio de Cristal [Sloterdijk] , El gran invernadero; Exposiciones Universales.
– Exposición Universal: Londres 1851 El Palacio de Cristal.
– Las formas arquitectónicas como clave de la situación del mundo y el espíritu de época.
III.-
– Los Pasajes
– El término «arcada»
– Historia de la sensibilidad.
– El fetiche de la mercancía.
– Benjamin y el Coleccionismo
– Coleccionismo y genealogía de la intimidad
– Arquitectura e Ingeniería. Historia de una relación. Arte y Técnica.
– Arqueología inversa y dialéctica.
– Ruinas, Arqueología y fantasmagorías de la sociedad capitalista; el artista de la demolición.
– Exposiciones universales; el progreso nacional en exhibición.
– La exposición de París de 1889
– Historia y triunfo del hierro y el acero.
– Pabellones, Fábricas y maquinarias.
– La moda
– “Acotaciones sobre Vestidos y Ciudades” (1989) 18.3. Film – Wim Wenders.
– Los escaparates
– Los shopping-malls como un capítulo de la tecnologización de la ciudad.
– Centros y Galerías comerciales, Malls
– Arquetipos sociales – el apostador, el «flâneur» [paseante] o vagabundo urbano, el coleccionista.
– Museos y Arquitectura onírica.
– Espejos y Sistemas de iluminación.
– La muñeca y el autómata.
– Técnica de la reproducción industrial
– Ferrocarriles y escuela politécnica
– Prostitución, calles de París y Teoría de las Conspiraciones.
– Escatología de las ciudades venideras
– El método o estilo de pensamiento de Benjamin.
– Benjamin: ficciones filosóficas y silenciadas prehistorias del presente.
– Lo arcaico, los desgarramientos y las deudas con el pasado.
IV.-
– Sloterdijk – Esferas II
– Para una ontología del espacio cercado.
– Arcas, murallas de ciudad, fronteras del mundo y sistemas de inmunidad.
– Ontología de las distancias y mundo sincrónico.
– La densidad ontológica del concepto de telecomunicaciones.
– Sloterdijk; Patria y globalización.
– Heidegger: Construir, habitar, pensar
– Arquitectura de la memoria; Espacio e identidad
– La Palabra como morada del Ser
– El habitar poético del hombre en el mundo
– Poética del Espacio.
– Sloterdijk; La última Esfera.
Bibliografía: W. BENJAMIN – P. SLOTERDIJK
BENJAMIN, Walter, Libro de los Pasajes, Editorial Akal, Madrid, 2005.
BENJAMIN, Walter, Para una crítica de la violencia y otros ensayos. Traducción de Roberto Blatt, selección e introducción de Eduardo Subirats, Taurus, Madrid, 1991. Para una crítica de la violencia, Teorías del fascismo alemán, Estudios sobre Kafka.
BENJAMIN, Walter, Iluminaciones I. Prólogo. Editorial Taurus, Madrid, 1971. Una imagen de Proust, El Surrealismo, Sobre la situación del escritor.
BENJAMIN, Walter, Imaginación y sociedad (Iluminaciones I), Taurus, Madrid, 1980.
BENJAMIN, Walter, Discursos interrumpidos I. Filosofía del arte y de la historia, Taurus, Buenos Aires, 1982.
BENJAMIN, Walter, El Berlín demónico, Icaria, Barcelona, 1985.
BENJAMIN, Walter, Sobre el programa de la filosofía futura, Planeta-Agostini, Barcelona, 1986.
BENJAMIN, Walter, El concepto de crítica de arte en el romanticismo alemán, Península, Barcelona, 1988.
BENJAMIN, Walter, El origen del drama barroco alemán, Alfaguara, Madrid, 1990
BENJAMIN, Walter, Poesía y capitalismo (Iluminaciones II), Taurus, Madrid, 1993.
SLOTERDIJK, Peter, Esferas I – II, Editorial Siruela, Madrid. 2003
-SLOTERDIJK, Peter, Temblores de aire, en las fuentes del terror, Ed. Pre-Textos, Valencia 2003
-SLOTERDIJK Peter, El arte se repliega en sí mismo – Peter Sloterdijk
SLOTERDIJK Peter, El Palacio de Cristal, Conferencia. Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona 2004 Conferencia pronunciada en el marco del debate “Traumas urbanos. La ciudad y los desastres”. CCCB.
SLOTERDIJK, Peter, El desprecio de las masas; Ensayos sobre las luchas culturales de la sociedad moderna, Editorial Pre-textos, Valencia, 2002.
BUCK-MORSS, Susan, Dialéctica de la mirada. Walter Benjamín y el proyecto de los Pasajes, Editorial Visor, , Madrid, 1995.
BUCK-MORSS, Susan, Orígen de la dialéctica negativa. Theodor W. Adorno, Walter Benjamin y el Instituto de Frankfurt, Siglo XXI, México, 1981.
ADORNO Theodor, Sobre Walter Benjamin, Cátedra, Madrid, 1995.
AUGÉ, Marc, Los . Espacios del anonimato. Una antropología de la sobremodernidad, Gedisa, Barcelona, 1993
BARTHES, Roland, Lo obvio y lo obtuso. Imágenes, gestos, voces, Paidós, Barcelona, 2000.
BELL Daniel, Las contradicciones culturales del capitalismo, Alianza, Madrid, 1989.
CANETTI, E., Masa y poder, ed. Muchnik, Barcelona, 1977.
CLIFFORD, James, Dilemas de la cultura. Antropología, literatura y arte en la perspectiva posmoderna, Gedisa, Barcelona,1995.
DEBORD, Guy, La sociedad del espectáculo, La Marca, Bs. As., 1995
DELEUZE, Gilles, Guattari Felix, El Antiedipo. Capitalismo y esquizofrenia, Barral edit., Barcelona, 1974
DUMONT, Louis, Ensayos sobre el individualismo . Una perspectiva antropológica sobre la ideología moderna, Alianza, Madrid, 1987.
FELLINI Federico, Apuntes. Recuerdos y fantasías, Muchnik, Barcelona, 1987
FERRY, Jean Marc, Wolton Dominique y otros, El nuevo espacio público, Gedisa, Barcelona, 1992.
FOUCAULT, Michel, Microfísica del poder, ed La Piqueta, Madrid, 1978.
GARCÍA CANCLINI, Néstor, Culturas híbridas, Grijalbo, México, 1990.
GIRARD, René, Literatura, mímesis y antropología, Gedisa, Barcelona, 1984
GRUZINSKI, Serge, La guerra de las imágenes. De Cristóbal Colón a Blade Runner (1492-2019), Fondo de Cultura Económica, México, 1995.
JAMESON, Fredric, El posmodernismo o la lógica cultural del capitalismo avanzado, Paidós, Bs. As., 1992
LE GOFF, Jacques, El orden de la memoria . El tiempo como imaginario, Paidós, Barcelona, 1991.
LIVINGSTON, Rodolfo, Arquitectura y autoritarismo, Ediciones La Flor, Bs. As., 1990
LUKÁCS, Asalto a la razón, La trayectoria del irracionalismo desde Schelling hasta Hitler, Editorial Grijalbo, México, 1983.
PEREC, George, La vida instrucciones de uso, Ed. Hachette, Madrid, 1987.
REGUILLO CRUZ, Rossana, La construcción simbólica de la ciudad. Sociedad, desastre y comunicación, Iteso, Universidad Iberoamericana, México, 1996.
STEINER, George, Lenguaje y silencio. Ensayos sobre la literatura, el lenguaje y lo inhumano, Ed. Gedisa, Barcelona, 1990.
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, «Nietzsche y Derrida: De la voluntad de ilusión a la Mitología blanca», En CUENTA Y RAZÓN DEL PENSAMIENTO ACTUAL – Revista de la Fundación de Estudios Sociológicos de Madrid, (FUNDES), Nº 145 – 2008, pp. 45 a 64 – ISSN : 0211-1381 http://www.cuentayrazon.org/revista/pdf/145/Num145_006.pdf
Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, Teoría del Conocimiento y Pensamiento Contemporáneo. Áreas de Especialización: Antropología y Estética. Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la PUCV. Profesor de Antropología y de Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la UNAB. Profesor asociado al Grupo Theoria, Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado. Director de la Revista Observaciones Filosóficas http://www.observacionesfilosoficas.net/. Secretario de Ejecutivo de PHILOSOPHICA, Revista del Instituto de Filosofía de la PUCV http://www.philosophica.ucv.cl/editorial.htm, Editor Asociado de Psikeba —Revista de Psicoanálisis y Estudios Culturales, Buenos Aires— http://www.psikeba.com.ar/, miembro del Consejo Editorial Internacional de la Fundación Ética Mundial de México http://www.eticamundial.com.mx/– y Director del Consejo Consultivo Internacional de Konvergencias, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo http://www.konvergencias.net/
ESTÉTICA Y FUNDAMENTOS CULTURALES DE LA COMUNICACIÓN
HISTORIA Y TEORIA DEL ARTE; Y TEORÍA DE LOS MEDIOS
__________________________________________________
ESCUELA DE PERIODISMO
Prof. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
FACULTAD DE COMUNICACIONES
1. Identificación de la Asignatura
CURSO :
Estética Fundamentos Culturales de la Comunicación V
CÓDIGO : HUF 347
PRERREQUISITO : HUF247
TIPO DE ACTIVIDAD : Teórica
HORAS SEMANALES : 3
2. OBJETIVOS
Competencias alcanzadas al finalizar el curso
Generales
Adquirir la capacidad apreciativa y valórica asociada a la creación artística.
La Teoría e Historia del Arte es una disciplina científica y humanística que tiene como objetivo principal estudiar la producción artística y la imagen a lo largo de la historia y sus contextos, los procesos de creación y recepción y los discursos sobre el arte y la teoría artística. Desde ese punto de vista, este programa busca complementar el estudio de la obra de arte en sus diversas facetas, contextualizando sus horizontes de sentido y su relación con la cultura en general.
Este programa les permitirá los alumnos adquirir conocimientos adecuados para relacionarlos reflexivamente con su praxis, así como y también para ser capaces de guiar un curso en el ámbito de las disciplinas que componen su profesión o especialidad.
Conocer las etapas destacadas de la Historia del Arte.
Desarrollar la percepción para fomentar el crecimiento personal a través del Arte.
Específicos
Conocer la evolución artística de la Humanidad y sus hitos más relevantes.
El Curso está orientado a la reflexión en torno a las expresiones artísticas, su historia, sus discursos y relación con las claves culturales de la sociedad en que se generan. Los estudiantes obtendrán conocimientos en torno a la teoría e historia del arte, con énfasis a los lenguajes contemporáneos, y adquirirán herramientas con las cuales interpretar y comprender los diversos códigos y problemáticas que plantean los objetos artísticos.
Ser capaz de sustentar opinión y reflexión propias sobre el fenómeno artístico.
Qué el alumno conozca y reflexione sobre los fundamentos disciplinares de la Estética General.
Que el alumno conozca los diversos períodos de la Historia del Arte Occidental, sus obras, sus artistas y sus propuestas.
3. Contenidos
I. La expresión artística como lenguaje inherente al proceso creativo del ser humano.
Primeras formas de expresión artística (la Prehistoria y Arte Rupestre).
Símbolo, rito y mito en el arte primitivo.
De lo mítico a lo estético.
II. Arte y espacio: el arte en las primeras civilizaciones.
Desarrollo de los primeros géneros artísticos en la antigüedad.
Estética Antropológica: La cuestión del primitivismo en el arte contemporáneo.
Mesopotamia, urbanización y primeras formas arquitectónicas.
Ciudades, arquitectura y espacio urbano
Los problemas de las ciudades: urbs, civitas y polis
Cultura Sumeria y las primeras formas de arte monumental.
China e India: cuerpo, símbolo y creencia.
Cultura del Nilo y el arte del papiro.
Del papiro a la imprenta
Evolución de la prensa escrita desde el papiro hasta Internet
El Hipertexto y las nuevas retóricas
La épica en el mundo antiguo: lo heroico
El arte griego a partir del análisis de “El nacimiento de la tragedia” (Nietzsche)
III. La religión y espiritualidad en el arte.
Mitología clásica y arte pagano.
El templo en el arte oriental.
Monoteísmo y el Arte Cristiano en el periodo monástico.
Iconografía en el Arte Bizantino.
Arte Islámico y su influencia en el arte no objetivo.
Arte Románico y su influencia en el Arte Gótico.
La estética del Gótico
El simbolismo en las artes visuales
El teatro como extensión de las celebraciones religiosas
Del Teatro griego a la Commedia Dell´Arte
Sobre la Dramaturgia y el espacio
IV. El renacimiento y su influencia en la modernidad.
Arte Italiano y el modelo neoplatónico.
El arte secular y su influencia de oriente.
El modelo cortesano en la estilización del arte.
Filosofía y escuelas de arte en la modernidad.
V. El racionalismo y la influencia de la Revolución Industrial en la modernidad.
Revolución Francesa y el surgimiento del Neoclasicismo.
El Romanticismo y el exotismo.
Lo mundano en el Realismo del siglo XIX.
El impresionismo y la ruptura de la academia.
VI. El Arte en la era moderna.
Las Vanguardias artísticas del siglo XX
El Cubismo, una nueva óptica en el mundo moderno.
El arte rupturista y sus inicios en el expresionismo.
El Surrealismo europeo.
Dadaismo
Las primeras escuelas modernas y su influencia en el mundo tecnológico.
La Belle Epoque y su influencia en el arte aplicado, Art Nouveau, Art Deco, Bauhaus.
VII. Oriente-Occidente-Oriente.
Mesoamérica y los albores del Arte Precolombino.
Era de la Conquista y el Renacimiento Español.
El Barroco y las Escuelas Americanas.
Mestizaje en el arte del Nuevo Mundo.
VIII. El Realismo Social y su influencia en Latinoamérica.
Revolución Mexicana.
El constructivismo
El formalismo ruso
Ilya Kabakov: el conceptualismo ruso.
El constructivismo y la influencia soviética.
El arte y la cultura afro
Arte chicano-ciber-punk
Instalaciones, huellas y ruinas; el arte en tiempos de indigencia.
Arte Latinoamericano.
El Boom
Cine Arte en el Exilio
IX. América nuevo centro del arte moderno.
Peggy Guggenheim y la apertura al modernismo europeo.
Escuela de Chicago y el objetivismo americano.
Utopía del sueño americano.
Escuelas de Nueva York y el Expresionismo Abstracto.
El Pop y la masificación del arte.
Los nuevos parámetros del arte ambiental: performance, instalación, earth movement, border art, body art, urban art, etc.
X. El Arte en la Europa de post-guerra.
El Dadaísmo y su influencia en el arte político.
La muerte de la pintura.
Joseph Beuys y la apertura al arte conceptual.
El Neoexpresionismo y la Escuela de Berlín.
Arte Etnico y la comunidad global.
XI. Arte y Comunicaciones en la era digital.
Tecnología y lenguaje binario.
La informática y el fenómeno comunicacional.
El soporte electrónico como fusión de géneros artísticos.
Fragmentación del fenómeno artístico.
La transversalidad y diversidad en el post modernismo.
4. Evaluación
– Trabajos de creación y crítica de arte. Ejercicios prácticos: 40%
Participación y debate en clases. Laboratorio de Problemas: 20%
Dos pruebas solemnes : 30%
BIBLIOGRAFÍA
– MARCHÁN FIZ, S.: La estética en la cultura moderna. De la Ilustración a la crisis del estructuralismo, Barcelona, Gustavo Gili, 1982
BOZAL, V. (ed.): Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas, 2 vols., Madrid, Visor La balsa de la Medusa, 1996.
Bibliografía complementaría:
BRETON, André 1896-1966, «Manifiestos del surrealismo», Madrid Visor Libros D.L. 2002.
BAUDRILLARD, Jean, El complot del arte. Ilusión y desilusión estéticas.
BÜRGER, Peter., Teoría de la vanguardia, Barcelona Península 2000.
KRAUSS, Rosalind E., «La originalidad de la vanguardia y otros mitos modernos», Madrid Alianza D.L. 1996.
MARCHÁN FIZ, Simón., «Las Vanguardias históricas y sus sombras (1917-1930)», Madrid Espasa-Calpe 1996.
ADORNO, Theodor: Teoría Estética . Editorial Taurus, Madrid, 1990.
BAUDRILLARD, Jean: La transparencia del mal (Ensayo sobre los fenómenos extremos). Anagrama, Barcelona, España, 1991.
BENJAMÍN, Walter: “La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica”. En Discursos Interrumpidos, I. Editorial Taurus, Madrid, 1990.
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización”, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. 221 páginas | I.S.B.N.: 978-84-7822-523-1
Artículos:
Artículo: “La crisis de las Vanguardias artísticas y el debate Modernidad-Postmodernidad”, En Arte, Individuo y Sociedad. Revista Científica de la Facultad de Bellas Artes, UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID – Año 2005 – vol. 17, pp.133 – 154. Adolfo Vásquez Rocca . ISSN 1131-5598
Artículo: “El giro estético de la epistemología; La ficción como conocimiento, subjetividad y texto”, en Revista AISTHESIS, Instituto de Estética de la PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATÓLICA DE CHILE, PUC, Nº 40, 2006. A. Vásquez Rocca
“El vértigo de la sobremodernidad: turismo etnográfico y ciudades del anonimato”, En REVISTA DE HUMANIDADES, Nº 22, 2007, pp. 211-223 – Tecnológico de Monterrey– ISSN 1405-4167, México. Disponible en:
Vásquez Rocca, Adolfo, “Estética de la virtualidad y deconstrucción del museo como proyecto ilustrado”, En NÓMADAS: revista crítica de ciencias sociales , UNIVERSIDAD COMPLUTENSE de Madrid ISSN 1578-6730, Nº. 20, 2008 , pags. 417-426.
VI. BIBLIOGRAFÍA
Diseño: Historia, Teoría y Práctica del Diseño Industrial, Barcelona, Gustavo Gili, 1994.
La estética de la arquitectura, Madrid, Alianza Forma, 1985. El espacio en la arquitectura, Madrid, Cátedra, 1981.
Elí concepto del espacio arquitectóónico desde el Barroco a nuestros d as, Buenos Aires, Nueva Visi n, 1973.
Historia del arte como historia de la ciudad, Barcelona, Editorial Laia, 1984.
De la seducción, Buenos Aires, REI, 1989.
Sobre algunos temas en Baudelaire, Buenos Aires, Leviatán, 1996.
Historia deá las ideas estéticas y de las teorías artísticas contempor neas, Madrid, Visor, 1996.
Los ideales de la arquitectura moderna; su evolución (1750-1950), Barcelona, Gustavo Gili., 1973.
Arquitectura Primitiva, Madrid, Editorial Alianza, 1984. Bauhaus, Colonia, Könemann, 1999.
Historia de la teoría de la arquitectura, Madrid, Alianza, 1990. La an-estética de la arquitectura, Barcelona, Gustavo Gili, 2001.
PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATOLICA DE CHILE2INSTITUTO DE ESTETICA / Marzo de 2007Muntañola, J La arquitectura como lugar, Barcelona, Gustavo Gili, 1974.
Norberg-Schulz, Christian Arquitectura occidental, Barcelona, Gustavo Gili, 1983.
Pevsner, Nikolaus Pioneros del diseño moderno, de William Morris a Walter Gropius,
Buenos Aires, Infinito, 1958.
Satué, Enric El diseño gráfico: Desde los orígenes hasta nuestros días, Madrid, Alianza Forma, 1988.
ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATOLICA DE CHILE1INSTITUTO DE ESTETICA / ESCUELA DE PSICOLOGÍA
CURSO
“ARTE CONCEPTUAL, POSMODERNIDAD Y EL PSICOANÁLISIS COMO CRÍTICA CULTURAL”
1º Semestre
Escuela de PSICOLOGÍA
viernes: 14:30 hrs.
Prof. Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Descriptor
El curso abordará los debates contemporáneos en torno a la naturaleza y función de la creación artística y su diálogo con el Psicoanálisis y la psicopatología. Se examinarán los conceptos de belleza y fealdad, de armonía e inarmonía, los problemas de la representación en el arte, propiciando – a través de la revisión de los Textos de Sigmund Freud, Salvador Dalí, Marcel Duchamp, Michel Foucault, Jacques Derrida y Baudrillard– una revisión histórica y crítica de los conceptos estéticos tradicionales a la luz de la teoría psicoanalítica y sus diálogos con el movimiento surrealista, así como con las concepciones artísticas más contemporáneas (vanguardistas).
Programa de Curso
1.- La inscripción: horizonte semántico y residualidad; Freud: Lo bello y lo siniestro
2.- Las relaciones entre psicoanálisis y estética.
2.1. la seminal monografía de Otto Rank sobre el sueño y la poesía hasta los trabajos de Herbert Marcuse y la Escuela de Frankfurt, se propusieron establecer puntos de contacto entre el psicoanálisis y la estética.
2.- Presencia e incidencia de lo Ominoso en el pensamiento de Freud y Foucault
3.- La hermenéutica freudiana: más allá de la obsesión por los los síntomas neuróticos del artista y de las categorías (motivos ‘freudianos’) de la pulsión y el terror de lo Unheimlichkeit .
3.- El punto de partida del arte contemporáneo: desde la Vanguardias Artísticas: Dadaismo, Surrealismo, etc, hasta la “Escuela de Nueva York” [Action Painting: Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning, etc.]
4.- Francis Bacon; la deriva del yo y el desgarro de la carne». [La Escuela de Londres o La Pintura del desastre]
5.- Lucian Freud: tras los pliegues de la carne, una aproximación al retrato psicológico
6.- Rostros y Máscaras..- Espejo y espejismo. – Lacan y la concepción del estadio del espejo]
7.- El Arte conceptual: Joseph Beuys, de la antropología al concepto ampliado de Arte.
8.- Warhol; Reflexiones entre arte, consumo, acumulación y desperdicio. Los análisis de Bourdieu y Jean Baudrillard
9.- Jacques Derrida: La verdad en pintura. Margenes y Restituciones.
10.- – Rancière El inconsciente estético
10.- Discusiones en torno a la naturaleza de la obra de arte en Heidegger y Chillida: Espacio y vacío. Desierto y Morada.
11. A cualquier cosa llaman arte: Ensayo sobre la falta de lugares. La de(s)función del crítico después del fin del arte.
12.- Nunca fue tan hermosa la Basura; hacia una ‘Estética de lo peor’.
2.-
Analizar los fenómenos artísticos desde su contexto psico-socio-cultural, propiciando un acceso conceptual a la obra de Arte y sus múltiples relaciones con otras disciplinas y áreas tales como el Psicoanálisis, Antropología, Teología, Literatura, Arquitectura, Diseño, Cine y Política. Considerado las obras y objetos de arte como documentos etnográficos de primer orden para el estudio de las sociedades contemporáneas.
Evaluación
1 Prueba Solemne 40 %
1 Trabajo Final 60%
El trabajo podrá abordar cualquiera de los temas arriba descritos y desarrollados en las exposiciones del profesor y en diálogo con los alumnos.
2 horas Clases Expositivas y Discusión socializada
1 hora Trabajo de Investigación | Ponencias | y Proyectos.
2.- Competencia(s) alcanzada(s) al finalizar el Curso.
Objetivos:
El estudiante alcanzará la base teórica necesaria para la comprensión de los problemas centrales de la estética, así como de los debates modernos y contemporáneos en torno a la naturaleza y función de la creación artística.
Examinar el concepto y naturaleza del arte, los conceptos de belleza y fealdad, de armonía e inarmonía, dando cuenta de los problemas y teorías estéticas que tales conceptos han suscitado; posibilitando su revisión histórica y crítica.
Analizar los fenómenos artísticos, la ‘experiencia estética’ – desde su contexto socio-cultural, propiciando un acceso conceptual a la obra de Arte y sus múltiples relaciones con otras disciplinas tales como la Arquitectura, el Diseño, el Urbanismo, la Antropología y la Sociología. Considerado las obras y objetos de arte como documentos etnográficos de primer orden para el estudio de nuestras sociedades occidentales.
3. Contenidos
1. Unidad : El concepto de Belleza en el Pensamiento Clásico. 20 %
Introducción a la naturaleza y alcances de los problemas estéticos.
Imagen y Arte. De lo mítico a lo estético.
La idea clásica de belleza y la fealdad del arte moderno
Del Clasicismo al Manierismo
Ideas en torno a la estetica: de Platon a Hegel
La experiencia estética y el hecho artístico: La obra, el artista, el espectador y la estética de la recepción.
Introducción a la estética del siglo XVIII: Baumgarten, Burke.
Goethe y el problema de la belleza. Idea clásica y romántica.
Hölderlin, Trakl y Heidegger; El habitar poético del hombre.
«Arquitectura, Diseño y Filosofia en Heidegger; Construir, Habitar, Pensar
Heidegger y Sloterdijk: La política como plástica del ser, nacionalsocialismo privado y crítica del imaginario filoagrario.
Ernst Jünger: tempestades de acero o la entrada en escena de los titanes
Heidegger desde Gadamer: Una re-lectura de El origen de la obra de arte
Deconstrucción del museo como proyecto ilustrado.
2.- Unidad: Transformación del concepto de Obra de Arte. 30 %
Fundamentos teóricos de la investigación en cultura visual
Transformación del concepto de obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica en W. Benjamin.
Benjamin y el Proyecto de los Pasajes. Dialécticas arquitectónicas. La crítica de la cultura de masas en Th. Adorno y M. Horkheimer.
F. Nietzsche: la poetización de la filosofía y su dispersión en el lenguaje artístico.
Problematización del concepto de Arte y sus perplejidades ante el enunciado: “Esto es arte”.
De la muerte del arte al postvanguardismo: eclecticismo, citacionismo, fragmentación, ironización y reapropiacionismo.
La irrupción de las vanguardias artísticas y sus Manifiestos.
El movimiento Dadá: historia de una subversión.
El Surrealismo: automatismo, mundo onírico y abolición de la figura del artista tradicional. Escritos y Manifiestos.
Los cornudos del viejo arte moderno.
Lo abyecto y monstruoso del arte de vanguardia.
3. Unidad: Estética Contemporánea: El Arte abandona el museo. ¿A dónde va? 20 %
De la muerte del arte al postvanguardismo: eclecticismo, citacionismo, fragmentación, ironización y reapropiacionismo.
El Arte Conceptual; El artista como teórico y el político como escenógrafo.
Joseph Beuys: cada hombre, un artista ; de la antropología al concepto ampliado de arte.
El Arte abandona el museo. ¿A dónde va?
«Fluxus y Beuys: De la Acción de Arte a la Plástica Social
Museo y poder. La mirada postmoderna. Los recursos postmodernos: citas, parodias, revisiones.
Proust y Deleuze; Signos, Tiempo recobrado y Memoria involuntaria
De cómo Nueva York robó la idea de Arte moderno
Estéticas y prácticas postmodernas. Estética ¿Para qué?
«W. Burroughs; La metáfora viral y sus mutaciones antropológicas.
William Burroughs; Literatura ectoplasmoide y mutaciones antropológicas. Del virus del lenguaje a la psicotopografía del texto
Lucian Freud; tras los pliegues de la carne, una aproximación al retrato psicológico
Francis Bacon; la deriva del yo y el desgarro de la carne
Sloterdijk; Entre rostros, Esferas y Espacio interfacial. Ensayo de una historia natural de la afabilidad
Las Metáforas del Cuerpo en la Filosofía de Jean-Luc Nancy; Nueva carne, cuerpo sin órganos y escatología de la enfermedad
4. Unidad: Estética y Posmodernidad 30 %
Lo estético y el arte en la dialéctica de la modernidad – posmodernidad.
La posmodernidad; a 30 años de la condición postmoderna de Lyotard
Teoría del arte en la esfera pública. El arte y la ciudad.
Sloterdijk y W. Benjamin; El Palacio de Cristal y los shopping-mall como sistemas autorregulados.
Las imágenes híbridas de la posmodernidad y la sobremodernidad. Estética y globalización.
La estética del diseño en la ciudad; la mirada reticular y la mirada fragmentada
Las nuevas categorías de lo posmoderno: fragmentación, simultaneidad y fugacidad
La fotografía y las formas del olvido; del furor de la imagen al frenesí de lo real
El fenómeno de la moda: novedad y simulacro.
La cultura en los nuevos movimientos sociales: pacifismo, ecologistas y feministas.
Postmodernidad, Postvanguardismo y Contracultura.
La moda en la postmodernidad. Deconstrucción del fenómeno «fashion».
Happening, arte conceptual, performances e instalaciones.
Arte minimal.
Música concreta y Registros polifónicos: John Cage
Pina Bausch; Danza Abstracta y Psicodrama Analítico.
De la muerte del arte al postvanguardismo: eclecticismo, citacionismo, fragmentación, ironización y reapropiacionismo.
Jean Baudrillard; alteridad, seducción y simulacro; Cultura, narcisismo y régimen de mortandad en el sistema de los objetos.
La fotografía y las formas del olvido; del furor de la imagen al frenesí de lo real.
Germán Von Appen: ‘Visiones de Valparaíso, entre el Paísaje abstracto y la conmoción de la memoria
Gordon Matta-Clark; Anarquitectura y deconstrucción.
«Ilya Kabakov; El arte de la instalación y el palacio de los proyectos
Individualismo, modernidad líquida y terrorismo hipermoderno; de Bauman a Sloterdijk
Alfredo Jaar; el secuestro de las imágenes y el Proyecto Ruanda
Peter Sloterdijk y Walter Benjamin; Air Conditioning en el Mundo interior del Capital.
Peter Sloterdijk: Temblores de aire, atmoterrorismo y crepúsculo de la inmunidad
«Peter Sloterdijk y W. Benjamin; El Palacio de Cristal y los shopping-mall como sistemas autorregulados.
El vértigo de la sobremodernidad: “no lugares”, espacios públicos y figuras del anonimato
Sloterdijk y el imaginario de la Globalización. Mundo sincrónico y conciertos de transferencia.
Vásquez Rocca, Adolfo, International-conference «Psicopolítica en Sloterdijk y Virilio; El vértigo de la sobremodernidad; ciudades del pánico y turismo etnográfico”. TRIENAL DE ARQUITECTURA DE LISBOA | LISBON ARCHITECTURE TRIENNALE 15 – 16 de Enero, 2011.
4. Evaluación
2 Pruebas Solemnes. 30% cada una
Trabajos de Investigación y Ensayo 40 %
5. Bibliografía Obligatoria.
– MARCHÁN FIZ, S.: La estética en la cultura moderna. De la Ilustración a la crisis del estructuralismo, Barcelona, Gustavo Gili, 1982
BOZAL, V. (ed.): Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas, 2 vols., Madrid, Visor La balsa de la Medusa, 1996.
6.- Bibliografía complementaría:
BRETON, André 1896-1966, «Manifiestos del surrealismo», Madrid Visor Libros D.L. 2002.
BAUDRILLARD, Jean, El complot del arte. Ilusión y desilusión estéticas.
BÜRGER, Peter., Teoría de la vanguardia, Barcelona Península 2000.
KRAUSS, Rosalind E., «La originalidad de la vanguardia y otros mitos modernos», Madrid Alianza D.L. 1996.
MARCHÁN FIZ, Simón., «Las Vanguardias históricas y sus sombras (1917-1930)», Madrid Espasa-Calpe 1996.
ADORNO, Theodor: Teoría Estética . Editorial Taurus, Madrid, 1990.
BAUDRILLARD, Jean: La transparencia del mal (Ensayo sobre los fenómenos extremos). Anagrama, Barcelona, España, 1991.
BENJAMÍN, Walter: “La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica”. En Discursos Interrumpidos, I. Editorial Taurus, Madrid, 1990.
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización”, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. 221 páginas | I.S.B.N.: 978-84-7822-523-1
Artículos:
Artículo: “La crisis de las Vanguardias artísticas y el debate Modernidad-Postmodernidad”, En Arte, Individuo y Sociedad. Revista Científica de la Facultad de Bellas Artes, UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID – Año 2005 – vol. 17, pp.133 – 154. Adolfo Vásquez Rocca . ISSN 1131-5598
Artículo: “El giro estético de la epistemología; La ficción como conocimiento, subjetividad y texto”, en Revista AISTHESIS, Instituto de Estética de la PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATÓLICA DE CHILE, PUC, Nº 40, 2006. A. Vásquez Rocca
“El vértigo de la sobremodernidad: turismo etnográfico y ciudades del anonimato”, En REVISTA DE HUMANIDADES, Nº 22, 2007, pp. 211-223 – Tecnológico de Monterrey– ISSN 1405-4167, México. Disponible en:
Vásquez Rocca, Adolfo, “Estética de la virtualidad y deconstrucción del museo como proyecto ilustrado”, En NÓMADAS: revista crítica de ciencias sociales , UNIVERSIDAD COMPLUTENSE de Madrid ISSN 1578-6730, Nº. 20, 2008 , pags. 417-426.
CURSO : Estética Fundamentos Culturales de la Comunicación V
CÓDIGO : HUF 347
PRERREQUISITO : HUF247
TIPO DE ACTIVIDAD : Teórica
HORAS SEMANALES : 3
2. OBJETIVOS
Competencias alcanzadas al finalizar el curso
Generales
Adquirir la capacidad apreciativa y valórica asociada a la creación artística.
La Teoría e Historia del Arte es una disciplina científica y humanística que tiene como objetivo principal estudiar la producción artística y la imagen a lo largo de la historia y sus contextos, los procesos de creación y recepción y los discursos sobre el arte y la teoría artística. Desde ese punto de vista, este programa busca complementar el estudio de la obra de arte en sus diversas facetas, contextualizando sus horizontes de sentido y su relación con la cultura en general.
Este programa les permitirá los alumnos adquirir conocimientos adecuados para relacionarlos reflexivamente con su praxis, así como y también para ser capaces de guiar un curso en el ámbito de las disciplinas que componen su profesión o especialidad.
Conocer las etapas destacadas de la Historia del Arte.
Desarrollar la percepción para fomentar el crecimiento personal a través del Arte.
Específicos
Conocer la evolución artística de la Humanidad y sus hitos más relevantes.
El Curso está orientado a la reflexión en torno a las expresiones artísticas, su historia, sus discursos y relación con las claves culturales de la sociedad en que se generan. Los estudiantes obtendrán conocimientos en torno a la teoría e historia del arte, con énfasis a los lenguajes contemporáneos, y adquirirán herramientas con las cuales interpretar y comprender los diversos códigos y problemáticas que plantean los objetos artísticos.
Ser capaz de sustentar opinión y reflexión propias sobre el fenómeno artístico.
Qué el alumno conozca y reflexione sobre los fundamentos disciplinares de la Estética General.
Que el alumno conozca los diversos períodos de la Historia del Arte Occidental, sus obras, sus artistas y sus propuestas.
3. Contenidos
La expresión artística como lenguaje inherente al proceso creativo del ser humano.
Primeras formas de expresión artística (la Prehistoria y Arte Rupestre).
Símbolo, rito y mito en el arte primitivo.
De lo mítico a lo estético.
Arte y espacio: el arte en las primeras civilizaciones.
Desarrollo de los primeros géneros artísticos en la antigüedad.
Estética Antropológica: La cuestión del primitivismo en el arte contemporáneo.
Mesopotamia, urbanización y primeras formas arquitectónicas.
Ciudades, arquitectura y espacio urbano
Los problemas de las ciudades: urbs, civitas y polis
Cultura Sumeria y las primeras formas de arte monumental.
China e India: cuerpo, símbolo y creencia.
Cultura del Nilo y el arte del papiro.
Del papiro a la imprenta
Evolución de la prensa escrita desde el papiro hasta Internet
El Hipertexto y las nuevas retóricas
La épica en el mundo antiguo: lo heroico
El arte griego a partir del análisis de “El nacimiento de la tragedia” (Nietzsche)
La religión y espiritualidad en el arte.
Mitología clásica y arte pagano.
El templo en el arte oriental.
Monoteísmo y el Arte Cristiano en el periodo monástico.
Iconografía en el Arte Bizantino.
Arte Islámico y su influencia en el arte no objetivo.
Arte Románico y su influencia en el Arte Gótico.
La estética del Gótico
El simbolismo en las artes visuales
El teatro como extensión de las celebraciones religiosas
Del Teatro griego a la Commedia Dell´Arte
Sobre la Dramaturgia y el espacio
El renacimiento y su influencia en la modernidad.
Arte Italiano y el modelo neoplatónico.
El arte secular y su influencia de oriente.
El modelo cortesano en la estilización del arte.
Filosofía y escuelas de arte en la modernidad.
El racionalismo y la influencia de la Revolución Industrial en la modernidad.
Revolución Francesa y el surgimiento del Neoclasicismo.
El Romanticismo y el exotismo.
Lo mundano en el Realismo del siglo XIX.
El impresionismo y la ruptura de la academia.
El Arte en la era moderna.
Las Vanguardias artísticas del siglo XX
El Cubismo, una nueva óptica en el mundo moderno.
El arte rupturista y sus inicios en el expresionismo.
El Surrealismo europeo.
Dadaismo
Las primeras escuelas modernas y su influencia en el mundo tecnológico.
La Belle Epoque y su influencia en el arte aplicado, Art Nouveau, Art Deco, Bauhaus.
Oriente-Occidente-Oriente.
Mesoamérica y los albores del Arte Precolombino.
Era de la Conquista y el Renacimiento Español.
El Barroco y las Escuelas Americanas.
Mestizaje en el arte del Nuevo Mundo.
El Realismo Social y su influencia en Latinoamérica.
Revolución Mexicana.
El constructivismo
El formalismo ruso
Ilya Kabakov: el conceptualismo ruso.
El constructivismo y la influencia soviética.
El arte y la cultura afro
Arte chicano-ciber-punk
Instalaciones, huellas y ruinas; el arte en tiempos de indigencia.
Arte Latinoamericano.
El Boom
Cine Arte en el Exilio
América nuevo centro del arte moderno.
Peggy Guggenheim y la apertura al modernismo europeo.
Escuela de Chicago y el objetivismo americano.
Utopía del sueño americano.
Escuelas de Nueva York y el Expresionismo Abstracto.
El Pop y la masificación del arte.
Los nuevos parámetros del arte ambiental: performance, instalación, earth movement, border art, body art, urban art, etc.
El Arte en la Europa de post-guerra.
El Dadaísmo y su influencia en el arte político.
La muerte de la pintura.
Joseph Beuys y la apertura al arte conceptual.
El Neoexpresionismo y la Escuela de Berlín.
Arte Etnico y la comunidad global.
Arte y Comunicaciones en la era digital.
Tecnología y lenguaje binario.
La informática y el fenómeno comunicacional.
El soporte electrónico como fusión de géneros artísticos.
Fragmentación del fenómeno artístico.
La transversalidad y diversidad en el post modernismo.
“¿Qué diferencia hay entre dos cosas exactamente iguales, una de las cuales es arte y la otra no?” Arthur Coleman Danto, filósofo y crítico de arte, plantea la pregunta que provocó la obra de Andy Warhol, y el modo en que este artista invalidó definitivamente todo el canon de la estética filosófica habido hasta entonces.
Warhol quería crear un arte del que la gente común hablara sin necesidad de haberlo visto. Coca-colas, cajas Brillo, latas de sopa Campbell’s, Marilyn Monroe o Elvis, eran imágenes de la cultura popular americana, iconos fácilmente reconocibles por cualquier persona, que nada tenían que ver con la complejidad del expresionismo abstracto que reinaba durante el nacimiento del pop-art. A pesar su apariencia superficial, este arte tenía, unas veces, trasfondo político y, otras, religioso. Los críticos en Europa, principalmente los de izquierdas, consideraban que satirizaba la cultura capitalista; sin embargo, el arte de Warhol era patriótico y laudatorio. Le interesaba sobremanera lo cotidiano y los objetos, las obsesiones y preocupaciones de la conciencia común como los anuncios de remedios contra la calvicie, el sobrepeso u otros defectos físicos que se asemejan a las religiones basadas en el “sufrimiento y en su alivio radical”. Estos anuncios que se presentaron en gran formato en el escaparate de Bonwit Teller en 1961, marcaron un antes y un después en su obra.
Mucha de su inspiración la recibía de los personajes excéntricos que vivían o pasaban por el “decorado” de la Silver Factory. Artistas, gente guapa pero también perdida, drogas, sexo, fama, estilo, música y cine underground; todo junto a la producción repetitiva, casi industrial, de su arte, se aunaba entre las paredes de este singular espacio. Valerie Solanas, una mujer culta, y loca más que excéntrica, disparó a Warhol en 1967, quien estuvo al borde de la muerte y cuyo atentado consiguió que aumentara sus precios y su reputación. Después de este suceso y de la demolición de la Silver Factory, Warhol comenzó una nueva etapa con Andy Warhol Enterprises, convirtiéndose en artista empresario. Sin embargo, su proyecto artístico no varió significativamente, pudiéndose agrupar en dos direcciones: el nivel de los “miedos y agonías” (siniestros, suicidios, ejecuciones, complejos y preocupaciones) y el nivel de las bellezas la fama y “glamour” (Marilyn, Liz Taylor, Elvis o Jesús, entre otros).
Warhol revolucionó el arte, expandió sus límites y se convirtió en un icono de la cultura americana: en una obra de arte más. Él era la exposición.
Preinscripción – Reserva: contacto@sistemascomplejos.cl
Instituto de Sistemas Complejos de Valparaíso – Subida Artillería 470, Valparaíso – 56-32-2339217 – contacto@sistemascomplejos.cl
Conferencia y Coloquio: Arteterapia
CICLO Conversatorio: “DIÁLOGOS CONTEMPORÁNEOS SOBRE EL FENÓMENO HUMANO”
EXPOSITORES:
Dra. Javiera Hauser Dacer
Doctora en Aplicaciones del Arte en la Integración Social – Máster en Estudios Interdisciplinares de Género, Universidad Autónoma de Madrid – Universidad de Chile. Presidenta de la Asociación Chilena de Arte Terapia (ACAT)
Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Doctor en Filosofía y Teoría de las Artes – Pontificia Universidad Católica de Valparaíso PUCV – Universidad Complutense de Madrid UCM
Miembro de la Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes.
CV Académico: http://www.danoex.net/adolfovasquezrocca.html
Jueves 24 de Septiembre 17:00 hrs.
Entrada Liberada: 40 CUPOS
RESERVAR ↓
Preinscripción – Reserva: contacto@sistemascomplejos.cl
Instituto de Sistemas Complejos de Valparaíso – Subida Artillería 470, Valparaíso – 56-32-2339217 – contacto@sistemascomplejos.cl
“Aunque conozcamos todas las miserias que nos tocan, que nos aprietan el cuello, tenemos un instinto que no podemos reprimir, que nos eleva.”
Blaise Pascal. Pensamientos
PROGRAMA
El Instituto de Sistemas Complejos de Valparaíso (ISCV), en colaboración con la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Valparaíso, tienen el agrado de invitarle al conversatorio “Ideas, sentimientos y acciones: diálogos contemporáneos sobre el fenómeno humano”, actividad que se realizará mediante dos sesiones mensuales, los días jueves a las 17:00 horas, en dependencias del ISCV.
Tal parece que el espíritu de nuestro tiempo, aquel ritmo frenético y caótica dirección, aleja al librepensador de la reflexión profunda, y margina al artista de la inspiración natural. Más aún, que sobre una superficie de sensaciones y quehaceres triviales, el individuo corriente flota, absorto, preso de sus propias necesidades. Pues bien, es momento de reivindicar, mediante la fuerza de la palabra, el mundo de las ideas, la dimensión del sentimiento y el poder de la acción. Hemos de conjugar, entonces, las Ciencias, las Humanidades y las Artes en un lenguaje común, como sendos brazos de un árbol antiguo cuyas raíces se extienden desde el alma hasta la piel.
Sin más elementos que la maestría del orador, la inquietud de la pregunta y la firmeza de la respuesta, se fraguan el diálogo fructífero y el aprendizaje enriquecedor, toda vez que el hombre y la mujer, ávidos de sabiduría, dirigen la mirada desde sí hacia el mundo.
Con la humildad de quien ignora y la paciencia del que adoctrina, ¡Fiat lux!
PROGRAMA
El Instituto de Sistemas Complejos de Valparaíso (ISCV), en colaboración con la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Valparaíso, tienen el agrado de invitarle al conversatorio “Ideas, sentimientos y acciones: diálogos contemporáneos sobre el fenómeno humano”, actividad que se realizará mediante dos sesiones mensuales, los días jueves a las 17:00 horas, en dependencias del ISCV.
Jueves 06 de Agosto: “Filosofía Moral, Ciencias Cognitivas y Neurobiología: planos de observación en el análisis de la consciencia humana”.
Jueves 13 de Agosto: “Observación del Habitar y modos de pensamiento en Arquitectura”.
Jueves 03 de Septiembre: “Geometría Fractal y Teoría del Caos: las ciencias de la complejidad”.
Jueves 24 de Septiembre: “Arte y Salud Mental: la estética como dimensión terapéutica”.
Jueves 08 de Octubre: “El enigma del sueño: aportes desde la cronobiología, la neurofisiología y el análisis de señal”.
Jueves 29 de Octubre: “Voluntad humana y libre albedrío: perspectivas en Filosofía de la Mente y Neurociencia Cognitivas”.
Jueves 12 de Noviembre: “Pragmatismo y Capitalismo: claves político-económicas de la vida social”.
Jueves 26 de Noviembre: “Epistemología y Epidemiología en Psiquiatría: hacia una psicopatología descriptiva”.
Jueves 10 de Diciembre: “Darwinismo y Sociobiología: la posibilidad del altruismo frente a la selección natural”.
Jueves 17 de Diciembre: “Misticismo, Ciencia y Religión: el concepto del alma en el Siglo XXI”.
EL ARTE COMO TERAPIA _ PERFORMANCE, INCONSCIENTE Y SUBLIMACIÓN EN PSICOTERAPIA. LA FUNCIÓN TERAPÉUTICA DE LA FILOSOFÍA Y EL ARTE CONCEPTUAL_ PSICOMAGIA Y CHAMANISMO _ DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA ISCV
CICLO ISCV ARTE TERAPIA DIÁLOGOS
CONTEMPORÁNEOS SOBRE EL FENÓMENO HUMANO
«Conjeturas sobre el animal que topa consigo, se propone lo grande, a menudo no avanza un paso y, a veces, esta harto de todo”.
Ciclo ISCV Arte Terapia Ideas, sentimientos y acciones: diálogos contemporáneos sobre el fenómeno humano
ISCV ARTE TERAPIA LA ESTÉTICA COMO DIMENSIÓN TERAPÉUTICA Dr. Adolfo Vásquez y Javiera Hauser
Los convocamos a un espacio de Conversación sobre Arteterapia, donde tomaremos el Arte como un camino que nos facilite encontrar nuevas herramientas, dentro de un contexto Psicoterapéutico de promoción y prevención en Salud Mental. Tomaremos de las Neurociencias el concepto del funcionamiento cerebral en Red, por donde sabemos, transitan nuestras ideas, recuerdos, deseos y emociones, para poder así relacionarlo con el concepto de Red que forman los distintos lenguajes del Arte a través del movimiento, los gestos, la voz, las formas, los colores, los sonidos, la memoria y la palabra reencantada.
ARTE TERAPIA: LA ESTÉTICA COMO DIMENSIÓN TERAPÉUTICA _ ARTETERAPIA DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA ISCV CICLO: «DIÁLOGOS CONTEMPORÁNEOS SOBRE EL FENÓMENO HUMANO”
RESERVAR ↓Preinscripción – Reserva: contacto@sistemascomplejos.clInstituto de Sistemas Complejos de Valparaíso – Subida Artillería 470, Valparaíso – 56-32-2339217 – contacto@sistemascomplejos.clConferencia y Coloquio: ArteterapiaCICLO Conversatorio: “DIÁLOGOS CONTEMPORÁNEOS SOBRE EL FENÓMENO HUMANO”EXPOSITORES:Dra. Javiera Hauser Dacer Doctora en Aplicaciones del Arte en la Integración Social – Máster en Estudios Interdisciplinares de Género, Universidad Autónoma de Madrid – Universidad de Chile. Presidenta de la Asociación Chilena de Arte Terapia (ACAT)Dr. Adolfo Vásquez RoccaDoctor en Filosofía y Teoría de las Artes – Pontificia Universidad Católica de Valparaíso PUCV – Universidad Complutense de Madrid UCM Miembro de la Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes.CV Académico: http://www.danoex.net/adolfovasquezrocca.htmlJueves 24 de Septiembre 17:00 hrs.Entrada Liberada: 40 CUPOSRESERVAR ↓Preinscripción – Reserva: contacto@sistemascomplejos.cl
ARTE TERAPIA: LA ESTÉTICA COMO DIMENSIÓN TERAPÉUTICA _ ARTETERAPIA DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA ISCV CICLO: «DIÁLOGOS CONTEMPORÁNEOS SOBRE EL FENÓMENO HUMANO”
Preinscripción – Reserva: contacto@sistemascomplejos.cl
Instituto de Sistemas Complejos de Valparaíso – Subida Artillería 470, Valparaíso – 56-32-2339217 – contacto@sistemascomplejos.cl
Conferencia y Coloquio: Arteterapia
CICLO Conversatorio: “DIÁLOGOS CONTEMPORÁNEOS SOBRE EL FENÓMENO HUMANO”
EXPOSITORES:
Dra. Javiera Hauser Dacer
Doctora en Aplicaciones del Arte en la Integración Social – Máster en Estudios Interdisciplinares de Género, Universidad Autónoma de Madrid – Universidad de Chile. Presidenta de la Asociación Chilena de Arte Terapia (ACAT)
Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Doctor en Filosofía y Teoría de las Artes – Pontificia Universidad Católica de Valparaíso PUCV – Universidad Complutense de Madrid UCM
Miembro de la Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes.
CV Académico: http://www.danoex.net/adolfovasquezrocca.html
Jueves 24 de Septiembre 17:00 hrs.
Entrada Liberada: 40 CUPOS
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El ser humano es por sí mismo creador, la tarea del artista no es, en su raíz, distinta a la de los no artistas.
“Cada hombre es un artista. En cada hombre existe una facultad creadora virtual. Esto no quiere decir que cada hombre sea un pintor o un escultor, sino que existe una creatividad latente en todas las esferas del trabajo humano”.( Joseph Beuys 1921-1986, fue un artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como pintura, escultura, performance, happening, vídeo e instalación. Su mayor logro fue la socialización que consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de publico).
ARTE TERAPIA: LA ESTÉTICA COMO DIMENSIÓN TERAPÉUTICA _ ARTETERAPIA DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA ISCV CICLO: «DIÁLOGOS CONTEMPORÁNEOS SOBRE EL FENÓMENO HUMANO”
DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA Y JAVIERA HAUSER ARTETERAPIA ISCV INSTITUTO DE SISTEMAS COMPLEJOS DE VALPARAÍSO ISCV ARTE TERAPIA LA ESTÉTICA COMO DIMENSIÓN TERAPÉUTICA Dr. Adolfo Vásquez y Dra. Javiera Hauser
“Aunque conozcamos todas las miserias que nos tocan, que nos aprietan el cuello, tenemos un instinto que no podemos reprimir, que nos eleva.”
Blaise Pascal. Pensamientos
Programa
El Instituto de Sistemas Complejos de Valparaíso (ISCV), en colaboración con la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Valparaíso, tienen el agrado de invitarle al conversatorio “Ideas, sentimientos y acciones: diálogos contemporáneos sobre el fenómeno humano”, actividad que se realizará mediante dos sesiones mensuales, los días jueves a las 17:00 horas, en dependencias del ISCV.
Tal parece que el espíritu de nuestro tiempo, aquel ritmo frenético y caótica dirección, aleja al librepensador de la reflexión profunda, y margina al artista de la inspiración natural. Más aún, que sobre una superficie de sensaciones y quehaceres triviales, el individuo corriente flota, absorto, preso de sus propias necesidades. Pues bien, es momento de reivindicar, mediante la fuerza de la palabra, el mundo de las ideas, la dimensión del sentimiento y el poder de la acción. Hemos de conjugar, entonces, las Ciencias, las Humanidades y las Artes en un lenguaje común, como sendos brazos de un árbol antiguo cuyas raíces se extienden desde el alma hasta la piel.
Sin más elementos que la maestría del orador, la inquietud de la pregunta y la firmeza de la respuesta, se fraguan el diálogo fructífero y el aprendizaje enriquecedor, toda vez que el hombre y la mujer, ávidos de sabiduría, dirigen la mirada desde sí hacia el mundo.
Con la humildad de quien ignora y la paciencia del que adoctrina, ¡Fiat lux!
PROGRAMA
El Instituto de Sistemas Complejos de Valparaíso (ISCV), en colaboración con la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Valparaíso, tienen el agrado de invitarle al conversatorio “Ideas, sentimientos y acciones: diálogos contemporáneos sobre el fenómeno humano”, actividad que se realizará mediante dos sesiones mensuales, los días jueves a las 17:00 horas, en dependencias del ISCV.
Jueves 06 de Agosto: “Filosofía Moral, Ciencias Cognitivas y Neurobiología: planos de observación en el análisis de la consciencia humana”.
Jueves 13 de Agosto: “Observación del Habitar y modos de pensamiento en Arquitectura”.
Jueves 03 de Septiembre: “Geometría Fractal y Teoría del Caos: las ciencias de la complejidad”.
Jueves 24 de Septiembre: “Arte y Salud Mental: la estética como dimensión terapéutica”.
Jueves 08 de Octubre: “El enigma del sueño: aportes desde la cronobiología, la neurofisiología y el análisis de señal”.
Jueves 29 de Octubre: “Voluntad humana y libre albedrío: perspectivas en Filosofía de la Mente y Neurociencia Cognitivas”.
Jueves 12 de Noviembre: “Pragmatismo y Capitalismo: claves político-económicas de la vida social”.
Jueves 26 de Noviembre: “Epistemología y Epidemiología en Psiquiatría: hacia una psicopatología descriptiva”.
Jueves 10 de Diciembre: “Darwinismo y Sociobiología: la posibilidad del altruismo frente a la selección natural”.
Jueves 17 de Diciembre: “Misticismo, Ciencia y Religión: el concepto del alma en el Siglo XXI”.
CICLO ISCV ARTE TERAPIA DIÁLOGOS CONTEMPORÁNEOS SOBRE EL FENÓMENO HUMANO
«Conjeturas sobre el animal que topa consigo, se propone lo grande, a menudo no avanza un paso y, a veces, esta harto de todo”.
Ciclo ISCV Arte Terapia Ideas, sentimientos y acciones: diálogos contemporáneos sobre el fenómeno humano
ARTE TERAPIA: LA ESTÉTICA COMO DIMENSIÓN TERAPÉUTICA _ ARTETERAPIA DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA ISCV CICLO: «DIÁLOGOS CONTEMPORÁNEOS SOBRE EL FENÓMENO HUMANO”
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Revista Observaciones Filosóficas
http://www.observacionesfilosoficas.net/nactual.html
Editorial
Revista Observaciones Filosóficas – Nº 15 – 2012 – 2013
Nº 15 Número Actual
Figuras del desasosiego moderno. Homenaje a un Filósofo invicto: Jacobo Muñoz Veiga
Revista Observaciones Filosóficas
Revistas y Seminarios de Filosofía | Libros | Traducciones | Entrevistas
Artículos Relacionados
Autores: Peter Sloterdijk
Proyecto de Investigación: “Sloterdijk: Ensayos de intoxicación voluntaria y constitución psico-inmunitaria de la naturaleza humana”. Theoria – UCM
Dr. Adolfo Vásquez Rocca – Universidad Andrés Bello – Universidad Complutense de Madrid
Este ‘paper’ es parte del Proyecto de Investigación 2012 “Sloterdijk; Esferas, Antropología de las comunicaciones, concierto de transferencias e historia de la fascinación de proximidad”. Desarrollado a través del Consejo Nacional de Innovación para la Competitividad (CNIC) y el Grupo THEORIA – Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado –UCM. –Eastern Mediterranean University – Academia.edu.
Investigador Responsable: Adolfo Vásquez Rocca PHD.
Doctor en Filosofía. Profesor Asociado al Grupo Theoria – Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado – UCM. Universidad Complutense de Madrid.
Eastern Mediterranean University – Academia.edu.
Académico Investigador de la Vicerrectoría de Investigación y Postgrado UNAB. –Investigador Asociado y Profesor adjunto de la Escuela Matríztica de Santiago.
Título:
“Peter Sloterdijk: Experimentos con uno mismo, ensayos de intoxicación voluntaria y constitución psico-inmunitaria de la naturaleza humana”
Se indaga en torno a la intoxicación voluntaria, dentro de un programa general encaminado a la experimentación con el propio cuerpo, método que encuentra sus fundamentos en la idea de la medicina romántica donde, según Sloterdijk, los efectos de las dosis en el hombre sano y el enfermo se reflejaban de manera especular. Es aquí donde se origina una ambiciosa semiótica de la medicación farmacológica, no sólo del endomorfinismo de la especulación, sino también de mecanismos endocrinos o quimioéticos.
Sloterdijk se refiere a un proceso de intoxicación voluntaria en referencia al creador de la homeopatía, Samuel Hahnemann, como inventor de una micropolítica de la subjetividad. De la misma manera que el homeópata, según Hahnemann, debe intoxicarse a sí mismo antes de poder dar consejo alguno, el teórico político debe estar dispuesto a arriesgar su identidad en la práctica.
Sloterdijk al referirse a este tipo de “experimentos con uno mismo”, no piensa en un experimento de vivisección en las propias carnes, ni tampoco en la psicosis romántica del psicoanálisis, sino que más bien hace referencia, a un fenómeno perteneciente a la historia de la medicina moderna, el movimiento homeopático, que se remonta a hace más de doscientos años y cuya eficacia se verifica en tratamientos terapéuticos -con propuestas médicas adecuadas- capaces de tratar la neurosis moderna. Se examina y discute la convicción heterodoxa de que el médico estaría obligado a intoxicarse a sí mismo con todo lo que él más tarde iba a prescribir a los enfermos. De esta reflexión procede el concepto de experimento con uno mismo: quien quiera ser médico necesita previamente ser cobaya, esto es ser su propio conejillos de Indias.
El autor valioso y útil es el que se contamina él mismo con las materias con las que trabaja, sustancias de alto contenido tóxico, este planteamiento no ha cambiado. Kafka, Musil, Broch, Burroughs todos los grandes del siglo XX, también han sido maestros del pensamiento peligroso.
Descargar texto completo
Base de Datos Investigación Peter Sloterdijk – Revista Observaciones Filosóficas:
Url. http://www.observacionesfilosoficas.net/indexpetersloterdijk.htm
Como Citar:
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “Peter Sloterdijk: Experimentos con uno mismo, ensayos de intoxicación voluntaria y constitución psico-inmunitaria de la naturaleza humana”, Artículo –paper– Proyecto de Investigación – CNIC – Consejo de Ciencia – THEORIA – UCM+Madrid. En Revista Observaciones Filosóficas, ISSN 0718-3712, Sección Documentos: Url: http://www.observacionesfilosoficas.net/ensayosdeintoxicacion.htm
Director: Adolfo Vásquez Rocca | Revista Observaciones Filosóficas © 2005 – 2013 DanoEX
Revista Observaciones Filosóficas
Jacobo Muñoz Veiga
Dr. Adolfo Vásquez Rocca
– VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, «SLOTERDIJK Y EL IMAGINARIO DE LA GLOBALIZACIÓN. MUNDO SINCRÓNICO Y CONCIERTOS DE TRANSFERENCIA», En NÓMADAS, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – Universidad Complutense de Madrid, Nº 24 | Julio-Diciembre.2009 (II) pp. 301-312
<http://www.ucm.es/info/nomadas/24/avrocca2.pdf>
Debate octobre 15th, 2012
Vídeo
<http://www.youtube.com/watch?v=uk0wJUO3Rjg>
Subtitulado español – Revista Observaciones
ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
Adolfo Vásquez Rocca Doctor en Filosofía y Arte
Adolfo Vásquez Rocca y Rosi López Martínez
Peter Sloterdijk Por Adolfo Vásquez Rocca
Sloterdijk; Ensayos de intoxicación voluntaria e inmunología especulativa
Dr. Adolfo Vásquez Rocca – Universidad Andrés Bello – Universidad Complutense de Madrid
Jean-Luc Nancy: Téchne de los cuerpos y apostasía de los organos; El intruso, ajenidad y reconocimiento
Dr. Adolfo Vásquez Rocca – Universidad Andrés Bello – Universidad Complutense de Madrid
La transformación del fenómeno. Aspectos de la relación filosófico-biográfica entre Heidegger y Husserl
Dr. Ángel Xolocotzi Yáñez – Benemérita Universidad Autónoma de Puebla
Zygmunt Bauman; Modernidad Líquida y Fragilidad Humana
Dr. Adolfo Vásquez Rocca – PUCV – Universidad Andrés Bello
Transmodernidad; La globalización como totalidad transmoderna
Dra. Rosa María Rodríguez Magda – Universidad de Valencia
La Posmodernidad; nuevo régimen de verdad, violencia metafísica y fin de los metarrelatos
Dr. Adolfo Vásquez Rocca – PUCV – Universidad Andrés Bello
El Feminismo Sitiado. Corrientes y debates en la España actual
Dra. Rosa María Rodríguez Magda – Institución Alfons el Magnànim, Valencia
Foucault: Microfísica del poder y constitución de la subjetividad; discurso-acontecimiento y poder-producción
Mag. Liliana Vásquez Rocca – Universidad Andrés Bello – PUCV
Sloterdijk y la ontogénesis del ser humano; la planta y el animal que hay en nosotros
Dra. Carolina Villagrán M. – Universidad de Chile – University of Gottingen
Normas para el Parque Humano. Una respuesta a la “Carta sobre el Humanismo”
Historiografía de la locura. El péndulo de la historia
Tanatopolitica. Una aproximación a la administración de la muerte; De Foucault a Agamben
Dra. María Celeste Perosino – Universidad de Buenos Aires – UBA
Los caprichos del vacío: entre la fenomenología de la ausencia y la metafísica de la simulación
Dra. Rosa María Rodríguez Magda – Universidad de Valencia
Arte de género: cuerpos profanados y fenómenos andróginos
Dra. Nieves Febrer – Universidad de Valladolid
Jean-Luc Nancy e le arti plurali; Il nesso tra ontologia e estetica
Dra. Chiara Tinnirello – Accademia Di Belle Arti Val di Noto
Roberto Bolaño: Elegía y alegría
Dr. Chris Andrews – Universidad de Western Sydney
Transformaciones lingüísticas como transformaciones ontológicas o El camino secreto de las palabras
Dra. Rebeca Maldonado Rodriguera – UNAM
Angustia, melancolía y creatividad: el caso del poeta Rainer María Rilke
Dr. Otto Dörr Zegers – Universidad de Chile
El espectro de la ideología
Dr. Slavoj Žižek – Universidad París VIII
¿La política occidental es co-originariamente biopolítica? Agamben frente a Foucault y Arendt
Dr. Adriano Correia – Universidad Federal de Goiás, Brasil
Multiculturalismo y la Globalización; entre el fin de la historia y la reescritura de la historia
Mtro. José Antonio Mateos Castro – Universidad Autónoma de Tlaxcala, México
El concepto de fe en Kant y Fichte
Dr. Hugo Renato Ochoa D. – P. Universidad Católica de Valparaíso
El pragmatismo consecuente en K. Popper
Dr. Mirko Skarica – Pontificia Universidad Católica de Valparaíso
Ensayo de una Crítica a toda Revelación de Johann Gottlieb Fichte
Traducción y notas Dr. Hugo Renato Ochoa Disselkoen
El enlace hombre-mundo. (Exploración filosófico-existencial en la perspectiva de Jaspers)
Dr. Cristóbal Holzapfel – Universidad de Chile
Foucault, Derrida, Deleuze y Cía. y las mutaciones de la vida intelectual en Estados Unidos
Dr. Carlos Muñoz Gutiérrez – Universidad Complutense de Madrid
Revista Observaciones Filosóficas
Peter Sloterdijk Por Adolfo Vásquez Rocca
– VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “EN TORNO AL DISEÑO DE LO HUMANO EN SLOTERDIJK: DE LA ONTOTECNOLOGÍA A LAS FUENTES FILOSÓFICAS DEL POSTHUMANISMO”, En LA LÁMPARA DE DIÓGENES, Revista de Filosofía, BUAP, Año 13, Números 24 y 25, Vol. 13 – enero-junio 2012 – julio-diciembre 2012, pp.
PETER SLOTERDIJK: NORMAS PARA EL PARQUE HUMANO Y CULTURAS POST-HUMANÍSTICAS POR ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
Revista Observaciones Filosóficas
Revista Observaciones Filosóficas
Revista Observaciones Filosóficas
REVISTA OBSERVACIONES FILOSÓFICAS Nº 15 2012 – 2013 REVISTA DE FILOSOFÍA CONTEMPORÁNEA FULL INDEXADA Director Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Peter Sloterdijk Por Adolfo Vásquez Rocca
– VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “EN TORNO AL DISEÑO DE LO HUMANO EN SLOTERDIJK: DE LA ONTOTECNOLOGÍA A LAS FUENTES FILOSÓFICAS DEL POSTHUMANISMO”, En LA LÁMPARA DE DIÓGENES, Revista de Filosofía, BUAP, Año 13, Números 24 y 25, Vol. 13 – enero-junio 2012 – julio-diciembre 2012, pp. 127 – 140
<http://www.ldiogenes.buap.mx/revistas/24/127.pdf>
– SEMINARIO INTERNACIONAL:
PETER SLOTERDIJK: NORMAS PARA EL PARQUE ZOOLÓGICO-TEMÁTICO HUMANO, CULTURAS POST-HUMANÍSTICAS Y CAPITALISMO CÁRNICO CONTEMPORÁNEO
Adolfo Vásquez Rocca – Doctor en Filosofía Contemporánea y Arte Moderno
Adolfo Vásquez Rocca – Dialnet
Adolfo Vásquez Rocca
– VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “FOUCAULT: ‘LOS ANORMALES’; UNA GENEALOGÍA DE LOS MONSTRUOSO. APUNTES PARA UNA HISTORIAGRAFÍA DE LA LOCURA«, En NÓMADAS, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas – UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID, Nº 34 – 2012 (2), pp. 403 – 420
<http://pendientedemigracion.ucm.es/info/nomadas/34/adolfovrocca.pdf>
Revista Observaciones Filosóficas
REVISTA OBSERVACIONES FILOSÓFICAS Nº 15 2012 – 2013 REVISTA DE FILOSOFÍA CONTEMPORÁNEA FULL INDEXADA Director Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Adolfo Vásquez Rocca – Dialnet
Filosofía Contemporánea
PETER SLOTERDIJK: ANTROPOTÉCNICAS Y HOMO IMMUNOLOGICUS Dr. Adolfo Vásquez Rocca
– VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “Peter Sloterdijk: Antropotécnicas y Homo immunologicus; o la Autoplastia como espacio auto-operativo, endo-retórico y socio-inmunitario”, En Revista Observaciones Filosóficas – Nº 15 / 2012 – 2013 http://www.observacionesfilosoficas.net/petersloterdijk-antropotecnicas.htm
Dr. Adolfo Vásquez Rocca – Universidad Andrés Bello – Universidad Complutense de Madrid
Peter Sloterdijk, Heidegger, Antropotécnicas, biopolítica, diseño de lo humano, biotecnología, antropología, Parque humano, Humanismo, Posthumanismo, esferas, inmunidad, ejercicio, pensar, ascética, antogenealogía,
Keywords
Peter Sloterdijk, Anthropotechnics, biopolitics, animal designed, biotechnology, anthropology, anthogenealogy, human park, spheres, immunity, exercise, think, ascetic
ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA FILOSOFÍA Y ARTE
HISTORIA DE LA FILOSOFÍA MODERNA Y CONTEMPORÁNEA
CONTENIDOS DE LA ASIGNATURA
Prof. Dr. Adolfo Vásquez Rocca
FILOSOFÍA MODERNA Y CONTEMPORÁNEA
PETER SLOTERDIJK Y HEIDEGGER: NORMAS PARA EL PARQUE ZOOLÓGICO-TEMÁTICO HUMANO, CULTURAS POST-HUMANÍSTICAS Y CAPITALISMO CÁRNICO CONTEMPORÁNEO Por ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
SLOTERDIJK; PSICOPOLÍTICA Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA y Lic. ORIANA VILLALOBOS PULGAR
REVISTA OBSERVACIONES FILOSÓFICAS Nº 15 2012 – 2013 REVISTA DE FILOSOFÍA CONTEMPORÁNEA FULL INDEXADA Director Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Revista Observaciones Filosóficas
Adolfo Vásquez Rocca PH. D.
adolfovrocca@gmail.com